Il photo poster project di cizucu è una mostra di photo poster che si svolge in tutto il mondo e a cui si può partecipare semplicemente scegliendo una città e una data.

Quello che noi chiamiamo ppp non è una semplice esposizione fotografica. È una comunità in cui chiunque può condividere la propria storia in sicurezza, oltre a rappresentare un’opportunità per entrare in contatto reale con creativi da tutto il mondo.

Questa volta abbiamo intervistato la creativa Yui Nakamura, che ha preso parte al photo poster project.

Presentati a noi!

Mi chiamo Yui Nakamura. Ad aprile di quest’anno sono entrata nel mio secondo anno da lavoratrice. Durante l’università, mi sono dedicata alla creazione e vendita di riviste rivolte a studenti delle scuole superiori e universitari.

Ho sempre avuto interesse per la fotografia, ma pensavo che fosse troppo difficile per me o che non fossi portata, e per questo ho mantenuto una certa distanza. Tuttavia, una volta iniziata la vita lavorativa, ho sentito il desiderio di affrontare ciò che mi piaceva o che avevo rinunciato a provare, così ho iniziato a fotografare.

Cosa ti ha spinto a partecipare?

In passato ho partecipato a un’edizione speciale di CP+ tenutasi a Yokohama. In quell’occasione non c’era tempo per il gallery talk, quindi non ho avuto modo di esprimere a parole le mie fotografie né di ascoltare le parole degli altri.

Per questo motivo, questa volta sono stata attratta dalla possibilità di comunicare direttamente, a parole, riguardo alle fotografie, e ho deciso di partecipare.

Com’è stata l’esperienza della partecipazione?

Quando ho visto le mie fotografie stampate e disposte nello spazio espositivo, ho provato una sensazione strana. Erano diverse dalle immagini che vedo di solito sullo smartphone, sembravano quasi qualcos’altro.

Ciò che mi ha colpito di più è stato il momento in cui qualcuno si fermava e osservava attentamente le mie fotografie. Un’immagine che sullo schermo sarebbe passata inosservata, nella mostra «rimaneva», e questa sensazione di novità mi ha colpita molto.

Durante il gallery talk, anche se per poco tempo, ho avuto l’occasione di parlare delle mie fotografie. Non avevo quasi mai spiegato le mie immagini a qualcuno, quindi poterle raccontare direttamente è stato molto gratificante.
Allo stesso tempo, ascoltando i gallery talk degli altri partecipanti, sono rimasta sorpresa da come anche paesaggi simili possano essere percepiti in modo così diverso da ciascuno. Conoscere il contesto e il punto di vista dietro le fotografie, che non si colgono semplicemente guardandole, mi ha fatto sentire di avvicinarmi un po’ al mondo visto da quella persona.

Ci sono cose che si notano solo mettendole in parole, e altre che le parole non riescono a esprimere: entrambe queste dimensioni tra fotografia e persona mi sono rimaste impresse. È stato un tempo prezioso in cui ho potuto toccare entrambe le sfere.

Perché hai scelto proprio quell’immagine?

È uno scatto realizzato nei dintorni della spiaggia di Isshiki.

Senza una meta precisa, ho camminato a lungo da Zushi Station, e mi sono accorta che erano passate cinque ore. Durante la passeggiata, ho osservato persone che facevano una passeggiata o semplicemente guardavano il mare, ognuno immerso nel proprio tempo quotidiano.

Per me è stato un piccolo viaggio, durato circa tre ore da casa, ma per chi vive in quei luoghi il mare rappresenta la quotidianità, non una meta turistica. Mi ha colpito molto questa sovrapposizione di tempi diversi.

Inoltre, spesso prendo in mano la fotocamera quando voglio fermare un momento davanti a me o quando sento che i pensieri nella mia testa sono un po’ confusi. Il tempo trascorso a fotografare o subito dopo aver scattato, mi fa sentire sempre un po’ più leggera.

Durante i momenti di confronto, mi ha colpito anche trovare punti in comune con gli altri partecipanti parlando di «quando scattiamo fotografie».

A chi sta pensando di partecipare al photo poster project

Ho avuto molte intuizioni che non avrei mai avuto semplicemente fotografando da sola.
Mettere in parole il proprio modo di vedere il mondo. E conoscere quello degli altri sia attraverso le fotografie che attraverso le parole. In questo scambio, ho sentito che la mia visione del mondo si è ampliata.

Uno degli aspetti più affascinanti del ppp è la possibilità di concentrarsi e parlare della fotografia in sé, senza essere condizionati dai like o dalle impression sui social.

A chi è indeciso: non importa se non avete ancora qualcosa di «completo». Provate a uscire dai vostri schemi: potreste vedere il mondo con occhi diversi.
È stata un’esperienza che mi ha fatto venire voglia di partecipare ancora.

Le fotografie scattate nei giorni di pioggia sembrano sempre catturare anche un po’ di “suono”. Le gocce che battono sugli ombrelli, il profumo dell’asfalto bagnato, le tracce lasciate dalle gocce sui vetri. La luce si diffonde, il contrasto si attenua e i contorni della città si dissolvono silenziosamente.

In Giappone, proprio ora si entra nella stagione delle piogge. Proprio perché le giornate di sole sono rare, nei momenti di pioggia la consistenza del quotidiano si fa più intensa. I riflessi nelle pozzanghere, i neon sfumati, la lucentezza delle foglie bagnate, la luce sulle banchine delle stazioni. La pioggia aggiunge una nuova prospettiva al modo in cui vediamo il mondo.

Per questo motivo, questa volta lanciamo una campagna hashtag con #rain!

Condividi le tue creazioni con #rain

Mostraci i tuoi scatti unici che solo la pioggia può offrire.

Durante il periodo della feature hashtag dal 25 giugno 2026 (giovedì) al 1 luglio 2026 (mercoledì), selezioneremo alcune opere tra le fotografie pubblicate con il tag #rain e le presenteremo nella sezione Magazine di cizucu. Partecipa numeroso con le tue submission.

Su cizucu vengono organizzate campagne hashtag e concorsi fotografici per ispirare la tua pratica fotografica. Registrati all’app per scoprire tutti i contenuti più recenti.

Le mostre di fotoposter organizzate da cizucu in tutto il mondo, denominate photo poster project (ppp), sono rese possibili grazie al sostegno delle gallerie che, in ogni luogo, hanno contribuito a far crescere questi spazi.

In questa rubrica, mettiamo in luce queste gallerie partner, avvicinandoci ai pensieri che abitano questi luoghi e alle voci delle persone che li sostengono.

Questa volta vi presentiamo STAYFUL LIFE STORE, uno spazio polifunzionale situato a Kichijoji, Tokyo. In questo luogo dove oggetti, caffè e galleria si intrecciano armoniosamente, ogni giorno nascono nuovi incontri ed espressioni. Abbiamo intervistato il proprietario del negozio, il signor Hattori, che ci ha raccontato la sua visione nella creazione di questo spazio e le sue impressioni sul ppp.

STAYFUL LIFE STORE

Qui non esistono regole di genere. Si può sorseggiare un caffè mentre si entra in contatto con l’arte, prendere in mano un oggetto che piace e, senza accorgersene, iniziare una conversazione con qualcuno che non si conosce. STAYFUL LIFE STORE è uno spazio polifunzionale di circa 200㎡ dove coesistono spontaneità e un caos equilibrato.

HP：stayful.jp
Instagram : @stayful.jp

Ci può raccontare qualcosa su questa galleria?

STAYFUL LIFE STORE, già quando era un piccolo negozio prima del trasferimento, veniva gestito come studio fotografico e spazio espositivo.
La nostra azienda è anche uno studio creativo che si occupa principalmente di progettazione del branding e produzione di design, quindi la creazione di uno studio interno è stata la prima motivazione per avviare questo spazio.

La struttura che ospita la galleria, STAYFUL LIFE STORE, è uno spazio dove convivono gastronomia, oggettistica e galleria: un luogo in cui elementi diversi si incontrano in modo naturale.

Persone e forme espressive che arrivano con intenti differenti si sovrappongono dolcemente, dando vita quotidianamente a incontri e scoperte inaspettate. Attraverso questa continua stratificazione, il luogo è cresciuto fino a diventare uno spazio dove artisti e fotografi possono esprimersi liberamente e incontrarsi.

Quali sono gli aspetti che ritiene più importanti nella gestione di questa galleria?

"Meno regole ci sono, meglio è". Questo è il principio fondamentale di STAYFUL LIFE STORE. Anche per la galleria, cerchiamo di non imporre limiti rigidi come "deve essere una mostra di questo tipo".

Ciò che riteniamo importante è che chi utilizza lo spazio possa esprimersi in modo autentico. Vogliamo che sia un luogo dove ognuno possa portare liberamente le proprie idee e sfide, senza essere vincolato da opere o stili espositivi.

Inoltre, diamo molta importanza a creare un percorso fluido che permetta a chi viene per un caffè di incontrare le opere in modo naturale. Più che "andare a vedere una mostra", desideriamo offrire l’esperienza di "imbattersi casualmente in un’opera passando di lì".

Per chi espone, questo significa incontrare nuovi spettatori; per chi visita, scoprire opere inaspettate. STAYFUL LIFE STORE vuole essere un luogo dove queste piccole scoperte e connessioni nascono spontaneamente.

Cosa pensa che nasca dall’incontro tra oggettistica, caffè e galleria?

In STAYFUL LIFE STORE non separiamo volutamente oggettistica, caffè e galleria. Chi viene per un caffè può notare un oggetto e poi scendere a visitare la mostra nel seminterrato. Puntiamo a creare uno spazio dove questi flussi naturali possano avvenire.

Non sono destinazioni indipendenti, ma elementi che si intrecciano in un unico universo. Oggetti che accompagnano la vita quotidiana, un caffè per una pausa, una galleria che offre nuovi punti di vista: la loro sovrapposizione genera scoperte e suggestioni inaspettate. Questo è il tipo di luogo che vogliamo essere.

Quali sono le peculiarità del quartiere e della zona in cui si trova la galleria?

La zona di Kichijoji e Mitaka è molto vivace. I clienti sono cordiali e spesso ascoltano con interesse ciò che abbiamo da dire.

È una città che, anche se la si visita per la prima volta, trasmette un calore che fa venire voglia di restare a lungo. Ci sono tanti negozi indipendenti e piccole gallerie, e la cultura si integra con naturalezza nella vita quotidiana: questa è una delle caratteristiche uniche di Kichijoji e Mitaka.

Molte persone sono naturalmente attente all’arte e all’espressione, e le reazioni di chi visita le mostre sono sempre molto ricche. Sento che anche la nostra galleria cresce grazie all’atmosfera di questa città.

Come vede il futuro delle gallerie?

Penso che le gallerie non saranno più solo "luoghi dove esporre opere". Diventeranno spazi che favoriscono le connessioni tra le persone e che ispirano il desiderio di "provare a creare qualcosa".

Non più luoghi elitari riservati a pochi, ma realtà più informali dove si può entrare anche solo di passaggio, come naturale estensione della quotidianità. Quando accadrà, credo che le gallerie diventeranno ancora più interessanti.

Anche la nostra galleria vuole seguire questa direzione, diventando un luogo capace di far emergere nuovi lati di chi la visita.

Che tipo di iniziativa o comunità pensa che sia il ppp?

Sento che il ppp è una comunità che connette le persone attraverso la fotografia. Attraverso le opere si entra in contatto con la visione e la sensibilità degli altri, e da lì nascono nuove relazioni. Questo ciclo virtuoso è proprio ciò che rende unico il ppp.

Credo che la fotografia abbia il potere di trasmettere emozioni e paesaggi che le sole parole non possono esprimere. Il ppp crede in questa forza e si impegna a collegare delicatamente persone e fotografia.

