세계에서 가장 오랜 역사를 자랑하는 사진 전문지 British Journal of Photography가 답하는 ‘10가지 질문’ | ISSUE #235

독창적인 시각으로 사진 표현을 탐구하는 인물과 매체를 인터뷰하며, 창작의 원점과 사상, 제작 프로세스를 심층적으로 조명합니다. 이를 통해 전 세계 포토그래퍼와 포토미디어에 새로운 영감을 전합니다.

세계에서 가장 오랜 역사를 자랑하는 사진 전문지 〈British Journal of Photography〉. 그 창작의 원점과 소중히 여겨온 사상과 시각을, 지금 이 시대에 언어로 아카이브에 남기는 일은 앞으로의 사진 문화를 지탱하는 한 축이 될 것입니다.

이번에는 〈British Journal of Photography〉의 에디터 Diane Smyth에게 ‘10가지 질문’을 던지며, 그녀의 표현이 구체화되는 과정에 다가갑니다.

겉으로는 모순적으로 보일 수 있지만, 오랜 역사를 가진 매체에 몸담을수록 오히려 ‘지금 일어나고 있는 사진 표현’에 깊이 관여하고 싶다는 마음이 커집니다.
창간 당시, 사진은 새로운 매체였고, 독자들은 신흥 기술을 키워가며 새로운 세계관을 형성하고 있었습니다. 그렇기 때문에 저희 역시, 제작과 유통을 둘러싼 기술의 변화를 정면으로 받아들이고, 그것이 환경이나 타인과의 관계를 어떻게 변화시키는지 끊임없이 질문하는 것이 중요하다고 생각합니다.

동시에, 〈BJP〉가 ‘과거와 어떻게 다른 존재가 되고 싶은가’도 항상 의식하고 있습니다. 과거의 〈BJP〉는 부유한 백인 남성 커뮤니티에 의해 지지되었고, 제국주의 시대의 가치관과도 무관하지 않았습니다.

저는 어머니이자 두 번째 여성 편집장이며, 북아일랜드 출신입니다. BJP가 그 오래된 시대의 잔재를 극복하고, 더 다양한 이야기와 시각을 받아들이는 것이야말로 지속과 진화를 위해 필수적이라고 느끼고 있습니다.

먼저 말씀드리고 싶은 것은, 이 모든 프로젝트는 동료 Zoe Harrison이 디렉션을 맡고 있으며, 그녀의 역량이 정말 뛰어나다는 점입니다. 그 위에서, 각 프로그램은 공통적으로 ‘긍정적인 변화’를 만들어내기 위해 설계되었습니다.

예를 들어 ‘Female in Focus’는 다양한 분야에서 아직 충분히 평가받지 못한 여성/여성으로 정체성을 가진 아티스트들에게 더 많은 기회를 제공하는 것이 목적입니다. ‘OpenWalls’는 포토페스티벌 기간 중 아를에서 작품을 발표할 수 있는 장을 아티스트에게 제공하는 프로젝트입니다.

‘Portrait of Britain’에서는 〈JCDecaux〉가 보유한 공공 빌보드를 〈BJP〉가 활용해, 영국에서 촬영된 인물 사진 작품을 전시합니다. 그곳에 드러나는 것은 우리가 살아가는 역동적인 다문화 커뮤니티의 모습 그 자체입니다. 정치적 수사가 강해지는 시대이기에, ‘Portrait of Britain’은 사회에 긍정적인 개입이 될 수 있다고 생각합니다.

‘Ones to Watch’의 작가는 전 세계 각지의 추천자(노미네이터)로부터의 추천을 통해 선정됩니다. 이들은 시간과 네트워크를 아낌없이 투자해, 지금 주목해야 할 이미지메이커를 저희에게 소개해줍니다. 그중에서 최종적으로 15명을 선정해야 하기에 어려움도 있지만, 매우 흥미로운 과정이기도 합니다. 

