การเชื่อมโยงและการถ่ายทอดจากภายใน | 10 คำถามกับ Masamiya Hikaru | ISSUE #2

‘ISSUE’ คือซีรีส์ที่เจาะลึกถึงความรู้สึกและกระบวนการคิดของครีเอเตอร์จากทั่วโลก จุดประกายแรงบันดาลใจใหม่ ๆ
ใน ‘ISSUE #2’ เราได้พูดคุยกับ Masamiya Hikaru อาร์ตไดเรกเตอร์ที่ทำงานในโตเกียว ผ่าน 10 คำถามเพื่อสำรวจรากฐานอันหลากหลาย มุมมองโลกเฉพาะตัว และวิธีการถ่ายทอดผลงานของเขา

แม่ของผมเป็นชาวจีน พ่อเป็นชาวออสเตรเลีย แต่ผมเกิดและเติบโตในโตเกียวเหมือนคนญี่ปุ่น (หัวเราะ) ปัจจุบันผมทำงานเป็นอาร์ตไดเรกเตอร์และดีไซเนอร์ในโตเกียว และก่อตั้งแบรนด์ชื่อ ‘aesthesia’ (เอสทีเซีย)

ตั้งแต่เด็กผมชอบวาดรูปมาก จนเป็นที่รู้กันว่าผมชอบวาดรูปทุกที่ (หัวเราะ) หลังจบมัธยมปลาย ผมออกเดินทางรอบโลกแบบแบ็คแพ็คเกอร์ ประสบการณ์นั้นส่งผลต่อการทำงานในปัจจุบันของผม

แรงบันดาลใจในการเดินทางรอบโลกเกิดขึ้นตอนสอบกลางภาคในโรงเรียนมัธยม

ระหว่างสอบ ผมนั่งอยู่แถวหลังสุด หยุดเขียนแล้วมองเพื่อน ๆ ที่นั่งข้างหน้า ทุกคนใส่ชุดนักเรียนเหมือนกัน ทำข้อสอบพร้อมกันอย่างเป็นระบบ

ผมรู้จักตัวตนและความงามภายในของแต่ละคนดี เลยรู้สึกว่าสถานการณ์นั้นน่าสนใจ และเริ่มกลัวว่าการใช้ชีวิตตาม ‘รางที่ถูกวางไว้’ อาจทำให้สูญเสียความเป็นตัวเอง

ถ้าทุกคนได้ตอบในแบบของตัวเอง โลกคงน่าสนใจกว่านี้ (หัวเราะ)

จากประสบการณ์นั้น เมื่อมองหาทางเดินชีวิต ผมอยากรู้จักคุณค่า วัฒนธรรม และโลกที่ไม่เคยสัมผัส แม้จะพูดภาษาอังกฤษไม่ได้เลย แต่ก็ตัดสินใจ ‘ออกไปสู่โลกกว้าง!’
ทำให้ผมได้เรียนรู้ว่าคุณค่าของแต่ละที่ วัฒนธรรม และสิ่งแวดล้อมมีมากมาย และเมื่อไปต่างประเทศ วิธีคิดก็เปลี่ยนไปอย่างสิ้นเชิง แต่ในขณะเดียวกัน แก่นแท้ของมนุษย์ก็ไม่เปลี่ยนแปลงไม่ว่าอยู่ที่ไหนในโลก

ระหว่างเดินทางรอบโลก ผมเคยเป็นนักข่าวแฟชั่น ถ่ายแฟชั่นสตรีท และแม้จะเป็นช่างภาพสมัครเล่น ก็เคยแอบเข้าไปในแฟชั่นวีคต่างประเทศ (หัวเราะ)

ตั้งแต่ตอนนั้น ผมเริ่มไปนิทรรศการแฟชั่น งานศิลปะ และงานแสดงภาพถ่าย

ถ้าพูดถึงภาพถ่าย ประสบการณ์ที่ฝังใจคือ ตอนอายุ 20 ได้ไปดูนิทรรศการ ‘So Far So Goute’ ของ Jean-Paul Goude ที่มิลาน ประเทศอิตาลี รู้สึกทึ่งกับไอเดียและวิธีคิดที่ไม่เหมือนใคร