Penso che sia un luogo molto importante sia per i fotografi in cerca di uno spazio per esporre, sia per chi desidera connettersi con altri attraverso la fotografia.

Perché avete scelto di sostenere il ppp?

Abbiamo sempre desiderato che la nostra galleria fosse un luogo dove l’espressione di qualcuno potesse prendere vita. Il ppp rappresenta esattamente questa aspirazione.
Non si tratta semplicemente di affittare uno spazio, ma di coltivare insieme un luogo, e questa relazione ci fa sentire molto a nostro agio.

La filosofia di "mescolanza e coesistenza" che STAYFUL LIFE STORE valorizza ha molti punti in comune con l’approccio del ppp, che connette le persone attraverso la fotografia.
Per questo desidero che questo luogo continui a essere uno spazio dove nascono incontri ed espressioni, e mi viene naturale sostenere le attività del ppp. Sarei felice se STAYFUL LIFE STORE e ppp potessero crescere insieme anche in futuro.

Un messaggio per chi desidera visitare la galleria o cimentarsi in una mostra

Scattare fotografie e mostrarle a qualcuno: tra questi due momenti, spesso si percepisce una distanza maggiore di quanto si pensi.
Il ppp è una realtà che aiuta a colmare delicatamente questa distanza. Per questo, anche lo spazio espositivo nel seminterrato vorremmo che fosse utilizzato liberamente come luogo dove fare il primo passo.

Qui si può entrare senza formalità, magari con un caffè in mano. Se anche solo per un attimo vi viene voglia di "provare a esporre", non esitate a contattare noi o il team di cizucu.
Siamo sempre entusiasti di vedere nascere nuovi incontri ed espressioni da questo luogo.

photo poster project

«photo poster project» è una mostra di fotoposter a cui si può partecipare semplicemente scegliendo una città e una data.

Quello che chiamiamo ppp non è una semplice esposizione fotografica. È una comunità in cui chiunque può condividere la propria storia in totale tranquillità, oltre a rappresentare un'opportunità per entrare in contatto con creativi di tutto il mondo nel mondo reale.

In questo articolo vi raccontiamo la giornata del «photo poster project» che si è tenuta il 14 giugno (domenica) presso OLYMPUS PLAZA TAIPEI, nel quartiere Dihua di Taipei. Se desiderate partecipare a una delle prossime edizioni del «photo poster project» in altre città, non perdetevi questo reportage!

Che cos'è il photo poster project?

Esporre le proprie fotografie o fare amicizia con altri fotografi non è sempre così accessibile. Inoltre, organizzare una mostra personale può richiedere tempo e costi considerevoli.

Per rispondere a queste esigenze nasce il «photo poster project» promosso da cizucu.
Basta scegliere luogo e data e inviare le proprie fotografie a cizucu per esporre i propri scatti in grande formato A2. Inoltre, partecipano numerosi fotografi della stessa zona, offrendo l'opportunità di conoscere nuovi compagni di viaggio nella fotografia.

Nessuna necessità di «affittare uno spazio, cercare una tipografia o occuparsi dell'allestimento»: tutte queste incombenze sono eliminate. Basta compilare il form e partecipare di persona all'evento!

La giornata dell'evento

Storie di creatori che amano la fotografia e il loro legame con la fotocamera. In ciò che chiamiamo "macchina prediletta" si riflettono visioni e valori personali. In questa serie, incontriamo fuyu, che ha utilizzato con dedizione la FUJIFILM X-T2.

Anche oggi, con il continuo arrivo di fotocamere ad alte prestazioni, non sono pochi coloro che si sentono attratti da una "fotocamera che si desidera portare sempre con sé". Una sensazione di voler scattare che non si può spiegare solo con prestazioni o specifiche tecniche. In questo articolo, esploriamo le ragioni per cui la FUJIFILM X-T2, con la sua espressività cromatica distintiva e la portabilità leggera, continua ad affascinare tanti fotografi.

Informazioni di base sulla FUJIFILM X-T2

La FUJIFILM X-T2 è una mirrorless APS-C lanciata da Fujifilm nel 2016. Dotata di un sensore "X-Trans CMOS III" da circa 24,3 megapixel e del processore d'immagine ad alta velocità "X-Processor Pro", offre immagini ad alta definizione e una resa cromatica simile alla pellicola.

La prima fotocamera che mi ha fatto battere il cuore

Di solito scatto foto in modo spontaneo, con esclamazioni tipo "troppo bello!" o "che meraviglia!".
Ho incontrato la FUJIFILM X-T2 perché era la fotocamera preferita di mio marito. Dopo un po' che stavamo insieme, ho iniziato a usarla principalmente io.

All’epoca utilizzavo una SONY α6000, ma sono rimasta davvero colpita dalla vivacità dei colori "out of camera" della FUJIFILM la prima volta che l’ho provata.

Ricordo ancora l’emozione ogni volta che premevo l’otturatore e guardavo il monitor.
Mi piaceva molto anche il corpo macchina nero, dal look un po’ meccanico.

Alla fine torno sempre a questo obiettivo

L’obiettivo montato era il Fujinon XF35mmF1.4 R. All’inizio pensavo solo "equivalente a poco più di 50mm, dovrebbe essere facile da usare", ma più provavo altri obiettivi, più alla fine tornavo sempre a questo.

Luminoso, con colori splendidi e un bokeh morbido e delicato.
Impossibile non divertirsi.

Ripensandoci, sono davvero felice che il primo obiettivo Fujifilm che ho usato sia stato proprio questo.
Ha una resa delicata che riesce a rendere speciali anche i momenti più semplici della quotidianità.

Il valore della spontaneità nello scattare

La resa delicata della GFX50S II che uso ora continua a sorprendermi ogni giorno.

Eppure, la X-T2 rimane speciale.
Leggera, pronta all’uso, perfetta per scattare al volo.
Questa facilità d’uso è ciò che continuo ad amare.

Non mi sono mai posta troppi problemi: continuo a fotografare con quella stessa spontaneità.
E se sono riuscita a mantenere questa leggerezza, è senza dubbio grazie a questa fotocamera.

Senza complicarsi troppo la vita, la X-T2 è sempre lì, pronta ad accompagnarti ogni volta che nasce il desiderio di scattare. È proprio questa la sua essenza.

Consiglio questa fotocamera non solo a chi cerca un secondo corpo, ma anche a chi si chiede "Quale fotocamera scegliere per iniziare?". Vale davvero la pena provarla almeno una volta.

fuyu

1999.11.26 ： Nishinomiya / Kyoto

cizucu：fuyu
Instagram：@muccha_sukkyade

cizucu organizza in tutto il mondo il photo poster project, una mostra di photo poster a cui si può partecipare semplicemente scegliendo città e data.

Quello che noi chiamiamo ppp non è una semplice mostra fotografica. È una comunità dove chiunque può condividere la propria storia in sicurezza, e un’opportunità per entrare in contatto reale con creativi da tutto il mondo.

Questa volta abbiamo intervistato mei, una creativa che ha preso parte al photo poster project.

Puoi presentarti?

Piacere, sono mei. Ho iniziato a fotografare gradualmente durante la pandemia. Di solito scatto paesaggi urbani, ritratti e nature morte che raccontano una storia.

Amo la fotografia perché desidero lasciare una traccia di ciò che “è stato davvero lì” prima che le cose cambino silenziosamente o scompaiano. Mi rende felice poter condividere il mondo che vedo attraverso il mio obiettivo con qualcun altro.

Cosa ti ha spinto a partecipare?

Un giorno ho ricevuto un invito da cizucu a esporre. All’inizio, sinceramente, ero un po’ in ansia. Ma dentro di me sentivo che era un’occasione rara, e non volevo avere rimpianti, così ho deciso di partecipare con coraggio.

Vivo a Hong Kong e questa è stata la mia prima esposizione all’estero. Ho sentito subito che sarebbe stata un’esperienza speciale e indimenticabile. Inoltre, in modo curioso, circa un mese prima della mostra ero appena stata in viaggio a Taipei, e non avrei mai pensato di tornarci così presto… Ho percepito una sorta di destino in questa coincidenza e ho deciso di dare valore a questo legame. 

Com’è stata l’esperienza?

Ero nervosa mentre mi dirigevo verso lo spazio espositivo, ma lo staff è stato molto accogliente e ha ascoltato con attenzione, mettendomi subito a mio agio.

Ricordo ancora la prima volta che ho visto la mia opera esposta dritta sulla parete. E quando ho visto persone fermarsi e osservarla attentamente, ho provato un misto di gratitudine e stupore che mi ha travolta.

Le opere degli altri partecipanti erano davvero splendide e, durante il momento di condivisione, tutti si sono ascoltati e incoraggiati a vicenda con grande serietà. L’atmosfera era calda ma rilassata, e proprio per questo credo di essere riuscita a confrontarmi davvero con ogni fotografia.

Inoltre, la possibilità di stampare e portare a casa le foto è stata una gioia in più. È stato come aggiungere un “souvenir” ai ricordi di Taipei, rendendo questa esperienza ancora più perfetta e indimenticabile.

Perché hai scelto proprio questa fotografia?

Questa è una delle opere più significative che ho realizzato di recente, e personalmente la amo molto.

Quel giorno era una normale giornata di lezione. Camminando per la scuola, osservando l’edificio davanti a me, ho scattato una foto d’istinto. Proprio in quel momento mi stavo chiedendo: “Avrò rimpianti in futuro per aver scelto la strada dell’arte?”

Ma quando ho scattato quell’istante, ho capito che proprio quella fotografia era la “risposta” per me in quel momento. Spero che possa sempre ricordarmi la purezza degli inizi e la passione di inseguire i sogni. 

A chi sta pensando di partecipare al photo poster project

Ci sono emozioni e pensieri che non si riescono a esprimere a parole, ma che attraverso la fotografia possono connetterci in modo sorprendente con gli altri. Il photo poster project è una splendida occasione per vivere queste connessioni e uscire dalla propria comfort zone.
Se vivi lontano, può essere bello cogliere la mostra come spunto per viaggiare e scoprire una nuova città. L’esposizione può diventare un “viaggio speciale” e aggiungere ricordi preziosi alla tua vita.

Le opere hanno un grande potere. Una fotografia può toccare il cuore di qualcuno, ovunque si trovi, e generare risonanza.

“Il coraggio non è l’assenza di paura, ma andare avanti nonostante la paura.” Basta iniziare a muovere i primi passi: da lì, credo che ci si possa avvicinare sempre di più ai propri sogni.

photo poster project

«photo poster project» è una mostra di poster fotografici a cui puoi partecipare semplicemente scegliendo la città e la data.

Quello che chiamiamo ppp non è una semplice esposizione fotografica: è una comunità dove chiunque può condividere la propria storia in sicurezza, e un’opportunità per connettersi con creativi da tutto il mondo nel mondo reale.

Il ppp si terrà il 22 agosto (sabato) presso GALLERY METABO a Marutamachi, Kyoto!

Partecipare al «photo poster project» organizzato da cizucu è semplicissimo.


(1) Scegli la sede espositiva e la data

(2) Effettua il pagamento facilmente con carta di credito, Apple Pay o Google Pay

(3) Invia la tua opera a cizucu per la candidatura


Dopodiché, non ti resta che recarti in galleria. Molti fotografi della zona parteciperanno, quindi potresti trovare nuovi compagni di fotografia.

Informazioni sull’evento

【Data e orario dell’esposizione】
22 agosto (sabato) 12:00 ~ 16:00
* Gli espositori devono essere presenti in galleria dalle 13:30 alle 15:30.
* L’ingresso è gratuito per i visitatori non espositori.

