Perché ancora una volta «PROVOKE»: il tatto fotografico di Are, Bure, Boke | Knowledge #488

Guardando una fotografia, capita di ricordare suoni o odori di quel luogo. Quando accade, la fotografia si trasforma da semplice “documento” a una piccola esperienza vissuta.
Anche se è un’immagine statica, nella mente inizia a scorrere un breve filmato: questa sensazione misteriosa è forse la prova che la fotografia ci trasmette qualcosa che va oltre ciò che appare.

In questo articolo, cercheremo di chiarire con delicatezza «perché una fotografia può sembrare un’immagine in movimento», attraverso la prospettiva di «PROVOKE» e del linguaggio di «Are, Bure, Boke» degli anni ’60 e ’70.

Per approfondire, consigliamo anche la lettura del precedente articolo Il mondo di Are, Bure, Boke. Chi desidera esplorare ulteriormente la storia del bokeh può consultare La storia e l’evoluzione del bokeh: estetica e racconto nella fotografia e #bokeh | Bokeh come distanza e atmosfera.

Negli anni ’60 e ’70, autori come e attraverso la rivista d’avanguardia «PROVOKE» misero in discussione l’idea di “fotografia corretta” dell’epoca. Invece di escludere mosso, fuori fuoco e grana come “errori”, li accolsero consapevolmente come tatto per avvicinarsi alla crudezza del reale.

Più una fotografia è “ordinata”, più si avvicina alla verità?
O forse, è proprio nell’imperfezione che resta la pelle di un’epoca?

La domanda posta da «PROVOKE» non ha perso attualità.

La ragione è semplice: oggi siamo circondati da immagini “perfette e precise” come mai prima. Correzione automatica degli smartphone, rimozione del rumore tramite AI, nitidezza, HDR. Viviamo un’epoca in cui chiunque può produrre immagini senza difetti.
Qui, «Are» indica la grana e la ruvidità (荒れ): non solo il rumore ad alta sensibilità o le scale tonali ruvide, ma la qualità “non rifinita” della fotografia stessa.

Proprio per questo, il fascino della fotografia non si esaurisce più nell’assenza di imperfezioni. Un po’ di vibrazione, un po’ di ambiguità, un po’ di grana: dentro questi “rumori” possono emergere il respiro dell’autore e la temperatura del luogo. «Are, Bure, Boke» oggi ci restituisce la “tattile” della fotografia.

Le fotografie che spiegano tutto sono molto “gentili”. Ma quelle che restano nel cuore spesso lasciano “qualcosa di irrisolto”. «Cosa stava guardando questa persona?», «Cosa è successo dopo?». Questa mancanza muove delicatamente l’immaginazione dello spettatore e trasforma la fotografia in racconto.

Quando la narrazione prende vita, non riceviamo più una fotografia come “immagine statica”, ma come “esperienza” che include un prima e un dopo. Se nella mente scorrono immagini in movimento, forse è perché la fotografia ci ha lasciato una domanda.

Il mosso è come la coda di un movimento. Camminare, voltarsi, sorridere: l’attimo prima e dopo resta impresso nella fotografia.
Più che eliminare il mosso, proviamo a chiederci «quale qualità del tempo voglio lasciare»: la fotografia inizierà a muoversi con maggiore dolcezza.

Più aumenta il bokeh, più crescono le parti invisibili. Così cerchiamo di percepire distanza e temperatura.

Quando i contorni si dissolvono, la fotografia comunica più “presenza” che “spiegazione”. Forse è per questo che, pur essendo statica, può sembrare scorrere come un film.

Le fotografie che evocano immagini in movimento sono quelle che non dicono tutto. Non mostrano troppo. Non sono troppo rifinite. Lasciano un po’ di spazio vuoto. In quello spazio si inseriscono il respiro e i ricordi dello spettatore, e la fotografia torna a muoversi ogni volta.

Ci sono momenti in cui l’“imperfezione” diventa alleata dell’espressione. Che anche la tua fotografia possa accogliere questa apertura.