Vivere come fotografo e parrucchiere | 10 domande a Hidenobu Suzuki | ISSUE #4

ISSUE approfondisce la sensibilità e il pensiero dei creativi di tutto il mondo, offrendo nuovi spunti di ispirazione.
In 'ISSUE #4', attraverso 10 domande rivolte a Hidenobu Suzuki, artista insignito tra l’altro della Medaglia d’Oro della Société Nationale des Beaux-Arts di Francia, esploriamo la sua visione sulla fotografia e il suo approccio all’arte.

Nato nel 1971. Originario di Hamamatsu, residente a Toyohashi, di professione parrucchiere.

La sua pratica fotografica, nata come passione, ha attirato l’attenzione dei media internazionali dopo essere stata presentata su testate come "National Geographic US" e "LensCulture", venendo poi pubblicata in numerosi paesi.

Nel 2016 è stato invitato a esporre presso una storica istituzione artistica francese, ricevendo la Medaglia d’Oro della Société Nationale des Beaux-Arts. La mostra si è tenuta al Musée du Louvre. In Giappone, le sue opere sono state presentate su 13 pagine della sezione fotografica della rivista mensile Bungei Shunju.

Non ricordo con precisione la prima volta che ho scattato una foto, ma probabilmente è stato da bambino con una fotocamera usa e getta chiamata "Utsurun desu".

La svolta che mi ha portato a dedicarmi seriamente alla fotografia è arrivata nel 2013, quando ho vinto la Medaglia d’Oro in un concorso fotografico organizzato da Olympus.
In quel periodo, era previsto un viaggio aziendale ad Angkor Wat e, volendo immortalare un sito patrimonio mondiale, acquistai una OLYMPUS "PEN". Da lì è iniziato tutto.

Non posso dire di avere una particolare ossessione per fotocamere o obiettivi. Tuttavia, nel mio armadio fotografico a casa conservo circa 35 obiettivi, tra cui i principali che utilizzo: Canon 5D Mark III, 6D, FUJIFILM X-Pro, OLYMPUS OM-D e PEN, LEICA X2, e ottiche ZEISS, ciascuna abbinata ai rispettivi corpi macchina.

Dal 2014 al 2018 ho ricevuto numerosi riconoscimenti fotografici su "National Geographic US"; in quel periodo prediligevo obiettivi, filtri e treppiedi adatti a fotografia naturalistica e a festival giapponesi.

Successivamente, dopo varie esposizioni a Parigi, sia collettive che personali, il mio stile si è evoluto verso una produzione più pittorica e artistica. Ho iniziato a preferire obiettivi vintage, prediligendo una resa meno nitida. A volte, avvolgevo la lente con pellicola trasparente o utilizzavo fogli trasparenti per ottenere effetti volutamente sfocati.

Con l’avvento della fotografia nel XIX secolo, anche la pittura, fino ad allora realista, subì l’influenza dei tempi, dando vita a correnti come l’impressionismo e l’astrattismo. Oggi, con la diffusione degli smartphone, la fotografia si è ulteriormente diversificata, diventando sempre più accessibile e multiforme.

Non esiste una scelta giusta o sbagliata: ognuno dovrebbe utilizzare ciò che meglio si adatta al proprio linguaggio espressivo, sia esso uno strumento di alta gamma o più semplice. Questa è la mia filosofia sull’attrezzatura.

Dalla mattina alla sera, al lavoro ascolto prevalentemente R&B internazionale, quindi seguo spesso le ultime tendenze del genere.

Consiglio le playlist "R&B Hits" e "R&B Now" su Apple Music!

Andreas Gursky.
È uno dei fotografi più rappresentativi della fotografia contemporanea tedesca. La sua prima mostra personale in Giappone si è tenuta nel 2013 al National Art Center di Tokyo.