【Programma della giornata per gli espositori】
12:00 ~ 13:30 Tempo libero
13:30 ~ 14:00 Presentazione delle opere esposte
14:00 ~ 15:30 Networking
15:30 ~ 16:00 Chiusura e ritiro dei poster

【Sede espositiva】
GALLERY METABO ROOM 106
18 Seigoin Sannomiyacho, Sakyo-ku, Kyoto, Metabo Okazaki
(9 minuti a piedi dall’uscita ④ della stazione Keihan Jingū-Marutamachi / 18 minuti a piedi dall’uscita ① della stazione della metropolitana Tozai Higashiyama)
https://www.gallery-metabo.com/

【Quota di partecipazione】
6.000 yen (inclusi stampa A2, allestimento e affitto della galleria)
* L’ingresso e la visita all’esposizione sono gratuiti.

【Tema】
«Nessun tema / Libero»
Non è previsto un tema specifico: sono benvenuti ritratti, scatti di street photography, paesaggi e qualsiasi altro genere fotografico. Attendiamo le vostre fotografie che raccontano una storia che vorreste condividere, o immagini che vi attraggono senza un motivo preciso: portate la vostra unicità.

Note importanti

Si prega di leggere attentamente le seguenti note prima di inviare la candidatura.

• La quota di partecipazione include i costi di stampa, allestimento e affitto della galleria. Dopo il pagamento, la quota non sarà rimborsabile anche in caso di mancata presentazione dell’opera o assenza il giorno dell’evento.
• Le opere inviate devono rispettare i seguenti requisiti:
  • Specifiche del file
    • (Consigliato) Lato corto almeno 4000 pixel
    • (Obbligatorio) Lato corto almeno 2000 pixel
  • Solo opere verticali
  • Una sola fotografia (no collage, immagini con testo sovrapposto o con cornici)
• Per garantire un’esperienza positiva a tutti i partecipanti, leggere attentamente le regole della community al momento della candidatura.
• Durante l’evento saranno effettuate riprese fotografiche. Le immagini potranno essere pubblicate su sito web, social media e materiali promozionali.
• Chi sarà presente alla fine dell’evento potrà portare a casa il proprio poster fotografico. Non è previsto l’invio postale successivo.

Attendiamo con entusiasmo le vostre candidature!

Domande frequenti

D: Come posso pagare la quota di partecipazione?
R: Dopo aver scelto sede e data, puoi pagare con carta di credito oppure, a seconda del dispositivo, con Apple Pay o Google Pay. Non sono previsti rimborsi dopo il pagamento. In caso di assenza il giorno dell’evento, la quota non sarà rimborsata.

D: Dove posso inviare la mia opera?
R: Dopo aver completato il pagamento, potrai accedere alla pagina di invio tramite un link che apparirà automaticamente o che riceverai via email.

D: Posso portare a casa il poster?
R: Se sarai presente in galleria alla fine dell’evento (ore 16:00), potrai portare a casa il tuo poster. Non è previsto l’invio postale, quindi ti chiediamo di portare una borsa adatta per il trasporto.

D: Posso invitare amici o conoscenti a vedere la mostra?
R: Certamente! Dopo aver ricevuto la conferma di partecipazione, sentiti libero di condividere l’evento sui social network.

D: Ho sentito che posso creare dei biglietti da visita. Come funziona?
R: Dopo la conferma della partecipazione, riceverai i dettagli via email.

D: Posso candidarmi anche se non ho ancora scelto la foto?
R: Sì, è possibile. Alcune edizioni si esauriscono prima della scadenza, quindi ti consigliamo di candidarti in anticipo e caricare la tua opera entro la data limite.

D: Posso vedere le edizioni precedenti?
R: Consulta gli articoli qui sotto ⭐️

Guardando una fotografia, capita di ricordare suoni o odori di quel luogo. Quando accade, la fotografia si trasforma da semplice “documento” a una piccola esperienza vissuta.
Anche se è un’immagine statica, nella mente inizia a scorrere un breve filmato: questa sensazione misteriosa è forse la prova che la fotografia ci trasmette qualcosa che va oltre ciò che appare.

In questo articolo, cercheremo di chiarire con delicatezza «perché una fotografia può sembrare un’immagine in movimento», attraverso la prospettiva di «PROVOKE» e del linguaggio di «Are, Bure, Boke» degli anni ’60 e ’70.

Per approfondire, consigliamo anche la lettura del precedente articolo Il mondo di Are, Bure, Boke. Chi desidera esplorare ulteriormente la storia del bokeh può consultare La storia e l’evoluzione del bokeh: estetica e racconto nella fotografia e #bokeh | Bokeh come distanza e atmosfera.

La domanda lasciata da «PROVOKE»: una fotografia “bella” è davvero corretta?

Negli anni ’60 e ’70, autori come e attraverso la rivista d’avanguardia «PROVOKE» misero in discussione l’idea di “fotografia corretta” dell’epoca. Invece di escludere mosso, fuori fuoco e grana come “errori”, li accolsero consapevolmente come tatto per avvicinarsi alla crudezza del reale.

Più una fotografia è “ordinata”, più si avvicina alla verità?
O forse, è proprio nell’imperfezione che resta la pelle di un’epoca?

La domanda posta da «PROVOKE» non ha perso attualità.

Perché oggi si riscopre «Are, Bure, Boke»

La ragione è semplice: oggi siamo circondati da immagini “perfette e precise” come mai prima. Correzione automatica degli smartphone, rimozione del rumore tramite AI, nitidezza, HDR. Viviamo un’epoca in cui chiunque può produrre immagini senza difetti.
Qui, «Are» indica la grana e la ruvidità (荒れ): non solo il rumore ad alta sensibilità o le scale tonali ruvide, ma la qualità “non rifinita” della fotografia stessa.

Proprio per questo, il fascino della fotografia non si esaurisce più nell’assenza di imperfezioni. Un po’ di vibrazione, un po’ di ambiguità, un po’ di grana: dentro questi “rumori” possono emergere il respiro dell’autore e la temperatura del luogo. «Are, Bure, Boke» oggi ci restituisce la “tattile” della fotografia.

Quando la fotografia lascia una domanda, la narrazione prende vita

Le fotografie che spiegano tutto sono molto “gentili”. Ma quelle che restano nel cuore spesso lasciano “qualcosa di irrisolto”. «Cosa stava guardando questa persona?», «Cosa è successo dopo?». Questa mancanza muove delicatamente l’immaginazione dello spettatore e trasforma la fotografia in racconto.

Quando la narrazione prende vita, non riceviamo più una fotografia come “immagine statica”, ma come “esperienza” che include un prima e un dopo. Se nella mente scorrono immagini in movimento, forse è perché la fotografia ci ha lasciato una domanda.

Il mosso trattiene la traccia del tempo

Il mosso è come la coda di un movimento. Camminare, voltarsi, sorridere: l’attimo prima e dopo resta impresso nella fotografia.
Più che eliminare il mosso, proviamo a chiederci «quale qualità del tempo voglio lasciare»: la fotografia inizierà a muoversi con maggiore dolcezza.

Il bokeh diventa uno spazio vuoto che accoglie l’atmosfera

Più aumenta il bokeh, più crescono le parti invisibili. Così cerchiamo di percepire distanza e temperatura.

Quando i contorni si dissolvono, la fotografia comunica più “presenza” che “spiegazione”. Forse è per questo che, pur essendo statica, può sembrare scorrere come un film.

Il coraggio di non mostrare tutto invita il respiro dello spettatore

Le fotografie che evocano immagini in movimento sono quelle che non dicono tutto. Non mostrano troppo. Non sono troppo rifinite. Lasciano un po’ di spazio vuoto. In quello spazio si inseriscono il respiro e i ricordi dello spettatore, e la fotografia torna a muoversi ogni volta.

Ci sono momenti in cui l’“imperfezione” diventa alleata dell’espressione. Che anche la tua fotografia possa accogliere questa apertura.

Introduzione

«Beyond the Mind» è un concorso fotografico globale online promosso da cizucu, aperto a tutti i creativi iscritti alla piattaforma. Le opere inviate vengono selezionate attraverso un processo curatoriale, con l’obiettivo di scoprire nuovi talenti e sostenere la community come piattaforma di riferimento.

Il tema di questa edizione era “Riflesso dell’anima”.

Non si tratta di “scattare una bella foto”, ma di cogliere la propria sensibilità nel momento in cui si guarda l’immagine. Non perché si è tristi si scatta, ma solo dopo aver scattato ci si rende conto che era tristezza. Oppure si è mossi da un’emozione indefinita fino all’ultimo.

Un istante puro, colto prima che il pensiero possa intervenire.
L’essenza autentica dei vostri movimenti interiori impressa nell’opera.

Abbiamo percepito nelle vostre opere queste vibrazioni e luci dell’anima.
Ecco quindi una presentazione delle opere inviate e di quelle premiate.

Opere inviate

kazkaz

Redazione cizucu
Barche, persone, alberi e montagne emergono come silhouette grazie al controluce e al contrasto, quasi fossero ritagli di carta. La luce che si rifrange sull’acqua rende la scena ancora più drammatica. Anche se non si distinguono i volti, l’atmosfera e il tempo condiviso tra le persone sono sicuramente preziosi. Un’immagine che cattura il momento in cui la bellezza davanti agli occhi muove il cuore.

shigeyoshi
Acqua nel bicchiere della serenità

📷 OLYMPUS OM-D E-M10

Redazione cizucu
Nei gesti spontanei delle persone davanti al cibo si percepisce un calore genuino. Proprio perché è un’attività comune, è un tempo che si può condividere con chiunque. Le spalle rivolte verso il menù appeso al muro riflettono la felicità semplice della quotidianità. Questa immagine ci ricorda il valore di questi momenti preziosi e amati che si celano nella vita di tutti i giorni.

hooncomma

Redazione cizucu
Una grata arrugginita e inorganica occupa quasi tutta la scena. Attraverso le sue fessure si intravede un mondo verde e vivido. Questo contrasto richiama l’oscurità interiore e la speranza, oppure il sé attuale e la curiosità dell’infanzia. Le emozioni suscitate da questa scena sono molteplici e profonde. Un’opera che mi ha fatto sentire anch’io questa vibrazione interiore.

Opere premiate

mumei ksm

Redazione cizucu
La finestra incornicia la figura di lei, avvolta dal controluce e dal verde dello sfondo, creando un’atmosfera affascinante. C’è mistero, delicatezza, calore, ma anche un senso di solitudine. Il contrasto tra la natura rigogliosa all’esterno e l’interno scuro e silenzioso esalta la scena. Un sentimento indefinibile attraversa il petto, e lo sguardo viene inevitabilmente catturato.

Kelly C.
寮屋清拆前的黃昏
斑駁的郵箱裡寄存著一些人不為人知的故事，靜靜守候最後的溫度
九龍十三鄉之一 ‧ 牛池灣村的最後時光

Redazione cizucu
Una cassetta della posta vissuta dal tempo, che sembra racchiudere le storie delle persone che l’hanno attraversata. La luce del tramonto che filtra dolcemente sembra vegliare e illuminare con calore queste semplici esistenze. L’occhio e la sensibilità dell’autore, mossi da questa scena, si trasmettono delicatamente attraverso l’opera.

Conclusione

Che impressione vi ha lasciato questa selezione?

Attraverso ciò che vediamo, quali ricordi ed emozioni interiori incontriamo? Anche se non sempre si riesce a esprimere a parole o a spiegare il motivo, il momento in cui il cuore si muove si manifesta con autenticità attraverso la fotografia, come segno distintivo di ciascuno di voi.
E queste opere, sicuramente, muoveranno anche il cuore di qualcun altro.

Non vediamo l’ora di scoprire le vostre creazioni anche nel prossimo concorso fotografico!

photo poster project

«photo poster project» è una mostra di poster fotografici a cui puoi partecipare semplicemente scegliendo città e data.

Quello che chiamiamo ppp non è una semplice mostra fotografica. È una comunità dove chiunque può condividere la propria storia in totale serenità, e rappresenta un’opportunità per connettersi nel mondo reale con creativi da tutto il mondo.