นั่นคือประสบการณ์เกี่ยวกับภาพถ่ายที่ยังคงอยู่ในความทรงจำของผม

ผมไม่มีความทรงจำแรกเกี่ยวกับการถ่ายภาพเลย คิดว่าคงถ่ายตั้งแต่ก่อนจะจำความได้

เพราะแม่ของผมมักจะพกกล้องติดตัวอยู่เสมอ อาจจะเคยถูกยื่นกล้องให้ถ่ายตั้งแต่ยังเล็กจนจำไม่ได้

แต่ตอนเด็ก ๆ ผมชอบวาดรูปมาก

ทุกวันนี้ ผมมองว่าการถ่ายภาพเป็นเรื่องของเทคนิค มีความรู้สึกแบบวิศวกรอยู่บ้าง แม้จะดูเป็นกลไกก็ตาม

ถ้าจะเปรียบเปรย ภาพถ่ายคือ ‘การจับภาพภายนอก’ ส่วนการวาดรูปคือ ‘การปลดปล่อยจากภายใน’

ดังนั้น เวลามองผ่านช่องมองภาพ ผมไม่ได้รู้สึกว่ากำลังตัดภาพทิวทัศน์ภายนอก แต่เหมือนกำลังถ่ายทอดผ่านมุมมองของการวาดรูป

ผมคิดว่าตั้งแต่เด็ก ผมก็ครุ่นคิดเสมอว่าจะยกระดับภาพถ่ายให้กลายเป็นงานศิลปะได้อย่างไร

ถ้าไม่ใช่งานที่ต้องสร้างสรรค์อย่างละเอียด ผมไม่ได้ยึดติดกับอุปกรณ์มากนัก

บางครั้งผมต้องถ่ายวิดีโอในงาน แต่ก็มักจะนำเฟรมจากวิดีโอมาทำเป็นภาพถ่าย

เพราะผมชอบสัมผัสเฉพาะตัวของภาพยนตร์ และการตัดเฟรมจากวิดีโอมาเป็นภาพถ่ายให้ความรู้สึกถึงการจับช่วงเวลาหนึ่งในกระแสของเหตุการณ์ อาจจะเรียกได้ว่าการสร้างภาพถ่ายจากวิดีโอคือความพิถีพิถันของผม (หัวเราะ) สุดท้ายแล้ว ทั้งหมดก็คือเฟรมเหมือนกัน

สำหรับกล้องวิดีโอ ผมใช้ Pocket Cinema Camera ของ Blackmagic ซึ่งเป็นแบรนด์ออสเตรเลีย

ถ้าเป็นกล้องถ่ายภาพที่ใช้ประจำ ผมชอบกล้องฟิล์ม 35 มม. แบบอินสแตนท์ ให้ความรู้สึกที่เป็นธรรมชาติ แม้จะใส่ใจเรื่องสัมผัสของภาพแต่ไม่ได้ยึดติดกับยี่ห้อ

กล้องที่ใช้ประจำต้อง ‘เป็นธรรมชาติและใช้งานง่าย’ ผมชอบหยิบกล้องออกจากกระเป๋าแล้วถ่ายทันที
คิดว่าการเริ่มใช้กล้องอินสแตนท์ 35 มม. ได้รับอิทธิพลจาก Hiroyuki Koshikawa ช่างภาพที่ผมพบในยูเครนระหว่างเดินทางรอบโลก

ตอนเดินทางรอบโลก ผมยังมีกล้อง 35 มม. MINOLTA Riva ZOOM ที่ซื้อมาจากร้านของเก่า แต่พอกลับมาญี่ปุ่นกล้องก็เสีย ตอนนี้ใช้ Canon autoboy 3 เป็นกล้องตัวที่สองแทน

ผมชอบ Londrelle ซึ่งเป็นทั้งกวีและศิลปิน ตั้งแต่ก่อนเขาจะโด่งดัง และช่วงนี้ก็ฟังบ่อย
สิ่งที่ดีของเขาคือ เนื้อเพลงและแก่นของผลงานไม่เคยเปลี่ยนมาตลอด 5 ปีที่ผ่านมา ได้เรียนรู้ว่าของที่ดีจริง ๆ จะไม่เสื่อมคลายตามกาลเวลา