La mia ispirazione è nata osservando la sua opera "Rhein II", che all’epoca deteneva il record per il prezzo più alto mai raggiunto da una fotografia. Rimasi colpito dalle dimensioni delle sue opere, ma inizialmente non ne compresi il valore, trovandole apparentemente ordinarie.
Solo avvicinandomi all’uscita della mostra, ho iniziato a percepire un senso di straniamento, che mi ha portato a rivedere le opere con uno sguardo più attento, fino a rendermi conto di una cosa:

"Le sue opere raffigurano paesaggi che in realtà non esistono."

Nonostante le stampe di grandi dimensioni, le manipolazioni digitali risultavano incredibilmente naturali e realistiche, tanto da far credere che "fotografia = verità". Ricordo ancora l’emozione di trovarmi in uno spazio in cui tutti, me compreso, osservavano come reali immagini che in realtà non lo erano.

Considerando l’epoca in cui sono state realizzate, quando i computer non erano così potenti, la sua abilità nell’editing è davvero straordinaria. Da allora mi sono appassionato all’editing fotografico, imparando il piacere della post-produzione. Credo che le basi delle mie competenze in questo ambito derivino proprio da quell’esperienza.

Mi piacerebbe provare sia le fotocamere più recenti che quelle vintage.

Alla fine, sono strumenti per creare opere, come penne o pennelli, ciascuno con le proprie caratteristiche e peculiarità. Vorrei sperimentarne diversi.

Ho spesso prediletto la realizzazione di opere sulla pioggia.
È una sensazione personale, ma credo che le immagini di pioggia possano offrire agli spettatori l’opportunità di riflettere su sé stessi.

Quando il tempo è bello, la maggior parte delle persone tende a uscire e a rivolgere le proprie energie verso l’esterno. Al contrario, nei giorni di pioggia, si resta in casa, si guarda la TV o si legge, e l’attenzione si rivolge all’interno, favorendo momenti di introspezione.

Mi auguro che chi osserva le mie opere sulla pioggia possa trovare un’occasione per confrontarsi con il proprio io.

Non mi capita quasi più, ma i cosiddetti "luoghi panoramici" tanto celebrati.
Quando vedo persone che, senza alcun riguardo per gli altri, pensano solo alla propria soddisfazione personale senza condividere lo spazio, mi sento sinceramente a disagio. Lo stesso vale per gli appassionati di treni.

I fotografi di talento e appassionati dovrebbero realizzare opere originali anche in luoghi meno noti, influenzando così un pubblico più ampio. Credo che le fotografie che esprimono chiaramente la personalità e lo stile dell’autore siano più affascinanti di quelle banali e già viste.

Sui social network abbondano immagini tecnicamente valide, ma spesso si tratta di scatti simili per composizione e location, quasi come foto ricordo. Invito tutti a rispettare gli altri e a puntare a fotografie originali.

Inoltre, consiglio di non limitarsi alla visualizzazione su monitor, ma di curare anche la stampa delle proprie opere. Dopo aver esposto stampe di grande formato a Parigi e New York, ho imparato che la qualità dell’editing emerge chiaramente nelle grandi dimensioni. Non accontentatevi di piccoli schermi: lavorate su file che possano reggere almeno una stampa in formato B0, così da migliorare la qualità delle vostre fotografie. È un ottimo esercizio di crescita.

Sono sempre molto impegnato, quindi mi affido spesso a ZOZOTOWN. Grazie di cuore!

Non ho impostazioni fisse. Variano in base alle condizioni e alla situazione di scatto. Piuttosto, prima di fotografare, cerco sempre di avere chiara l’immagine che voglio ottenere.

È come cucinare, no?
Se non si decide cosa preparare e che sapore dare, non si otterrà un buon risultato.

Lo stesso vale per il mio lavoro. Anche come parrucchiere, prima di tagliare, immagino il risultato finale: solo così si ottiene una bella acconciatura. Se si improvvisa durante il taglio, si rischia di sbagliare o di ottenere un risultato disordinato.

Con la fotocamera, basta premere il pulsante di scatto per ottenere un’immagine, ma credo sia importante imparare a visualizzare il risultato in anticipo per migliorare davvero.