Il ppp arriva a Tokyo il 26 luglio (domenica), presso Hibiya OKUROJI G13!

Partecipare al «photo poster project» organizzato da cizucu è semplicissimo.


(1) Scegli la sede espositiva e la data

(2) Paga facilmente con carta di credito, Apple Pay o Google Pay

(3) Invia la tua opera a cizucu per la candidatura


Dopodiché, ti basterà recarti nello spazio espositivo. Molti fotografi della stessa area parteciperanno, quindi potresti trovare nuovi compagni di viaggio fotografico.

Informazioni sull’evento

【Data e orario della mostra】
26 luglio (domenica) 12:00 ~ 16:00
※ Gli espositori devono essere presenti in sede dalle 13:30 alle 15:30.
※ L’ingresso è gratuito per i visitatori non espositori.

【Programma della giornata per gli espositori】
12:00 ~ 13:30 Tempo libero
13:30 ~ 14:00 Presentazione delle opere
14:00 ~ 15:30 Networking
15:30 ~ 16:00 Chiusura e ritiro dei poster

【Sede espositiva】
Hibiya OKUROJI G13
1-7-1 Uchisaiwaicho, Chiyoda-ku, Tokyo
(6 min a piedi dall’uscita Hibiya delle stazioni JR Yurakucho e JR Shimbashi, 6 min dalla stazione Ginza della Tokyo Metro, 6 min dalla stazione Hibiya della Tokyo Metro, 5 min dalla stazione Uchisaiwaicho della Toei Subway)
https://www.jrtk.jp/hibiya-okuroji/

【Quota di partecipazione】
6.000 yen (inclusi stampa A2, allestimento e affitto spazio)
※ L’ingresso e la visita alla mostra sono gratuiti.

【Tema】
«Nessun tema / Libero»
Non è previsto un tema specifico: sono ammesse fotografie di qualsiasi genere, come ritratti, street, paesaggi o altro. Attendiamo le vostre immagini più autentiche: uno scatto che racconta una storia che vuoi condividere, o una foto che ti attrae senza un motivo preciso.

Note importanti

Leggi attentamente le seguenti note prima di iscriverti.

• La quota di partecipazione include stampa, allestimento e affitto della galleria. Dopo il pagamento, la quota non sarà rimborsata anche in caso di mancata consegna dell’opera o assenza il giorno dell’evento.
• Invia opere che rispettino le seguenti condizioni:
  • Requisiti di dimensione file
    • (Consigliato) lato corto almeno 4000 pixel
    • (Obbligatorio) lato corto almeno 2000 pixel
  • Solo opere in formato verticale
  • Una sola fotografia (non sono ammessi collage, immagini con testo sovrapposto o con cornici)
• Per garantire un’esperienza positiva a tutti i partecipanti, leggi attentamente le regole della community al momento della candidatura.
• Durante l’evento saranno effettuate riprese fotografiche. Le immagini potranno essere pubblicate su sito web, social media o materiali promozionali.
• Chi sarà presente al termine dell’evento potrà portare a casa il proprio poster fotografico. Non è previsto l’invio postale successivo.

Attendiamo con entusiasmo le vostre candidature!

Domande frequenti

D: Come posso pagare la quota di partecipazione?
R: Dopo aver scelto sede e data, puoi pagare con carta di credito oppure, a seconda del dispositivo, con Apple Pay o Google Pay. Non sono previsti rimborsi dopo il pagamento. Anche in caso di assenza il giorno dell’evento, la quota sarà comunque dovuta.

D: Dove posso inviare la mia opera?
R: Dopo aver completato il pagamento, potrai accedere alla pagina di invio tramite la schermata automatica o il link ricevuto via email.

D: Posso portare a casa il poster?
R: Sì, potrai ritirare il tuo poster restando in sede fino alla fine dell’evento (ore 16). Non è previsto l’invio postale. Ti chiediamo di portare una borsa per il trasporto.

D: Posso invitare amici o conoscenti a visitare la mostra?
R: Certamente! Dopo aver ricevuto la mail di conferma, ti invitiamo a condividere l’evento anche sui social.

D: Ho sentito che è possibile realizzare un biglietto da visita personalizzato. Come funziona?
R: Dopo la conferma della partecipazione, riceverai i dettagli via email.

D: Posso iscrivermi anche se non ho ancora scelto la foto?
R: Sì, è possibile. Alcune edizioni si esauriscono prima della scadenza, quindi ti consigliamo di iscriverti subito e caricare la tua opera entro la data limite.

D: Posso vedere le edizioni precedenti?
R: Consulta gli articoli qui sotto ⭐️

«Con una sola fonte luminosa, puoi raccontare l’intera città».
Quello che cerchi lungo la strada di ritorno non è tanto la luce in sé, quanto le “forme” che la luce crea.

Insegne, distributori automatici, semafori: scegline uno solo e costruisci la composizione cogliendo i contorni, i riflessi sull’asfalto, le aperture nelle zone d’ombra. Le aree luminose tendono facilmente alla sovraesposizione, quindi è consigliabile sottoesporre leggermente per sicurezza.

Dedica dieci minuti a “ritagliare” la tua città abituale attraverso la luce.

Scegli una sola fonte luminosa

Per prima cosa, cerca una fonte di luce “colorata”. Il rosso o il verde di un semaforo, il blu freddo di un distributore automatico, il viola di un’insegna al neon: il colore aggiunge temperatura all’immagine, anche su uno sfondo scuro.

Il punto chiave è posizionare il soggetto sul “bordo della luce”. Non al centro della fonte luminosa, ma dove la luminosità sfuma: inserisci una persona, una bicicletta, una mano, il bavero di un cappotto. Il controluce sottolinea i contorni, mentre il volto e il corpo restano leggermente in ombra, creando atmosfera. Con lo smartphone, abbassa l’esposizione e blocca la misurazione sulle zone luminose per evitare la sovraesposizione. Con la fotocamera, usa la misurazione spot vicino alla fonte luminosa per proteggere le alte luci.

Crea un frame “scuro”

Di notte, con meno informazioni visive, la struttura della composizione diventa fondamentale. Un corrimano in primo piano, la cornice di una porta, un vetro, una siepe: inserendo elementi scuri in primo piano e creando una “cornice nella cornice”, la luce risalterà maggiormente.

Inoltre, sfrutta la forza delle diagonali: posiziona la fonte luminosa in un angolo dell’inquadratura e lascia che le linee della strada, i bordi dei muri o la direzione del passo delle persone attraversino la scena in diagonale. Anche una piccola luce può acquisire la forza di una “meta”. Con lo smartphone, usa la lente 0.5x per una visione più ampia; con la fotocamera, un 35mm circa è ideale per una composizione ordinata.

Evitare insieme sovraesposizione e mosso

Le luci artificiali tendono facilmente alla sovraesposizione. Se le lettere o i colori della parte più luminosa diventano una macchia bianca, abbassa l’esposizione di uno stop. Le ombre possono essere schiarite in post-produzione, ma le alte luci bruciate non si recuperano.

Per evitare il mosso, considera 1/125 di secondo come punto di partenza: per soggetti fermi, 1/125; per persone in movimento, 1/250. Compensa con l’ISO se serve. Se temi il micromosso, appoggiati a un muro o a un pilastro, rilassa il respiro e scatta. Anche la raffica può essere una soluzione pratica per la fotografia notturna.

In «Read Your Photography» volgiamo lo sguardo alle “storie” che si celano dietro le fotografie, storie che non si possono incontrare semplicemente osservando. Insieme alle opere raccolte tramite il promosso da cizucu e i social network, cizucu magazine traduce in 12 lingue i retroscena e i momenti unici che hanno dato vita a ciascuno scatto, portandoli in tutto il mondo.

Custodire una storia nel cuore è una scelta. Tuttavia, quel sentimento potrebbe toccare silenziosamente l’animo di qualcuno e generare un’emozione ancora sconosciuta.

Questa volta vi presentiamo le opere di cinque autori provenienti da tutto il mondo.
Allora, proviamo a sbirciare con delicatezza queste storie uniche e irripetibili.

oogle’s Story

oogle

📚 01

Nel quartiere Danbara, Minami-ku, Hiroshima, dove sono nato e cresciuto, si trova il monte Hijiyama che segue il profilo della città.
Danbara è conosciuta anche come la zona che, grazie all’ombra del monte Hijiyama, fu risparmiata dagli effetti della bomba atomica.

Il tetto del Museo d’Arte Contemporanea di Hiroshima, situato proprio in cima a Hijiyama, visto dall’alto si apre a forma di “C”, e si dice che in quella direzione sia rivolto l’«Arch» di Henry Moore, verso l’epicentro dell’esplosione.
In questa fotografia, ho voluto seguire quello sguardo in senso opposto, utilizzando l’«Arch» come cornice, componendo la scena con i ciliegi e il museo, e attendendo il momento in cui qualcuno passasse.

Se osservare l’epicentro attraverso l’«Arch» dal museo rappresenta un auspicio di pace, allora questo paesaggio visto dal lato opposto mi è sembrato incarnare la quotidianità serena di oggi.

Redazione cizucu
La delicatezza dei ciliegi e la geometria architettonica del museo d’arte contemporanea si intrecciano. La scultura dell’«Arch» funge da “cornice”, guidando silenziosamente lo sguardo e collegandolo alla memoria della città. Senza parlare direttamente di pace, la fotografia lascia trasparire il suo peso nella tranquillità della vita quotidiana. Un’opera in cui la forza della fotografia emerge con cura e sensibilità.

P H Lee’s Story

P H Lee

📷 RICOH GR IV
📚 02

Soffro di emicrania cronica grave e da vent’anni convivo con questa condizione.
Qualsiasi fattore – cambiamenti di temperatura o umidità, stress, instabilità emotiva, persino la fame eccessiva – può scatenare l’emicrania, che si manifesta sempre in modo ineludibile.

Quel giorno, sono uscito da Taipei al mattino per lavoro a Linkou, ai margini della conca. A metà marzo, l’umidità a Linkou è altissima e presto inizia a piovere. Come previsto, l’emicrania è tornata. Ho portato a termine la giornata lavorativa con il dolore e, verso sera, sono tornato alla stazione MRT di Linkou.

Appena arrivato sul binario, sono stato colpito dalla vista di una nebbia fittissima. Era così densa che sembrava aver cancellato ogni colore dal mondo, e non si distingueva dove portassero i binari della metropolitana. Anche i grattacieli in costruzione, simbolo della riqualificazione urbana, invece di rappresentare il futuro della città, apparivano come uno scenario desolato e apocalittico.

Forse quella sensazione di desolazione rifletteva il mio stesso smarrimento e l’incertezza interiore.

Redazione cizucu
Il binario avvolto dalla nebbia suggerisce un “prossimo” fuori dalla vista, ma trasmette anche un senso di inquietudine, come se fosse un vicolo cieco. Il dolore dell’emicrania, l’umidità e l’atmosfera apocalittica evocata dai grattacieli in costruzione si sovrappongono alle emozioni interiori. Il paesaggio esterno si riflette nelle oscillazioni dell’animo, arrivando a toccare la percezione fisica di chi guarda e legge. Il bianco della nebbia rende nitidi i contorni dello smarrimento.

MATTHEW H. STURGESS’s Story

MATTHEW H. STURGESS

📚 03

Una mattina di dicembre 2025, mentre bevevo il caffè a casa a Singapore, ho sentito un forte richiamo provenire dall’esterno. Fortunatamente, quel giorno avevo già preparato la fotocamera per una visita pomeridiana al vicino parco naturale, pronta all’uso.

Ho subito riconosciuto il verso tipico del bucero e, afferrata la fotocamera, sono corso fuori di casa e in strada. Ho acceso la macchina, regolato le impostazioni e, con un occhio al cielo e uno alla fotocamera, quasi senza badare alle auto (per fortuna non ne passavano).

