La photographie ne se limite pas à préserver la beauté : elle possède un pouvoir bien plus vaste.

Le temps partagé avec autrui. Les émotions indicibles. La présence de ceux que l’on ne reverra plus. Et ces liens précieux qui ne se résument pas au mot « famille ». Contempler l’œuvre de Nan Goldin nous invite à réfléchir à la manière dont l’empathie et la solidarité, nées de l’intimité, peuvent parfois transformer la société.

En 2023, Nan Goldin a été élue première du « ArtReview Power 100 » parmi les artistes les plus influents. Ce rayonnement s’explique notamment par son engagement social à travers le collectif P.A.I.N (Prescription Addiction Intervention Now), qui interroge les liens entre Purdue Pharma, la famille Sackler, et les institutions artistiques ou culturelles bénéficiaires de leurs dons.

Mais si Goldin a su mobiliser la société, ce n’est pas uniquement par la force de sa voix. Elle a toujours photographié celles et ceux que la société tend à invisibiliser. Ce que ses images révèlent, ce ne sont pas des êtres d’exception, mais des personnes qui cherchent simplement à vivre ensemble.

Les relations photographiées : une autre forme de famille élargie

Les photographies de Goldin dégagent une atmosphère d’intimité. La lumière d’une chambre, des corps sur un lit, un regard devant le miroir, des mains qui étreignent, un visage après les larmes. Ce n’est pas un monde idéalisé qui s’offre à nous, mais un temps authentique, traversé par la douleur, l’angoisse et la vulnérabilité.

Nan Goldin, Mark Morrisroe, Philip-Lorca diCorcia et David Armstrong sont réunis sous l’appellation « Boston School ».

Le « Boston School » désigne un groupe de photographes issus des écoles d’art de Boston qui, du milieu des années 1970 au début des années 1980, ont commencé à s’imposer sur la scène artistique.

Leur photographie ne se caractérise pas par une distance d’observation extérieure, mais par une proximité que seuls partagent ceux qui ont vécu les mêmes instants. Les sujets photographiés étaient avant tout des amis, des compagnons, des êtres avec qui ils partageaient leur quotidien.
Ce n’est pas tout à fait la famille au sens du sang ou du mariage, mais cela y ressemble. Il existe là une relation qui autorise à photographier et à être photographié.

Quand l’intimité photographique rejoint la sphère sociale

À première vue, les images de Goldin semblent profondément personnelles. Pourtant, l’intime n’est jamais dissocié du social.

Avec qui avons-nous le droit d’être ? Qui avons-nous le droit d’aimer ? Qui pouvons-nous appeler famille ? Quelle souffrance reste ignorée ? Toutes ces questions sont intrinsèquement liées à la société.

Beaucoup de celles et ceux que Goldin a photographiés vivaient en marge du centre social. Elle ne les a pas capturés comme des « autres » lointains, mais comme des êtres chers partageant le même temps de vie.
C’est pourquoi cette intimité ne constitue pas un monde clos, mais révèle silencieusement des existences que la société a longtemps refusé de voir.

L’engagement de P.A.I.N : une intimité née de la photographie de rue

Ce que ses photographies montrent, ce n’est pas seulement la figure d’un individu, mais la relation même qui consiste à regarder et à se souvenir de l’autre. L’action de P.A.I.N semble s’inscrire dans cette continuité.

La crise des opioïdes, lorsqu’elle est réduite à des chiffres ou à des faits divers, paraît lointaine. Pourtant, derrière chaque cas, il y a une vie, des amis, une famille, des moments partagés.

Si la photographie de rue permet de représenter la personne devant soi non comme un « cas » social, mais comme un individu singulier, alors l’action de P.A.I.N consiste aussi à rendre visible une douleur longtemps occultée, à la restituer à des visages concrets.

Le musée est un lieu de préservation du beau et du précieux. Mais si l’argent qui le soutient est entaché de dépendance, de perte, de nombreuses morts, peut-on vraiment l’ignorer ? La question que pose Goldin prolonge celle qui traverse toute son œuvre.