선정에서는 최대한 다양한 지역의 작가를 다루고, 접근 방식의 폭이 넓어질 수 있도록 몇 가지 지침을 두고 있습니다. 또한 ‘신진’이라고 해도 반드시 나이가 젊다는 의미는 아닙니다. 최근에는 어려운 배경으로 인해 경력 형성에 시간이 걸린 인도의 달릿 공동체 출신 작가나, 자녀가 자립한 후 창작을 시작한 방글라데시 출신 어머니 작가 등도 소개해왔습니다. 

그리고 최근 특히 마음을 움직였던 것은, 우크라이나나 팔레스타인 등 자국의 분쟁에 응답하며 작품을 만들어내는 매우 젊은 이미지메이커들입니다.

이러한 파트너십은 예를 들어 보들리언 도서관과 같은 기관이 가진 무게감과 신뢰성을 사진가에게 부여해줍니다. 동시에, 작품과 이미지를 아카이브에 소장하고, 미래까지 정성스럽게 보존하는 데에도 연결됩니다. 브리티시 카운슬과의 협업에서는, 그 어느 때보다 국민적 정체성이 흔들리는 시대에 정체성을 둘러싼 논의를 기획할 수 있었습니다. 사진이 정체성을 ‘통제’하는 데에도, ‘확장’하는 데에도 사용되어온 사실을 검토했습니다.

저희 역시 현역 아티스트와 직접 연결되어 동시대의 에너지와 비전을 접할 수 있다는 점에서, 기관 측에 가치를 제공하고 있습니다. 궁극적으로 이미지메이커를 포함한 모든 참여자에게 좋은 결과가 되기를 바랍니다.

저희는 아티스트와 큐레이터의 의도를 부각하는 데 관심을 두는 한편, 감상자가 작품에서 받아들이는 것이 그 의도와 반드시 일치하지 않을 수 있음을 잘 이해하고 있습니다. 그렇기 때문에 독자 각자가 자신만의 시각을 키울 수 있도록, 일부러 강한 해석을 강요하지 않으려 합니다. 

사진과 텍스트는 때로는 비슷한 역할을 하기도 하고, 전혀 다른 역할을 하기도 하며, 그 차이에 대해 자주 생각합니다.

작가이자 사진가인 Hervé Guibert의 말 중 제가 좋아하는 인용이 있습니다. 2022년 〈MEP(유럽사진미술관)〉의 전시 ‘Love Songs’에서도 다뤄졌습니다.

“글을 쓸 때, 나는 브레이크도, 사양도 없다. 왜냐하면 실제로 걸려 있는 것은 나 자신뿐이기 때문이다. 반면 사진에는 타인의 몸이 담기고, 친척이나 친구가 있다. 나는 언제나 약간의 불안을 안고 있다……”

AI는 매우 큰 주제입니다. 예를 들어 다큐멘터리 사진처럼 ‘세계와의 지표적(인덱스적) 연결’이 중요한 이미지 제작에 있어서는, 분명히 부정적인 영향이 발생할 수 있습니다. 또한 저작권이나 수입 보호 측면에서도 아티스트에게 큰 영향을 미칩니다. 

한편 저희는 Bharat Sikka처럼 자신의 이미지를 AI에 학습시켜 생성 이미지의 가능성과 함의를 탐구하는 흥미로운 프로젝트도 소개해왔습니다. 더불어 기술이 실제로 어떻게 작동하는지, 그 안에 어떤 이데올로기가 내포되어 있는지 이해하기 위해 전문가 인터뷰도 진행하고 있습니다. 

개인적으로는, 사진에 의해 이미 확립된 ‘이미지 중심의 세계관’으로의 이행이 더욱 가속화되고 있다고 느낍니다. Jean Baudrillard나 Guy Debord와 같은 사상가들은 이미 그 점을 논의해왔습니다.

디지털은 속도가 빠르고, 지리적·경제적으로도 접근성이 높습니다. 그래서 온라인으로 작품을 소개할 수 있다는 점이 기쁩니다. 반면 프린트는 더 숙고된 형태로 작품을 제시할 수 있고, 장기적인 보존성(수명)이 높다는 강점이 있습니다. 이 ‘오래 남는다’는 특성은 매우 흥미롭습니다. 