Puntando l’obiettivo verso l’alto, ho visto proprio sopra di me un magnifico bucero in volo. Era inseguito da un gruppo di corvi (un “murder”, come viene chiamato un gruppo di corvi), che sembravano particolarmente irritati nei suoi confronti.

Senza esitazione, ho regolato la posizione e scattato una raffica di foto per immortalare quell’istante di tensione. Una di queste immagini è diventata lo “scatto decisivo”.

Alla fine il bucero è riuscito a fuggire (anche se ha perso qualche piuma della coda). Questa esperienza mi ha insegnato quanto sia importante avere sempre l’attrezzatura pronta e a portata di mano. Le occasioni arrivano quando meno te lo aspetti.

Redazione cizucu
Nel ritmo serrato dell’inseguimento, il fatto di “essere pronti” trasforma il caso in necessità, con una sensazione di esaltazione. In un attimo di cielo, lo scontro con i corvi, il corpo che si lancia in strada, la raffica dell’otturatore: tutto si concentra e si cristallizza nello “scatto decisivo”. Le opportunità non si aspettano, si vanno a cercare: una storia che invita ad agire.

黃亭綸’s Story

黃亭綸

📚 04

L’immagine ottenuta tramite esposizione multipla non è solo una fotografia, ma anche un contenitore per accogliere e analizzare le emozioni stratificate che accompagnano la mia malattia, la depressione.

Due diversi movimenti corporei. Gesti di ricerca, di cedimento, di preghiera: rappresentano un aspetto reale del percorso vissuto con la malattia. Qui l’immagine non è solo una registrazione, ma un mezzo per raccontare l’interiorità, trasformando in una fotografia, con delicatezza ma anche realismo, quei momenti che non si possono esprimere a parole. Il tempo si condensa in uno scatto.

Penso che la fotografia non sia solo il tempo che scorre tra soggetto e fotografo, ma anche un ponte che collega le persone a se stesse. E credo che in questo legame risieda un potenziale infinito.

Redazione cizucu
La “sovrapposizione” creata dall’esposizione multipla mostra gli strati delle emozioni, al posto delle parole che spiegano lo stato d’animo. Sul punto di crollare, in cerca di qualcosa, in preghiera. Le tracce dei movimenti corporei restituiscono la realtà del tempo vissuto con la malattia. La fotografia diventa un “ponte” che ricostruisce il legame tra sé e il mondo, trasmettendo una forza silenziosa ma autentica.

暴龍’s Story

暴龍

📚 05

Un luglio rovente di qualche anno fa, sono stato licenziato dall’azienda.
Per la prima volta da adulto, mi sono ritrovato con un tempo vuoto che potevo chiamare “vacanze estive”.

Prima di compiere il passo successivo, ho deciso di lasciarmi andare per un po’. Ho tirato fuori la fotocamera dall’armadio a prova di umidità dopo tanto tempo, ho buttato qualche T-shirt nello zaino e sono salito su un treno senza una meta precisa.
La città era sempre frenetica, la gente camminava di fretta per le strade del mattino.
Io, invece, seduto in una tavola calda alle 10, mi sentivo tagliato fuori dal mondo.

Cheese danbing e tè nero. Una colazione semplice. L’inflazione resta dura, ma bisogna pur mangiare. Metto le cuffie e ascolto “Dan Jun De Ren” di Lim Giong. Vorrei essere anch’io così semplice.

Ma la realtà è che le informazioni scorrono senza sosta.
Notizie, società, social network. Non c’è tempo per fermarsi.
In un’epoca così, esistono davvero “persone semplici”?

Il treno corre verso nord, e solo il paesaggio cambia di continuo.
Città, fiumi, fabbriche, mare, campagne.

Solo nel momento in cui premo l’otturatore, il respiro ritorna.
Quel battito mi diceva silenziosamente:
Sono ancora vivo.

Redazione cizucu
Il viaggio che nasce dalla perdita non offre salvezze spettacolari, ma restituisce il battito del cuore attraverso piccoli dettagli: il mutare dei paesaggi, il tempo nella tavola calda, un frammento di musica. In un’epoca in cui siamo travolti dalle informazioni, resta impressa la frase “solo nel momento in cui premo l’otturatore, il respiro ritorna”. Una storia che ci insegna, con una calma intensa, come la fotografia possa diventare un dispositivo che riporta il senso della vita.

Infine

Cosa ne pensate?

Vorremmo continuare a rivolgere lo sguardo al fascino che non si esaurisce nella sola dimensione visiva. «Read Your Photography» è un progetto pensato per accogliere e condividere le emozioni e i pensieri che si celano dietro le fotografie, trasformandoli in una storia.

Quello che appare è solo un istante. Ma dietro c’è un tempo che ha continuato a scorrere e sentimenti che non hanno trovato parole.

Vi invitiamo a “leggere” le fotografie, come se sfogliaste le pagine di un libro, assaporandole lentamente.

Come partecipare

Sul di cizucu, vengono pubblicati di tanto in tanto “temi fotografici”.
Basta rispondere con “il tuo scatto” che meglio interpreta il tema.

L’unica condizione per partecipare è seguire i canali social di cizucu 💙
Tra le opere inviate,
chi sarà selezionato riceverà un messaggio dalla redazione di cizucu!

In «Read Your Photography» presentiamo anche le opere esposte al promosso da cizucu.

Il ppp potrebbe essere organizzato anche nel tuo paese. L’incontro tra persone unite solo dall’amore per la fotografia si sta diffondendo in tutto il mondo.

photo poster project

«photo poster project» è una mostra di fotoposter a cui si può partecipare semplicemente scegliendo la città e la data.

Quello che chiamiamo ppp non è una semplice esposizione fotografica. È una comunità dove chiunque può condividere la propria storia in sicurezza, oltre a rappresentare un’opportunità per entrare in contatto, nel mondo reale, con creativi da tutto il mondo.

In questo articolo vi raccontiamo la giornata del «photo poster project» tenutasi il 13 giugno (sabato) presso la Galleria Miura a Sannomiya, Kobe. Se desiderate partecipare alle prossime edizioni del «photo poster project» in altre città del Giappone, questo reportage fa per voi!

Cos’è il photo poster project?

Esporre le proprie fotografie o fare amicizia con altri fotografi non è sempre così semplice o accessibile. Inoltre, organizzare una mostra personale può richiedere tempo e costi considerevoli.

Per rispondere a queste esigenze nasce il «photo poster project» promosso da cizucu.
Basta scegliere luogo e data, e caricare le proprie fotografie su cizucu per vedere le proprie immagini esposte in grande formato A2. Inoltre, partecipano numerosi fotografi della stessa zona, offrendo la possibilità di incontrare futuri compagni di fotografia.

Nessuna necessità di «affittare uno spazio, cercare un laboratorio di stampa o occuparsi dell’allestimento»: tutte queste incombenze sono eliminate. Basta compilare il form e partecipare di persona all’evento!

La giornata dell’evento

Il photo poster project di cizucu è una mostra di photo poster che si svolge in tutto il mondo e a cui si può partecipare semplicemente scegliendo una città e una data.

Quello che noi chiamiamo ppp non è una semplice esposizione fotografica. È una comunità dove chiunque può condividere la propria storia in sicurezza e un'opportunità concreta per entrare in contatto con creativi da tutto il mondo nel mondo reale.

Questa volta abbiamo intervistato Kareem Berjaoui, uno dei creatori che ha preso parte al photo poster project.

Puoi presentarti?

Piacere, sono Kareem Berjaoui. Sono un fotografo autodidatta con base a Londra. Ho un background in graphic design e mi dedico principalmente al ritratto e alla fotografia d’arte.

Cosa ti ha spinto a partecipare?

Il ritratto che ho esposto la prima volta era un’opera che desideravo da tempo presentare in Giappone. È profondamente legata alle esperienze che ho vissuto in Giappone e rappresenta molto anche per il soggetto della fotografia.

Avevo già avuto esperienze espositive, ma questa è stata la prima volta che ho mostrato il mio lavoro fuori dal Regno Unito. Ricevere questa opportunità è stato davvero un “momento in cui un desiderio si realizza” che non volevo lasciarmi sfuggire. Per me è stato come chiudere un cerchio che avevo disegnato nel tempo.

Partecipando più volte, hai notato dei cambiamenti in te stesso?

Alla seconda partecipazione, ho sentito di riuscire ad apprezzare meglio i “dettagli” presenti nelle mie opere.

In realtà, la seconda volta ho esitato a partecipare a causa del formato della foto che volevo esporre. Ma Mina di cizucu mi ha incoraggiato e ho deciso di ritagliare l’immagine in modo che il soggetto principale emergesse maggiormente al centro. Così sono emersi dei tratti che non avevo mai notato prima, e ne sono rimasto molto sorpreso.

Ora mi sento anche più sicuro di poter incontrare un pubblico disposto ad ascoltare la mia storia.

Cosa ti affascina del photo poster project?

In poche parole, credo che sia uno spazio dove si può davvero trasmettere la “storia dietro la fotografia”. Poter parlare delle proprie opere davanti a un pubblico e condividere le motivazioni e i pensieri che le animano è stata un’esperienza preziosa.

Ascoltare le storie degli altri creativi permette di comprendere più a fondo il tempo e il pensiero racchiusi nelle loro opere, e incontrarsi di persona offre un contatto più autentico con i processi e le idee che stanno dietro la produzione.
Se c’è la possibilità di partecipare anche alla preparazione della giornata, consiglio vivamente di provarci: si comprende meglio come nasce l’evento e ci si abitua naturalmente al suo svolgimento.

Per chi sta pensando di partecipare al photo poster project

Prima di tutto, sii orgoglioso di mostrare le tue opere. E cerca di incontrare persone che condividono la tua stessa passione. Il ppp ti aiuta a sviluppare fiducia nell’esporre i tuoi lavori in pubblico e ti offre la possibilità di entrare in contatto reale con il pubblico.

All’inizio può sembrare spaventoso, ma se pensi al rimpianto di non averci provato, capirai che vale davvero la pena tentare. cizucu offre un’esperienza accessibile a chiunque desideri esporre le proprie opere in uno spazio pubblico.

Qui non ci sono giudici: ci sono solo persone che desiderano condividere le opere di qualcuno. Ed è proprio questo l’aspetto che amo di più di questo luogo.

Threads, la piattaforma social testuale offerta da , ospita ogni giorno innumerevoli espressioni creative provenienti da tutto il mondo.

『find new pieces』 è un progetto di scouting che individua opere di grande talento tra le moltissime pubblicate su Threads, presentandone il fascino attraverso la nostra rivista. Ogni edizione propone un tema specifico e raccoglie opere da tutto il mondo che vi si ispirano, per incontrare così nuovi talenti (new pieces) ancora sconosciuti.

Come partecipare

Sul Threads di cizucu, viene occasionalmente proposto un “tema fotografico”.
Basta rispondere con “il tuo scatto” che interpreta il tema.

L’unica condizione per partecipare è seguire i canali social di cizucu 💙
Tra tutte le submission ricevute,
gli autori selezionati riceveranno un messaggio dalla redazione di cizucu!

Questa volta presentiamo 12 opere selezionate tra le numerose submission arrivate da tutto il mondo.
Scopriamo insieme questi straordinari lavori, ognuno animato da uno sguardo e una sensibilità unici.

『neighborhood』

L’angolo di una strada, il solito percorso verso casa, le finestre illuminate nella notte.
Il “quartiere” è il luogo dove si intrecciano le vite quotidiane.

Anche se ciò che accade lì non è sempre spettacolare, esistono istanti che rimangono impressi nel cuore.
Con il mutare delle stagioni, anche lo stesso paesaggio cambia gradualmente volto.

