Connexion et expression de l'intériorité | 10 questions à Masamiya Hikaru | ISSUE #2

« ISSUE » propose une plongée dans la sensibilité et la réflexion des créateurs du monde entier, pour stimuler de nouvelles inspirations.
Dans « ISSUE #2 », nous avons posé 10 questions à Masamiya Hikaru, directrice artistique basée à Tokyo, afin d'explorer ses racines multiples, son univers singulier et ses modes d'expression.

Ma mère est chinoise, mon père australien, et j'ai grandi à Tokyo en tant que Japonaise (rires). Aujourd'hui, je travaille à Tokyo comme directrice artistique et designer, et je développe la marque « aesthesia (エステジア) ».

Depuis toute petite, j'aimais dessiner, au point d'être connue pour gribouiller partout (rires). Après le lycée, je suis partie faire le tour du monde en tant que backpackeuse, une expérience qui influence encore mon travail aujourd'hui.

L'envie de voyager m'est venue pendant un examen au lycée.

En pleine épreuve, assise au dernier rang, j'ai arrêté mon stylo et observé mes camarades devant moi. Bien sûr, tout le monde était habillé pareil, en uniforme, répondant au même test en même temps.

Je connaissais la beauté intérieure et la singularité de chacun, et cette uniformité m'a frappée. J'ai ressenti une peur : vivre selon un « chemin tout tracé » pouvait mener à la perte de l'individualité.

Je me suis dit que ce serait bien plus intéressant si chacun répondait à sa façon (rires).

En élargissant ma perspective, j'ai eu envie de découvrir d'autres valeurs, d'autres cultures, d'autres mondes que le Japon. Même sans parler anglais, j'ai décidé de « partir à la découverte du monde ! ».
Grâce à cela, j'ai compris que les « systèmes de valeurs » sont innombrables selon les lieux, les cultures, les environnements, et qu'un changement de pays peut bouleverser notre façon de penser. Mais j'ai aussi appris que l'essentiel reste universel, peu importe où l'on va.

Pendant mon tour du monde, j'ai travaillé comme journaliste de mode, réalisant des street snaps, et, bien que photographe amateur, j'ai même infiltré des Fashion Weeks à l'étranger (rires).

C'est à cette époque que j'ai commencé à fréquenter des expositions de mode, de dessin et de photographie.

En photographie, l'expérience la plus marquante reste l'exposition « So Far So Goude » de Jean-Paul Goude à Milan, que j'ai vue à 20 ans. J'ai été fascinée par l'originalité de sa vision.

Ce sont des souvenirs qui restent gravés dans ma mémoire photographique.

Je n'ai pas vraiment de souvenir de ma première photo. Je pense que je photographiais déjà avant d'en avoir conscience.

Ma mère portait toujours un appareil photo, donc il est probable qu'elle me l'ait confié avant même que j'en garde un souvenir.

Mais enfant, ce que j'aimais surtout, c'était dessiner.

Aujourd'hui encore, je perçois la photographie comme une pratique technique, avec une approche presque d'ingénieur, un côté mécanique aussi.

De façon abstraite, je dirais que la photographie « saisit l'extérieur », tandis que le dessin « exprime l'intérieur ».

Peut-être que, lorsque je regarde dans le viseur, je n'essaie pas tant de découper le paysage que de traduire une vision picturale.

Depuis toujours, je me demande comment une photographie peut être sublimée en œuvre picturale.

Sauf pour des œuvres très construites, je ne suis pas particulièrement attachée au matériel.

Il m'arrive de filmer pour le travail, et souvent, j'extrais des images fixes de la vidéo.

J'aime la texture propre au cinéma, et le fait de capturer une image issue d'une séquence vidéo donne une impression de continuité. Peut-être que ma spécificité, c'est justement de créer des photographies à partir de la vidéo (rires). Après tout, ce ne sont que des cadres.

Pour la vidéo, j'utilise principalement la Pocket Cinema Camera de la marque australienne Blackmagic.

Pour la photo au quotidien, je préfère les appareils instantanés 35mm. Je fais attention au rendu, mais pas vraiment à la marque.

Pour moi, l'essentiel dans un appareil du quotidien, c'est la spontanéité et la simplicité : pouvoir le sortir de la poche et capturer l'instant sur le vif.
En y repensant, mon goût pour l'instantané 35mm vient sans doute du photographe Hiroyuki Koshikawa, rencontré en Ukraine lors de mon tour du monde, qui m'a photographiée.

J'avais aussi un MINOLTA Riva ZOOM trouvé dans une boutique d'antiquités pendant mon voyage, mais il est tombé en panne à mon retour. Depuis, j'utilise un Canon autoboy 3 comme deuxième appareil.

J'apprécie Londrelle, également poète, depuis avant sa notoriété, et je l'écoute beaucoup ces derniers temps.
Ce que j'aime chez lui, c'est que, depuis cinq ans, ses paroles et l'essence de son propos n'ont pas changé. J'apprends ainsi que ce qui est fondamentalement bon ne se démode jamais.