นอกจากนี้ ผมกลับไปฟังอัลบั้ม ‘Sunday Service’ ที่โปรดิวซ์โดย Kanye West อีกครั้ง และระหว่างทำงานก็มักจะฟังเพลงของ Tchaikovsky, Mozart หรือ AOKI TAKAMASA

เพลงคลาสสิกช่วยให้ทำงานได้ดีขึ้น อยากให้ทุกคนลองฟังดู (หัวเราะ)

เวลาสร้างสรรค์ผลงาน ผมจะจดจ่อกับตัวเอง ไม่ได้ตั้งใจเลียนแบบใคร แต่ประสบการณ์ในอดีตที่ได้รับแรงบันดาลใจมากมายมักจะสะท้อนออกมาในช่วงเวลานั้น

ผมคิดว่านี่คือกฎส่วนตัวที่ช่วยให้ผมถ่ายทอดสิ่งที่อยู่ภายในออกมาได้อย่างซื่อสัตย์

แต่บ่อยครั้งผมได้รับแรงบันดาลใจจากการศึกษาประวัติศาสตร์มากกว่าบุคคลใดบุคคลหนึ่งโดยเฉพาะ

เช่น เวลาผมอยากถ่ายภาพพอร์ตเทรตแบบที่เห็นในห้องดนตรี ผมจะย้อนกลับไปศึกษาประวัติศาสตร์ของภาพพอร์ตเทรต

เมื่อค้นคว้า ผมพบว่าผู้ที่ทำให้ภาพพอร์ตเทรตเป็นที่รู้จักในวงการถ่ายภาพคือ Nadar ช่างภาพชาวฝรั่งเศสในยุค 1850s

Nadar ถ่ายภาพพอร์ตเทรตของบุคคลสำคัญและศิลปินในสตูดิโอที่ปารีส สิ่งที่น่าสนใจคือ ศิลปินอิมเพรสชั่นนิสต์ชื่อดังอย่าง Monet และ Cézanne ก็เคยเช่าสตูดิโอของ Nadar จัดนิทรรศการครั้งแรก ซึ่งกลายเป็นจุดเริ่มต้นของขบวนการอิมเพรสชั่นนิสต์ที่มีชื่อเสียงในปัจจุบัน ทุกอย่างเชื่อมโยงกัน

อีกอย่าง ปัจจุบันการถ่ายภาพทางอากาศด้วยโดรนเป็นเรื่องปกติ แต่ Nadar ก็เป็นคนแรกที่ถ่ายภาพทางอากาศด้วยบอลลูน ภาพพอร์ตเทรตและภาพถ่ายทางอากาศมีผู้บุกเบิกคนเดียวกัน ถือว่าน่าสนใจมาก

การศึกษาประวัติศาสตร์ทำให้ได้เรียนรู้สิ่งใหม่ ๆ เสมอ

ตอนผมอยู่ปารีสก็เคยไปที่ตั้งสตูดิโอของ Nadar แต่เสียดายที่ไม่มีร่องรอยเหลืออยู่แล้ว (หัวเราะ)

ผมอยากลองใช้กล้องฟิล์ม 35 มม. Kyocera TD
เพราะมาพร้อมเลนส์ ‘Carl Zeiss Tessar T*’ ให้สัมผัสของภาพที่ดี และผมก็ชอบดีไซน์ของกล้องนี้ด้วย

อีกตัวที่เป็นของหรูแต่ผมสนใจมาตลอดคือ LEICA minilux
ราคาขึ้นทุกปี ยิ่งซื้อตอนนี้ยิ่งถูกกว่าปีหน้า กล้องนี้จึงเป็นที่รักของหลายคนและถือเป็นกล้องหายาก

ถ้าเป็นการถ่ายคน ผมชอบภาพที่ถ่ายได้ในช่วงเวลาที่รู้สึกเชื่อมโยงกับจิตใจของอีกฝ่ายมากที่สุด