Che traccia del “quartiere” hai colto tu?
Mostraci la storia che solo tu riesci a vedere, nascosta tra i paesaggi anonimi.

new pieces

夏目きぬ。

💙 01

Redazione cizucu
Due persone con un cesto e una piccola schiena: solo da queste figure di spalle si percepisce il ritmo della vita di questo luogo. Il contrasto tra la massa della montagna e la morbidezza dell’erba ai piedi è piacevole, e fa sentire il quartiere non solo come “vicino a casa”, ma come “paesaggio che sostiene il quotidiano”. Il fatto che i volti non siano visibili lascia spazio allo spettatore per sovrapporre i propri ricordi, ed è parte del fascino. Un tempo sereno, restituito con una sensazione tangibile.

YU

📷 SONY a7C II
💙 02

Redazione cizucu
Lo sguardo del gatto che sbuca dal bordo del tetto ci fa fermare d’istinto. In mezzo ai profili inorganici della città, definiti dalle linee dei cavi e dalle superfici degli edifici, questa piccola presenza bianca e nera emerge con forza, trasmettendo direttamente la sensazione di un incontro nel quartiere. La scelta del bianco e nero è azzeccata: riducendo le informazioni, si accentua la tensione del “momento della scoperta”. Questa foto ci insegna che anche nei luoghi più quotidiani si nascondono piccoli drammi.

yatakaras19

💙 03

Redazione cizucu
La strada dritta e la ripetizione dei pali trasformano il paesaggio consueto in una “profondità della memoria”. Le montagne in lontananza si dissolvono dolcemente, mentre la strada in primo piano rimane ben definita, restituendo la sensazione del ritorno a casa. L’arcobaleno creato dal flare è suggestivo e trasmette l’atmosfera del luogo, inclusa la luminosità e l’umidità. Un’opera che afferma silenziosamente la “ricchezza del nulla” del quartiere.

takaomikim

💙 04

Redazione cizucu
All’apparenza solo una siepe, ma nel momento in cui la luce la colpisce, appare una “creatura”. Una sorpresa racchiusa in uno scatto. Il profilo dell’ombra ricorda un dinosauro o un uccello, trasformando il paesaggio del quartiere in un parco giochi. La texture del verde e il contrasto tra luce e ombra sono splendidi, e colpisce l’attenzione con cui sono stati colti i dettagli di un momento spesso trascurato.

ha_na

💙 05

Redazione cizucu
La gradazione del cielo che passa dal blu intenso al rosa tenue, con la luna e una stella che fluttuano dolcemente: uno scatto che coglie con delicatezza il confine tra due momenti. Una figura con una lanterna tra i fiori, piccola nella scena, fa emergere sia la quiete del “quartiere” sia la presenza della vita quotidiana. Un paesaggio ordinario che sembra l’inizio di una storia. Rimane la dolcezza dell’attimo in cui inizia la notte.

김병식

💙 06

Redazione cizucu
Il paesaggio con i cavi elettrici che si sovrappongono sopra la gradazione del tramonto cattura lo sguardo. Sembra quasi che siano stati immortalati anche le “linee” e i “suoni” della città, facendo emergere silenziosamente la vita del quartiere. Le silhouette degli edifici e delle insegne suggeriscono l’atmosfera del luogo, ma la vera protagonista è la luce del cielo. Colpisce la capacità di cogliere i cambiamenti di pochi minuti al calar del sole.

Tito

📷 SONY a7 Ⅵ
💙 07

Redazione cizucu
La composizione che attira lo sguardo verso il fondo del lungo corridoio è magistrale: un luogo di passaggio che si trasforma in “paesaggio del quartiere”. Il ritmo scandito dai pilastri e le strisce d’ombra sul pavimento trasmettono la quiete del mattino e l’aria secca. Sullo sfondo, i condomini creano un dialogo tra la vita individuale e la scala della città. Colpisce la capacità di trasformare un passaggio quotidiano in un’immagine così raffinata.

Qldntrl

💙 08

Redazione cizucu
Basta il confine tra la pietra del muro e le foglie di edera per raccontare la sensazione di vivere in questa città. Il verde intenso avvolge l’ombra, mentre la luce illumina le punte delle foglie, lasciando una traccia tangibile del pomeriggio. Anche un muro familiare, se osservato con attenzione a ritmo e texture, può diventare un “motivo” ricco del quartiere. Colpisce la scelta di escludere informazioni superflue, lasciando solo stagione e atmosfera.

Adrian Miller

📷 FUJIFILM X-T5
💙 09

Redazione cizucu
Un’opera che cattura con cura un “momento di lavoro”, compreso il riflesso sull’acqua. Il soggetto in primo piano è ben saldo, mentre lo sfondo sfocato crea uno spazio vuoto che fa emergere silenziosamente l’attività che sostiene il quartiere. L’angolo del braccio che tiene gli attrezzi e il movimento dell’acqua ai piedi trasmettono il ritmo del lavoro. Un’immagine in cui convivono l’orgoglio del lavoro quotidiano e la dolcezza della luce soffusa.

filmtaaabooo777

💙 10

Redazione cizucu
La schiena con lo zaino scolastico che avanza lungo la curva della strada: basta quell’istante per trasmettere la “solita mattina” di questo luogo. La scelta di non mostrare il volto invita lo spettatore a guardare nella stessa direzione, seguendo il flusso del tempo del quartiere. Il bianco e nero e la grana accentuano la stratificazione della memoria, lasciando la sensazione del “luogo del ritorno” fino alle montagne e ai cavi in lontananza. Un’opera che celebra silenziosamente le piccole partenze quotidiane.

Rhys

💙 11

Redazione cizucu
Un piccolo spicchio di luna in un cielo azzurro intenso: a questa quiete risponde la ripetizione vigorosa degli edifici sulla destra, raccontando il quartiere urbano attraverso le “forme”. Le ombre curve dei balconi e i colori dalla texture arrugginita trasmettono con delicatezza la stratificazione del tempo. Pur con poche informazioni visive, si riesce a immaginare la temperatura e i suoni del vento. Questa foto ci insegna che basta cambiare il modo di guardare il quotidiano per rendere la città poetica.

jason90202017

💙 12

Redazione cizucu
Oltre il tunnel di fiori, attendono il profilo di una casa e una luce abbagliante: il modo in cui viene rappresentato questo “ingresso” è estremamente affascinante. Il rosso e il verde riempiono i bordi dell’immagine, guidando lo sguardo verso il fondo e facendo nascere un piccolo spirito d’avventura nel quartiere. Anche le ombre ai piedi e i petali caduti trasmettono la velocità con cui passa la stagione. Un attimo in cui la solita strada appare improvvisamente come una festa, colto con delicatezza.

Per concludere

Che impressione vi hanno fatto queste opere?

Anche nella stessa città o sulla stessa strada, l’aspetto cambia completamente a seconda dell’ora, del tempo o delle persone che vi si incontrano. Dalle opere raccolte questa volta, si percepiscono non solo la vitalità, ma anche la quiete, lo spazio e le sfumature di temperatura: ogni creatore ha saputo restituire il proprio “tempo del quartiere”.

Scoprire nuovi talenti (new pieces): è proprio questo il ruolo che vogliamo svolgere con questo progetto, sperando che la vostra espressione possa raggiungere il cuore di sempre più persone.


Non perdete il prossimo tema!
Seguite i canali social di cizucu e restate aggiornati 💙

Green Hours

«Green Hours» è un open call fotografico globale promosso da cizucu, aperto a tutti i creativi iscritti su cizucu. Tra le submission ricevute, le opere più significative saranno selezionate attraverso un processo curatoriale, con l’obiettivo di scoprire nuovi talenti e sostenere la community.

Il tema di questa edizione è «Ore di verde».

Quando ci immergiamo nella natura o nel verde, sentiamo il desiderio di contemplare e respirare profondamente.
Il tremolio della luce tra le foglie, il fruscio delle fronde mosse dal vento, il verde che si insinua tra i palazzi.

Questi «momenti di verde» sciolgono delicatamente i pensieri e portano quiete all’animo.
A volte, ricordi ed emozioni sopite possono riaffiorare in silenzio.

Mostraci, attraverso la fotografia, il tuo personale «momento di verde».
Quello scatto potrà regalare un piccolo respiro profondo nella quotidianità di qualcun altro.

Attendiamo con entusiasmo le vostre submission.

Ispirazione

Suzuki Kousuke
Al centro del mondo

📷 LEICA Q2

Redazione cizucu
L’ampio spazio bianco che abbraccia il verde del prato e i contorni sfumati della figura umana creano una sensazione di grande armonia. Come se il paesaggio scorresse sospinto dal vento, resta solo il respiro in un istante di abbandono. Proprio perché non tutto è nitido, l’atmosfera e il senso di «tempo liberato» emergono con forza.

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La luce che filtra nell’ombra
fa risaltare le piante
che sembrano rivolgersi a noi

📷 SONY α6000

Redazione cizucu
La luce che penetra nell’oscurità mette delicatamente in risalto ogni foglia, invitando a una respirazione silenziosa. Proprio grazie alla profondità delle ombre, la morbidezza e la freschezza del verde emergono, portando calma anche allo sguardo dell’osservatore. Anche un semplice verde su una parete può dare vita a un «momento di verde» quando viene raggiunto dalla luce. Uno scatto che regala questa consapevolezza.

はくらく
Nel mio santuario, il riso utilizzato per le offerte viene coltivato in una risaia dedicata, dalla semina al raccolto.
Quest’anno si è svolto il rituale della piantumazione delle prime piantine destinate alle offerte.

📷 Panasonic DC-GH5M2

Redazione cizucu
Si percepisce il peso del fango e dell’acqua sulle mani, e questa immagine ci ricorda che il verde è qualcosa che cresce. La freschezza delle piantine e il calore delle mani umane condividono lo stesso spazio visivo, avvicinando il senso dell’inizio della stagione. Come un respiro profondo dopo aver toccato la terra, il cuore si acquieta dolcemente.

KITA
La tela della natura

📷 RICOH GR III

Redazione cizucu
L’ombra delle foglie sulla parete bianca sembra visualizzare il passaggio del vento, creando un’immagine affascinante. Solo il verde si muove liberamente all’interno di una forma ordinata, sciogliendo lo sguardo e la mente. Anche vicino alla vita urbana si celano «momenti di verde» che permettono di respirare profondamente. Uno scatto che trasmette questa silenziosa certezza.

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Oltre la tenda verde

📷 Canon EOS KISS M

Redazione cizucu
Lo sguardo che ci osserva, avvolto dal verde umido della riva, è estremamente suggestivo. La visuale che si apre tra le foglie sembra lanciare un piccolo segnale di «ti ho trovato», tanto che si trattiene quasi il respiro. In questa immagine si percepiscono contemporaneamente il fluire del tempo in un luogo silenzioso e la presenza della vita, portando una sensazione di calma interiore.

Informazioni sul contest

【Periodo】
Dal 20 giugno 2026 (sabato) al 19 luglio 2026 (domenica)

【Annuncio dei selezionati】
Intorno a mercoledì 29 luglio 2026

【Premio】
Pass gratuito per partecipare al «Photo Poster Project» organizzato da cizucu (per 2 persone)

【Modalità di partecipazione】
・Seleziona il contest «Green Hours»
・Tocca «Accetta il regolamento e invia»
・Scegli il contenuto da pubblicare e invia la tua opera

【Criteri di selezione】
(1) Attinenza al tema: l’opera risponde alla mission indicata?
(2) Centralità del soggetto: è chiaro cosa si vuole comunicare e si percepisce l’intenzione dell’autore?
(3) Espressività: la fotografia mostra capacità espressive in termini di punto di vista, composizione, equilibrio, messa a fuoco, colore?
(4) Tempismo: la scelta del momento e il tempismo dello scatto sono efficaci?
(5) Originalità: ci sono elementi di unicità nella scelta del luogo o del soggetto?