Je réécoute aussi l'album « Sunday Service » produit par Kanye West, et, en travaillant, j'écoute souvent Tchaïkovski, Mozart ou encore les morceaux de AOKI TAKAMASA.

La musique classique favorise la concentration, je recommande à tout le monde d'essayer (rires).

Quand je crée, je suis tellement absorbée que je ne cherche pas à imiter qui que ce soit. J'ai l'impression que toutes les expériences passées qui m'ont inspirée se manifestent dans l'instant présent.

Je crois que c'est une règle personnelle pour rester fidèle à mon désir d'exprimer mon intériorité.

Cela dit, je puise souvent l'inspiration dans l'histoire plutôt qu'auprès d'une personne en particulier.

Par exemple, si j'ai envie de réaliser un portrait dans l'esprit des tableaux accrochés dans les salles de musique, je me plonge dans l'histoire du portrait.

En cherchant qui a popularisé le portrait photographique, j'ai découvert que c'est Nadar, photographe français des années 1850, qui l'a diffusé.

Nadar réalisait alors des portraits de personnalités et d'artistes dans son atelier parisien. Ce qui est fascinant, c'est que des peintres impressionnistes célèbres au Japon comme Monet ou Cézanne ont organisé leur première exposition dans l'atelier de Nadar, ce qui a marqué le point de départ du mouvement impressionniste. Tout est lié !

Aujourd'hui, la prise de vue aérienne par drone est courante, mais il paraît que Nadar fut aussi le premier à photographier depuis une montgolfière. C'est amusant de voir que le pionnier du portrait et de la photographie aérienne est la même personne.

Explorer l'histoire permet de découvrir tant de choses insoupçonnées, c'est passionnant.

J'ai même visité l'adresse de l'atelier de Nadar à Paris, mais malheureusement il n'en reste plus de trace (rires).

J'aimerais essayer le Kyocera TD, un appareil photo argentique 35mm.
L'objectif « Carl Zeiss Tessar T* » offre un rendu superbe, et j'aime aussi beaucoup son design.

Sinon, le LEICA minilux me fait rêver, même si c'est un objet de luxe.
Sa cote ne cesse de grimper, ce qui en fait un appareil rare et prisé, aimé de beaucoup.

Pour les portraits, j'aime particulièrement les moments où je ressens une connexion avec la personne photographiée.

Ce sont ces instants où le modèle se montre tel qu'il est, dans sa vérité, et où je me sens naturellement attirée, immergée dans la scène.

C'est difficile à exprimer avec des mots (rires).

Pour les paysages, j'aime photographier l'architecture à l'étranger. Capturer des édifices qui traversent le temps, bien plus longtemps que ma propre existence, me donne l'impression de faire partie de leur histoire.

Que ce soit chez moi ou chez les autres, céder à la facilité en faisant quelque chose que je trouve « pas cool ».

C'est dans ces moments-là que la personnalité artistique ou humaine se révèle.

J'ai beaucoup d'amis designers, donc il m'arrive souvent de recevoir ou de me faire envoyer des pièces (rires).

On échange parfois nos créations. Comme ce sont des proches, ils adaptent parfois le design à mes goûts. Ils aiment créer, donc ils sont ravis d'écouter mes envies, et cela peut même inspirer de nouvelles collections.

Je ne suis pas très à l'aise avec l'idée de choisir parmi les vêtements d'une boutique précise.

Je photographie à l'instinct, donc mes réglages varient beaucoup selon la situation. Bien sûr, la météo et l'environnement comptent, mais aussi la façon dont je perçois le monde ce jour-là.

En ce qui concerne la mise au point, je préfère la faire en manuel, c'est une question de ressenti.

Petite anecdote un peu maladroite pour finir (rires).

Pendant mon tour du monde, j'avais emporté un reflex Nikon, mais la vie de backpackeuse est rude : le sac cogne partout, le sable s'infiltre lors des nuits sur la plage, et l'autofocus a fini par ne plus fonctionner.

Je n'avais pas les moyens de racheter un objectif, donc j'ai dû me mettre au tout manuel.

Au début, c'était difficile de faire la mise au point manuelle sur le vif, mais après un an et demi, c'est devenu naturel. Et finalement, j'ai découvert que le bouton était juste devenu dur, l'appareil n'était pas vraiment cassé (rires).

Mais à force, j'ai apprécié la liberté du manuel, et cette expérience m'a convaincue de ses avantages.

Les professionnels travaillent souvent en manuel, mais grâce à cette expérience, j'ai acquis ce ressenti instinctif pour la mise au point manuelle, ce qui est une chance.

Quand il s'agit de créer, je veux mettre l'accent sur les aspects manuels, car c'est là que réside la force de l'œuvre.

Ce « quelque chose » d'indéfinissable qui fait l'art, naît souvent de ces petits détails. Comme on dit, « le diable se cache dans les détails » (rires).