เมื่อเกิดการเชื่อมโยงทางความรู้สึก หรือพูดง่าย ๆ คือช่วงเวลาที่แบบแสดงตัวตนที่แท้จริงออกมาโดยไม่เสแสร้ง ผมจะถูกดึงดูดและอินไปกับสถานการณ์นั้น

อธิบายด้วยคำพูดยากเหมือนกัน (หัวเราะ)

ถ้าเป็นภาพทิวทัศน์ ผมชอบถ่ายอาคารในต่างประเทศ สิ่งที่ตั้งอยู่ในที่เดิมเป็นเวลานานกว่าชีวิตของเรา เมื่อถ่ายภาพเหล่านั้นเหมือนได้เป็นส่วนหนึ่งของประวัติศาสตร์

การยอมทำในสิ่งที่ตัวเองหรือคนอื่นคิดว่า ‘ไม่เท่’

ช่วงเวลาแบบนั้นแหละที่ตัวตนของศิลปินหรือความเป็นมนุษย์จะปรากฏออกมา

รอบตัวผมมีดีไซเนอร์หลายคน เลยได้เสื้อผ้าฟรีหรือมีคนส่งมาให้บ่อย ๆ (หัวเราะ)

บางครั้งก็แลกเปลี่ยนสินค้าที่ตัวเองทำกับเพื่อนดีไซเนอร์ เพราะรู้จักกันดี เขาก็จะปรับดีไซน์ให้ตรงกับความชอบของผม คนที่ชอบสร้างสรรค์จะยินดีฟังและบางครั้งไอเดียเหล่านั้นก็กลายเป็นคอลเลกชันใหม่

อีกอย่าง ผมไม่ค่อยถนัดเลือกเสื้อผ้าจากร้านที่มีแบบตายตัว

ผมถ่ายภาพด้วยความรู้สึกเป็นหลัก การตั้งค่าจึงขึ้นอยู่กับสถานการณ์ ทั้งสภาพอากาศ สภาพแวดล้อม หรือแม้แต่ความรู้สึกในแต่ละวัน

แต่ถ้าเป็นโฟกัส ผมชอบใช้แมนนวลมากกว่า

ขอเล่าเรื่องขำ ๆ สักหน่อย (หัวเราะ)

ตอนเดินทางรอบโลก ผมพกกล้อง DSLR ของ Nikon ไปด้วย แต่ชีวิตแบบแบ็คแพ็คเกอร์ค่อนข้างสมบุกสมบัน กระเป๋าโดนกระแทก หรือเวลานอนริมทะเลก็มีทรายเข้าไปในกล้อง จนระบบออโต้โฟกัสเสีย

ไม่มีเงินซื้อเลนส์ใหม่ เลยต้องใช้แมนนวลโฟกัสอย่างเดียว

แรก ๆ ไม่ชินกับการต้องโฟกัสเองในช่วงเวลาที่อยากถ่ายทันที แต่พอทำไป 1 ปีครึ่งก็กลายเป็นเรื่องปกติ แล้วสุดท้ายก็เพิ่งรู้ว่าจริง ๆ ปุ่มแค่แข็ง ไม่ได้เสีย (หัวเราะ)

แต่พอชินแล้วก็รู้สึกว่าแมนนวลโฟกัสใช้งานได้ดี ประสบการณ์นี้ทำให้ผมมั่นใจในความยืดหยุ่นของระบบแมนนวล

สำหรับมืออาชีพ แมนนวลถือเป็นพื้นฐานอยู่แล้ว แต่ประสบการณ์นี้ทำให้ผมซึมซับความรู้สึกของการโฟกัสด้วยมืออย่างเป็นธรรมชาติ ถือว่าโชคดีมาก

ถ้าจะสร้างสรรค์งานที่พิถีพิถัน ผมอยากใส่ใจในรายละเอียดที่เป็นแมนนวลทุกขั้นตอน

ผมเชื่อว่าสิ่งที่ทำให้งานศิลปะเป็นศิลปะ คือ ‘บางอย่าง’ ที่อธิบายไม่ได้ และมันเกิดจากรายละเอียดเล็ก ๆ เหล่านี้แหละ พระเจ้าสถิตอยู่ในรายละเอียด (หัวเราะ)