Nella community di cizucu si svolgono regolarmente concorsi fotografici online aperti a tutti a livello globale. Dalle iniziative curate direttamente da cizucu alle collaborazioni con brand, i contenuti e i temi sono estremamente vari. L’obiettivo è stimolare la creatività individuale e favorire un’espressione ricca e libera.

Attualmente sono in corso cinque concorsi: “Sky Mood”, “In the Rain”, “June Diary '26”, “Like a Movie Frame” e “A Refrain Calling”.

In questo articolo vi presentiamo una selezione di opere candidate e le informazioni principali su ciascun concorso attivo.

Sky Mood

【Tema】Atmosfere del cielo
【Scadenza per le submission】Lunedì 22 giugno 2026

Manon

Redazione cizucu
La gradazione del cielo che passa dal blu al giallo, fino al rosa, tinge delicatamente anche le onde. I colori, così raffinati e quasi irreali, sembrano avvolgere con dolcezza noi e l’intero pianeta. Il modo in cui il cielo, insieme al suono delle onde, lenisce il cuore teso è perfettamente catturato in questo scatto.

In the Rain

【Tema】Pioggia
【Scadenza per le submission】Lunedì 29 giugno 2026

shinesnooping
Downpour @ Ladprao, Bangkok

📷 FUJIFILM X100VI

Redazione cizucu
La scena catturata attraverso il vetro bagnato dalla pioggia si deforma in modo affascinante, quasi fosse un dipinto astratto. Le luci calde che si sfumano e le silhouette ferme evocano la solitudine e l’atmosfera onirica tipiche delle notti piovose, restituendo un mondo speciale che esiste solo in queste condizioni. Pur suggerendo una narrazione, la visione sfocata e senza risposte ci trascina profondamente nel suo universo.

June Diary '26

【Tema】Diario di giugno
【Scadenza per le submission】Martedì 30 giugno 2026

Taerin Sim
June in New York

Redazione cizucu
Il verde intenso degli alberi e la freschezza del prato trasmettono la sensazione dell’arrivo dell’estate. Le persone che si rilassano liberamente ricordano la bellezza dei piccoli momenti quotidiani. Il punto di vista leggermente distaccato comunica perfettamente l’atmosfera piacevole della scena. Uno scatto che cattura con naturalezza un momento che ha mosso il cuore, proprio come una pagina di diario.

Like a Movie Frame

【Tema】Suggestioni cinematografiche
【Scadenza per le submission】Domenica 5 luglio 2026

Leo Ishizuka

Redazione cizucu
Il disordine del letto e la malinconia della figura che guarda fuori dalla finestra trasmettono una forte narrazione. I grattacieli visibili e la valigia nell’angolo della stanza stimolano l’immaginazione su ciò che è accaduto prima e dopo. In questa scena complessa, lo sguardo si concentra sull’atmosfera che avvolge il profilo, lasciando un’impressione indelebile come un fotogramma cinematografico.

A Refrain Calling

【Tema】Motivi ricorrenti
【Scadenza per le submission】Domenica 12 luglio 2026

Tsabu

Redazione cizucu
Sullo sfondo di un mare e di un cielo intensamente blu, gli uccelli volano in formazione ordinata. La curva morbida della fila e lo spazio vuoto sulla sinistra creano una piacevole risonanza visiva. La composizione minimale, priva di elementi superflui, permette al ritmo delle onde e al movimento degli uccelli di entrare direttamente nell’animo di chi osserva.

photo poster project

«photo poster project» è una mostra di fotoposter a cui si può partecipare semplicemente scegliendo la città e la data.

Quello che chiamiamo ppp non è una semplice esposizione fotografica. È una comunità dove chiunque può condividere la propria storia in sicurezza e un’opportunità per entrare in contatto, nel mondo reale, con creativi da tutto il mondo.

In questo articolo vi raccontiamo la giornata del «photo poster project» tenutasi il 7 giugno (domenica) presso «the from Akasaka Ekimae» a Fukuoka, Akasaka. Se desiderate partecipare alle prossime edizioni del «photo poster project» in tutto il Giappone, non perdetevi questo reportage!

Cos’è il photo poster project?

Esporre le proprie fotografie o fare amicizia con altri fotografi non è sempre così accessibile. Inoltre, organizzare una mostra personale comporta spesso costi e impegno considerevoli.

Il «photo poster project» promosso da cizucu nasce proprio per rispondere a queste esigenze.
Basta scegliere luogo e data e inviare le proprie fotografie a cizucu per vedere le proprie immagini esposte in grande formato A2. Inoltre, partecipano numerosi fotografi della stessa zona, offrendo la possibilità di incontrare nuovi compagni di viaggio nella fotografia.

Nessuna necessità di «affittare uno spazio, cercare una tipografia o occuparsi dell’allestimento»: basta compilare il form e partecipare di persona all’evento!

La giornata dell’evento

Questa volta abbiamo chiesto a umai_gohan, creatore cizucu che cattura culture e identità da tutto il mondo, di condividere i suoi luoghi fotografici preferiti a Okutama, Tokyo.

Okutama si apre dopo aver percorso le creste montuose, rivelando paesaggi che fanno dubitare di essere ancora nella capitale. Qui convivono, senza soluzione di continuità, le memorie dello sviluppo dell’epoca della crescita economica e la quiete attuale.

I luoghi selezionati da umai_gohan in questa Okutama, che sembra sospesa tra tempi diversi, sono tutti spazi in cui si percepisce il profilo del tempo che permane nel territorio.

Perché hai scelto l’area di Okutama?

Okutama, che si estende nella parte occidentale di Tokyo, oggi sembra essere un po’ distante dalla vivacità e dalla luce che la parola “meta turistica” evoca. Durante il boom economico era un polo di svago molto frequentato, ma con il passare degli anni e il cambiamento delle abitudini di viaggio, molte strutture e paesaggi che sostenevano quell’energia sono stati silenziosamente lasciati indietro.

Ho voluto esplorare la “memoria” di questi paesaggi abbandonati, rimasti dopo tali trasformazioni. Guidando per circa un’ora dal centro, tra le creste montuose, si percepisce l’aria che si fa più limpida e la profondità dello sguardo che si amplia ad ogni curva.

La sequenza di paesaggi e curve che fanno pensare “ma siamo davvero ancora a Tokyo?” e la sovrapposizione tra la quiete attuale e l’eco del passato lungo la stessa strada sono, secondo me, il fascino autentico di Okutama.

1. Strutture abbandonate

Ciò che rimane a dominare il lago Okutama, tra le fenditure delle montagne, sono i segni della vitalità che un tempo animava questi luoghi. Le strutture, ormai inattive, sembrano sospese nel tempo più che semplicemente dismesse.

Anche se hanno perso la loro funzione originaria, il semplice fatto che “continuino a esistere” diventa informazione stessa del luogo. Osservando la stazione silenziosa e fredda, immaginando i passi e le presenze di allora, ho percepito come il profilo del tempo riaffiori improvvisamente nel paesaggio.

Punti chiave per la ripresa

Ho cercato di non isolare solo l’edificio, ma di far percepire nel fotogramma la “distanza” tra il verde e le strutture circostanti. Piuttosto che stringere su un unico soggetto, ho scelto di arretrare leggermente per trovare un equilibrio in cui gli elementi artificiali sembrano abbandonati nella natura.

Lasciando spazio ai margini dell’inquadratura e includendo la quantità di verde e l’apertura del cielo, ho voluto trasmettere la quiete e la freschezza dell’aria. Inoltre, ho ricercato composizioni in cui le linee rette delle strutture si scontrano con le linee organiche dell’ambiente, per rendere visibile lo scarto temporale.

2. Tracce dello sviluppo

Con la costruzione del lago Okutama, questa zona era un tempo abitata. Gli edifici e le strutture rimasti, che un tempo sostenevano la quotidianità di qualcuno, hanno visto terminare la loro funzione prima delle persone, lasciando solo tracce che si fondono silenziosamente tra le montagne.

Quello che si ha davanti non è tanto un “reperto del passato”, quanto un paesaggio in cui il tempo sembra essersi interrotto. La distanza tra edifici, montagne e cielo mi è apparsa particolarmente nitida, come se quella cesura emergesse attraverso la luce e l’aria.

Punti chiave per la ripresa

Per trasmettere la quiete e la densità dell’aria circostante, ho composto l’inquadratura includendo non solo l’edificio ma anche il profilo delle montagne e l’apertura del cielo sullo sfondo.

Non volevo enfatizzare l’aspetto “da rovina”, ma mantenere quella sensazione di naturalezza, come se questi elementi fossero ancora parte integrante del paesaggio.

3. Memorie disperse

Restano ovunque tracce di vecchie strade di collegamento e piccoli accessi che si inoltrano tra le montagne. Frammenti così minuti che si rischia di non notarli passando in auto, sparsi come schegge di memoria.

Questa sessione fotografica non è stata una corsa verso una meta precisa, ma un viaggio fatto di soste e raccolta di indizi sparsi lungo il percorso.

Anche se sembra che non accada nulla, proprio questa apparente assenza di eventi diventa informazione preziosa sul luogo.

Punti chiave per la ripresa

Piuttosto che “cercare e fotografare” luoghi noti, mi sono fermato dove avvertivo una sensazione di straniamento durante il tragitto, cambiando gradualmente altezza e posizione dello sguardo.

Non si trattava tanto di andare a caccia di tracce, quanto di rallentare per non trascurare dettagli facilmente trascurabili e cogliere le piccole variazioni nel paesaggio.

4. Collegare i punti

Quello che emerge a Okutama non è tanto un “paesaggio compiuto” quanto una sequenza di frammenti disseminati lungo il percorso. Ombre di guardrail che appaiono improvvise dopo una curva, tagli di cemento ai margini della strada, riflessi d’acqua che si intravedono tra i rami: piccoli elementi che si ripetono con ritmo, mutando forma.

Si sussegue un’ambiguità, come se un ordine appena accennato si stesse dissolvendo, e solo una sottile sensazione di straniamento si accumula silenziosamente. Collegare i punti è stato come ricomporre questi frammenti in un nuovo “paesaggio”.

Punti chiave per la ripresa

In questa sessione, ho dato priorità alla continuità del “flusso del viaggio” più che alla singola immagine compiuta. Se una luce o una forma attirava la mia attenzione, fermavo subito l’auto e scattavo rapidamente alcune foto finché la luce restava costante.

Ho cercato di raccogliere consapevolmente elementi simili (linee, ombre, riflessi), variando inquadratura e distanza per creare una “continuità” visiva. Le linee che collegano i punti non restano sulla mappa, ma come memoria del viaggio sono rimaste dentro di me e nella mia fotocamera.


Cosa ne pensi?

Fotografare a Okutama sembra più un esercizio di “non trascurare” che di “cercare” soggetti. La distanza creata tra elementi artificiali, montagne e cielo, e la densità delle tracce nella quiete: è il tempo stesso del viaggio, mentre si raccolgono queste presenze sparse, a trasformarsi in fotografia.

Ti invitiamo a visitare i luoghi consigliati da umai_gohan e a scoprire con i tuoi occhi il “profilo del tempo” di Okutama.

umai_gohan

Specializzato in fotografia di rovine, street e zoo. Predilige l’uso di obiettivi a focale fissa, concentrandosi su composizioni sottrattive e sulla capacità di cogliere la “densità del tempo” nell’istante. L’attrezzatura è selezionata in modo mirato, in funzione dell’intento.

cizucu：umai_gohan
Threads：@umai_gohan___

Attraverso interviste a persone e media che perseguono la fotografia con una visione autonoma, approfondiamo le origini, il pensiero e i processi creativi, offrendo nuova ispirazione a fotografi e piattaforme fotografiche di tutto il mondo.

