Pourquoi revenir à « PROVOKE » ? La matérialité photographique retrouvée par l’Are-Bure-Boke | Knowledge #488

Face à certaines photographies, il arrive que l’on se surprenne à se remémorer les sons ou les odeurs du moment capturé. Devant de telles images, la photographie cesse d’être un simple « enregistrement » pour devenir une expérience intime.
Bien que fixes, ces images déclenchent dans notre esprit de courts films, preuve que la photographie nous transmet quelque chose de plus que ce qu’elle montre.

Dans cet article, nous allons explorer, à travers le prisme de « PROVOKE » et de l’esthétique « Are-Bure-Boke » des années 1960-70, pourquoi une photographie peut nous sembler « cinématographique ».

Pour approfondir cette réflexion, nous vous invitons à relire le précédent numéro du magazine « L’univers de l’Are-Bure-Boke ». Pour aller plus loin sur le bokeh, consultez également L’histoire et l’évolution du bokeh, une esthétique gravée dans la photographie ou #bokeh | Capturer la distance et l’atmosphère par le flou.

Dans les années 1960-70, Daidō Moriyama, Takuma Nakahira et d’autres photographes ont, à travers la revue « PROVOKE », remis en cause la notion de « bonne photographie » de l’époque. Plutôt que d’écarter le flou, le bokeh ou le grain comme des « erreurs », ils les ont revendiqués comme une matérialité permettant de saisir la vitalité du réel.

Plus une photographie est « parfaite », plus elle se rapproche-t-elle de la vérité ?
Ou bien, n’est-ce pas justement dans ses aspérités que subsiste la texture d’une époque ?

La question posée par « PROVOKE » demeure d’une grande actualité.

La raison est simple : jamais nous n’avons été autant entourés d’images « parfaites et précises ». Correction automatique des smartphones, suppression du bruit par l’IA, netteté, HDR… Nous vivons à une époque où chacun peut produire des images sans défaut.
Ici, « Are » désigne la rugosité du grain, la texture brute – ce que l’on appelle le bruit à haute sensibilité ou les dégradés irréguliers, bref, tout ce qui fait que la photographie n’est pas totalement « lisse ».

C’est pourquoi, à l’inverse, la force de la photographie ne réside plus seulement dans sa « perfection ». Un léger flou, une certaine ambiguïté, un grain marqué… Dans ce bruit, on perçoit la respiration du photographe, la température de la scène. L’Are-Bure-Boke nous permet aujourd’hui de retrouver la matérialité sensible de la photographie.

Une photographie qui explique tout est rassurante. Mais celles qui marquent la mémoire laissent souvent une part de « non-dit ». « Que regardait cette personne ? », « Que va-t-il se passer ensuite ? » – ce manque suscite l’imagination du spectateur et transforme l’image en récit.

Lorsque le récit s’anime, nous ne percevons plus la photographie comme une simple image fixe, mais comme une expérience englobant un avant et un après. Si un film se déroule dans notre esprit, c’est sans doute parce que la photographie a su laisser une question ouverte.

Le flou agit comme la traîne d’un mouvement. Marcher, se retourner, sourire… L’instant d’avant ou d’après subsiste en filigrane dans l’image.
Plutôt que de chercher à éliminer le flou, interrogez-vous sur la qualité du temps que vous souhaitez retenir : la photographie s’animera alors avec douceur.

Plus le bokeh s’intensifie, plus la part d’invisible s’accroît. Nous tentons alors d’y percevoir une distance, une température.

En dissolvant les contours, la photographie transmet moins une « explication » qu’une « présence ». C’est peut-être ainsi qu’une image fixe parvient à nous toucher comme un film en mouvement.

Une photographie qui fait naître un film intérieur est une image qui ne dit pas tout. Ne pas tout montrer, ne pas tout lisser, laisser un peu de vide : dans cet espace, la respiration et la mémoire du spectateur s’invitent, et la photographie se renouvelle à chaque regard.

L’« imperfection » devient alors une alliée de l’expression. Puisse votre image accueillir, elle aussi, cette part de vide.