해저 케이블이 끊기거나, 기사가 갱신·삭제되는 시대에, 세상에 구체적인 실물로 남는 것을 만드는 일은 중요하다고 느낍니다. 저희 매거진도 많은 아카이브와 기관에 소장되어 있습니다. 미래의 연구자가 어떻게 활용할지는 알 수 없지만, 적어도 ‘선택지로 남는다’는 것 자체는 좋은 일이라고 생각합니다.

〈KYOTOGRAPHIE〉와의 인연은 최근에 생긴 것으로, 앞으로가 매우 기대됩니다. 특히 저희는 일본 및 세계의 신진 이미지메이커를 소개하는 프로젝트인 ‘KG+ Select’에 참여해왔습니다. 

저에게 국제 신(scene)에서 가장 흥미로운 점은, 비서구권 아티스트들이 ‘사진이란 무엇인가/무엇이 될 수 있는가’를 새롭게 질문하는 데 있어 담당하는 역할입니다. 만약 사진이 서구적 인식론을 구현하는 것이라면, 다른 문화적·철학적 전통을 가진 아티스트들은(서구적 세계화와 이미지 문화의 영향을 받으면서도) 그 기술을 전용하고, 전복하고, 재해석할 수 있을 것입니다. 

최근에는 프로보크(Provoke) 사진가들도 그런 맥락에서 볼 수 있지 않을까 생각합니다. 그들은 일본에 강요된 ‘보는 방식’을 철학적으로, 그리고 매우 문자 그대로의 의미로도 재고했던 집단이 아니었을까 합니다.

지금까지 저희는 아카이브를 충분히 활용하지 못했지만, 최근에는 아티스트 커미션과 같은 형태로 무언가 시도해볼 수 없을지 고민하고 있습니다. 과거의 글을 다시 읽는 일도 있는데, 그것은 언제나 신선하고 흥미로운 경험입니다.

Sebastião Salgado가 세상을 떠났을 때는 과거 인터뷰를 다시 읽으며, 그의 말을 통해 작품을 조명할 수 있었습니다. 동시에, 그의 접근 방식에 대한 당시의 비판이 처음부터 존재했다는 사실도 새삼 확인할 수 있었습니다.

사진, 그리고 렌즈 기반 미디어는 바로 현대를 상징하는 매체라고 생각합니다. 베네치아 비엔날레와 같은 국제 예술제뿐 아니라, 저널리즘이나 소셜미디어의 이미지 흐름을 봐도 그 점은 분명합니다.

저 역시 최근 ‘GucciCore 2027’ 패션쇼에서 타임스퀘어의 거대한 빌보드들이 〈GUCCI〉로 가득 찬 장면에 깊이 매료되었습니다. 여전히 어딘가 신비로운 이 매체가 우리 세계관을 어떻게 형성하는지 이해하기 위해서라도, 사진과 마주하고 관여하는 일은 필수적입니다.

더불어, 이 기술이 어떻게 작동하는지 읽어낼 수 있는 시각적 리터러시를 가진 이들의 존재는 그 어느 때보다 중요해지고 있습니다. 많은 크리에이티브 산업과 마찬가지로, 사진은 생계를 유지하기조차 쉽지 않은 분야이지만, 이미지메이커와 아티스트는 현대 글로벌 사회에서 중요한 사유자라고 생각해도 좋을 것입니다.

이러한 장면을 보면, 이미지가 우리의 가치관과 세계관을 어떻게 형성하는지 다시금 생각하게 됩니다. 그렇기에 사진과 계속 마주하는 것이 중요합니다. 동시에, 이미지가 어떻게 만들어지고 확산되는지 꿰뚫어보는 ‘시각적 리터러시’ 역시 점점 더 중요해지고 있습니다.

사진으로 생계를 유지하는 것은 쉽지 않지만, 이미지메이커와 아티스트는 현대 사회를 사유하는 데 있어 반드시 필요한 존재라고 생각합니다.