Il British Journal of Photography, la rivista di fotografia più longeva al mondo. Archiviare oggi, con le parole, le sue origini creative, i valori e le prospettive che ha sempre custodito, significa contribuire a sostenere una parte della cultura fotografica futura.

In questa occasione, abbiamo rivolto “10 domande” a Diane Smyth, editor del British Journal of Photography, per indagare il processo che porta la sua espressione a prendere forma.

British Journal of Photography

Il British Journal of Photography (BJP), fondato nel 1854, è la rivista di fotografia pubblicata ininterrottamente da più tempo al mondo. Oggi, oltre alle quattro edizioni cartacee annuali, pubblica anche online tramite sito web e social media. Con uno sguardo che attraversa passato e presente, presenta opere e tendenze che riflettono “l’oggi” della fotografia, stimolando il dibattito.

Instagram: @bjp1854

Q1. Il British Journal of Photography (BJP) è stato fondato nel 1854 e da oltre 170 anni rappresenta una piattaforma per il fotogiornalismo e la critica fotografica. Qual è, secondo lei, l’aspetto più importante per mantenere e far evolvere una pubblicazione con una storia così lunga?

Sembra paradossale, ma più mi occupo di una testata con una lunga storia, più sento il desiderio di essere profondamente coinvolta nella “fotografia contemporanea”.
Quando la rivista fu fondata, la fotografia era un nuovo medium e i lettori, coltivando questa tecnologia emergente, stavano dando forma a nuovi modi di vedere il mondo. Per questo motivo, credo sia fondamentale affrontare direttamente le tecnologie che continuano a evolversi nella produzione e nella distribuzione, interrogandosi su come queste trasformino l’ambiente e le relazioni con gli altri.

Allo stesso tempo, sono sempre consapevole di come il BJP voglia essere “diverso dal passato”. In passato, il BJP era sostenuto da una comunità di uomini bianchi benestanti e non era estraneo ai valori formatisi nell’epoca dell’imperialismo.

Sono madre, la seconda donna a ricoprire il ruolo di caporedattrice, e provengo dall’Irlanda del Nord. Ritengo che sia fondamentale, per la continuità e l’evoluzione della rivista, superare le eredità di quell’epoca e accogliere narrazioni e prospettive più diverse.

Q2. Il BJP gestisce numerosi award e iniziative come Portrait of Humanity, Portrait of Britain, Female in Focus, OpenWalls. Quali cambiamenti o opportunità desiderate generare nella comunità fotografica attraverso questi programmi?

Prima di tutto, vorrei sottolineare che tutte queste iniziative sono dirette dalla mia collega Zoe Harrison, il cui lavoro è davvero straordinario. Detto ciò, tutti questi programmi sono progettati con l’obiettivo comune di generare un “cambiamento positivo”.

Ad esempio, ‘Female in Focus’ mira ad aprire maggiori opportunità alle artiste donne o che si identificano come tali, ancora oggi spesso sottovalutate in vari ambiti. ‘OpenWalls’ è un progetto che offre agli artisti la possibilità di esporre le proprie opere durante il festival fotografico di Arles.

Per ‘Portrait of Britain’, il BJP utilizza i billboard pubblici di proprietà di JCDecaux per esporre ritratti realizzati nel Regno Unito. Quello che emerge è l’immagine stessa della nostra vivace comunità multiculturale. In un’epoca di retorica politica sempre più accesa, credo che ‘Portrait of Britain’ possa rappresentare un intervento positivo nella società.

Q3. ‘Ones to Watch’ è una piattaforma fondamentale per presentare a un pubblico internazionale i nuovi talenti della fotografia. Quali sono i criteri e le considerazioni principali nella selezione degli artisti?

Gli autori di ‘Ones to Watch’ vengono selezionati tramite le segnalazioni di nominatori da tutto il mondo. Queste persone dedicano tempo e risorse per presentarci gli image-maker più interessanti del momento. Alla fine dobbiamo sceglierne 15, un compito difficile ma anche molto stimolante.

Nella selezione, adottiamo alcune linee guida, come includere autori da aree geografiche diverse e garantire una varietà di approcci. Inoltre, “emergente” non significa necessariamente giovane anagraficamente. Negli ultimi anni abbiamo presentato, ad esempio, un’artista madre dal Bangladesh che ha iniziato a produrre dopo che i figli sono diventati indipendenti, o autori della comunità Dalit in India che hanno impiegato più tempo a costruire la propria carriera a causa di contesti difficili.

Negli ultimi tempi, sono particolarmente colpita dai giovani image-maker che, come in Ucraina o Palestina, producono opere rispondendo ai conflitti nei loro paesi.

Q4. Il BJP ha collaborato con numerose istituzioni e organizzazioni culturali, come nel progetto Bodleian Library × BJP Commission. In che modo queste partnership ampliano il ruolo della fotografia nella società e nella cultura?

Queste partnership conferiscono ai fotografi il peso e la credibilità di istituzioni come la Bodleian Library. Allo stesso tempo, consentono di archiviare e conservare con cura opere e immagini per il futuro. La collaborazione con il British Council, ad esempio, ci ha permesso di organizzare dibattiti sull’identità in un’epoca in cui questa è più instabile che mai. Abbiamo riflettuto su come la fotografia sia stata usata sia per “controllare” sia per “espandere” l’identità.

Noi stessi, in quanto istituzione, possiamo offrire valore entrando in contatto diretto con artisti attivi, assorbendo l’energia e la visione del nostro tempo. In definitiva, auspichiamo che il risultato sia positivo per tutti i soggetti coinvolti, image-maker compresi.

Q5. Oltre alla pubblicazione di opere fotografiche, il BJP ha svolto a lungo il ruolo di spazio per critica, giornalismo, interviste e recensioni di photobook. Come vede la relazione tra fotografia e testo?

Pur interessandoci a mettere in luce le intenzioni di artisti e curatori, comprendiamo bene che ciò che il pubblico riceve dalle opere non coincide necessariamente con tali intenzioni. Per questo, cerchiamo di non imporre interpretazioni forti, affinché ogni lettore possa sviluppare il proprio sguardo.

Fotografia e testo a volte svolgono funzioni simili, altre volte completamente diverse, e riflettiamo spesso su queste differenze.

C’è una citazione che amo dello scrittore e fotografo Hervé Guibert, ripresa anche nella mostra ‘Love Songs’ al MEP (Maison Européenne de la Photographie) nel 2022.

“Quando scrivo, non ho freni né remore, perché in gioco ci sono solo io. Invece nella fotografia compaiono i corpi degli altri, parenti e amici. Provo sempre un po’ di inquietudine...”

Q6. Con la rapida diffusione delle immagini generate dall’AI, qual è la posizione del BJP dal punto di vista della critica fotografica e del fotogiornalismo? Come la rivista affronta questa svolta tecnologica e culturale?

L’AI è un tema enorme. Per la produzione di immagini in cui il “legame indicale con il mondo”, come nella fotografia documentaria, è fondamentale, può avere effetti chiaramente negativi. Anche dal punto di vista della tutela del diritto d’autore e del reddito, l’impatto sugli artisti è notevole.

D’altra parte, abbiamo presentato progetti interessanti come quello di Bharat Sikka, che ha addestrato l’AI sulle proprie immagini per esplorare le potenzialità e le implicazioni della generazione artificiale. Inoltre, intervistiamo esperti per comprendere come funziona realmente la tecnologia e quali ideologie vi siano incorporate.

Personalmente, ho l’impressione che il passaggio a una “visione del mondo centrata sull’immagine”, già consolidata dalla fotografia, stia accelerando ulteriormente. Pensatori come Jean Baudrillard e Guy Debord ne hanno già discusso in passato.

Q7. Il BJP mantiene sia la pubblicazione digitale che la versione cartacea della rivista. Qual è, secondo lei, il valore e il significato che la pubblicazione fotografica stampata continua ad avere oggi?

Il digitale è veloce e accessibile sia geograficamente che economicamente. Per questo sono felice di poter presentare opere online. Tuttavia, la stampa permette di presentare i lavori in modo più meditato e offre una maggiore durata nel tempo. Questa caratteristica di “permanenza” è molto interessante.

In un’epoca in cui i cavi sottomarini possono essere tagliati e gli articoli aggiornati o rimossi, credo sia importante creare oggetti che rimangano concretamente nel mondo. Anche la nostra rivista è conservata in molti archivi e istituzioni. Non so come verrà utilizzata dai ricercatori del futuro, ma penso che il fatto stesso di “restare come opzione” sia positivo.

Q8. Attraverso i legami con festival e istituzioni come Arles e KYOTOGRAPHIE, il BJP osserva la scena fotografica globale da una prospettiva unica. Come percepisce i cambiamenti nella scena internazionale? Ci sono aree, comunità o movimenti che ritiene particolarmente interessanti?

Il rapporto con KYOTOGRAPHIE è nato di recente e sono molto curiosa di vedere come si evolverà. In particolare, abbiamo collaborato con ‘KG+ Select’, un’iniziativa che presenta nuovi image-maker dal Giappone e dal mondo.

Per me, l’aspetto più interessante della scena internazionale è il ruolo degli artisti non occidentali nel rimettere in discussione cosa sia la fotografia e cosa possa diventare. Se la fotografia incarna un’epistemologia occidentale, allora artisti con tradizioni culturali e filosofiche diverse – pur subendo l’influenza della globalizzazione occidentale e della cultura dell’immagine – possono riadattare, sovvertire e riutilizzare questa tecnologia.

Ultimamente penso che anche i fotografi di Provoke possano essere letti in questa chiave: erano un collettivo che, sia filosoficamente sia in senso molto letterale, metteva in discussione i modi di vedere imposti al Giappone.

Q9. In quanto pubblicazione con oltre 170 anni di archivio, come il BJP collega il proprio patrimonio storico con la pratica fotografica contemporanea? Ci sono iniziative o approcci specifici per favorire il dialogo tra passato e presente?

Finora non abbiamo sfruttato appieno il nostro archivio, ma recentemente stiamo riflettendo su come collegarlo a nuove iniziative, ad esempio attraverso commissioni artistiche. Tornare ai testi del passato è sempre un’esperienza fresca e stimolante.

Quando Sebastião Salgado è venuto a mancare, abbiamo riletto vecchie interviste e abbiamo potuto raccontare la sua opera attraverso le sue stesse parole. Allo stesso tempo, abbiamo riscoperto che le critiche al suo approccio erano presenti fin dall’inizio.

Q10. Infine, quale messaggio desidera trasmettere, come British Journal of Photography di oggi, a fotografi e creativi di tutto il mondo?

La fotografia e i media basati sull’immagine sono, a mio avviso, i media che più rappresentano la contemporaneità. Lo si vede non solo nelle grandi biennali come quella di Venezia, ma anche nel flusso di immagini nel giornalismo e nei social media.

Personalmente, sono rimasta molto colpita dalla recente sfilata ‘GucciCore 2027’, dove i giganteschi billboard di Times Square erano interamente occupati da GUCCI. Per comprendere come questo medium, ancora oggi in parte misterioso, plasmi la nostra visione del mondo, è fondamentale continuare a confrontarsi con la fotografia.

Inoltre, la presenza di persone dotate di una “alfabetizzazione visiva” in grado di decifrare il funzionamento di questa tecnologia è oggi più importante che mai. Come molte industrie creative, anche la fotografia è un campo in cui è difficile sostenersi economicamente, ma credo che image-maker e artisti siano pensatori fondamentali nella società globale contemporanea.

Questi scenari ci portano a riflettere su come le immagini plasmino i nostri valori e la nostra visione del mondo. Per questo è importante continuare a confrontarsi con la fotografia. Allo stesso tempo, la “alfabetizzazione visiva”, ovvero la capacità di comprendere come le immagini vengono prodotte e diffuse, è sempre più cruciale.

Non è facile vivere di fotografia, ma credo che image-maker e artisti siano figure imprescindibili per pensare la società contemporanea.