La photographie intime enregistre la présence de l’autre, transforme le regard social, et parfois, bouleverse les institutions. La reconnaissance de Nan Goldin témoigne de cette puissance.

photo poster project

Le « photo poster project » est une exposition de photo posters à laquelle vous pouvez participer simplement en choisissant la ville et la date.

Ce projet, que nous appelons ppp, n’est pas une simple exposition photographique. C’est une communauté où chacun peut partager son histoire en toute confiance, et une opportunité de rencontrer des créateurs du monde entier dans la vie réelle.

Le ppp arrive à Busan : rendez-vous le samedi 1er août à 마르갤러리 Mar Gallery, Suyoung !

Participer au « photo poster project » organisé par cizucu est très simple.


(1) Choisissez le lieu et la date de l’exposition

(2) Réglez facilement par carte bancaire, Apple Pay ou Google Pay

(3) Soumettez votre œuvre sur cizucu pour finaliser votre participation


Il ne vous reste plus qu’à vous rendre sur place. De nombreux photographes locaux participent également, vous offrant l’occasion de rencontrer de futurs partenaires photographiques.

Informations pratiques

【Date et horaires de l’exposition】
Samedi 1er août, 12h00 ~ 16h00
※ Les exposant·e·s doivent impérativement être présents sur place entre 13h30 et 15h30.
※ L’entrée est libre pour les visiteurs non-exposants.

【Programme de la journée pour les exposant·e·s】
12h00 ~ 13h30 : temps libre
13h30 ~ 14h00 : présentation des œuvres exposées
14h00 ~ 15h30 : échanges et rencontres
15h30 ~ 16h00 : clôture et récupération des posters

【Lieu d’exposition】
마르갤러리 Mar Gallery
48314 Busan, Suyoung-gu, Suyeong-ro 488beon-gil 26, Jaean Building 2F, Mar Gallery
(À 2 minutes à pied de la station Geumnyeonsan, ligne 2 du métro de Busan)
https://www.mar-gallery.com/About/index.html

【Frais de participation】
65 000 wons (comprend l’impression A2, l’installation et la location de l’espace)
※ L’accès à l’exposition est gratuit pour les visiteurs.

【Thème】
« Sans thème / Libre »
Aucun thème imposé : portraits, snapshots, paysages ou toute autre photographie sont les bienvenus. Que ce soit une image porteuse d’une histoire à raconter ou une photo qui vous attire sans raison particulière, nous attendons vos œuvres personnelles avec impatience.

Informations importantes

Merci de lire attentivement les points suivants avant de vous inscrire.

• Les frais de participation incluent l’impression, l’installation et la location de l’espace. Veuillez noter qu’aucun remboursement ne sera effectué en cas de non-soumission de l’œuvre ou d’absence le jour de l’événement.
• Veuillez soumettre une œuvre répondant aux critères suivants :
  • Spécifications du fichier
    • (Recommandé) côté court d’au moins 4000 pixels
    • (Obligatoire) côté court d’au moins 2000 pixels
  • Format vertical uniquement
  • Une seule photographie (pas de collage, pas de texte ajouté, pas de cadre)
• Pour garantir une expérience positive à tous, merci de consulter les règles de la communauté lors de la soumission.
• Des photos de l’événement seront prises sur place. Les images pourront être publiées sur notre site, les réseaux sociaux ou à des fins promotionnelles.
• Les participant·e·s présent·e·s à la fin de l’événement pourront repartir avec leur photo poster. Aucun envoi postal ne sera effectué ultérieurement.

Nous attendons vos candidatures avec impatience !

FAQ

Q : Comment régler les frais de participation ?
R : Après avoir choisi le lieu et la date, vous pouvez payer par carte bancaire ou, selon votre appareil, via Apple Pay ou Google Pay. Aucun remboursement ne sera possible après paiement, même en cas d’absence le jour de l’événement.

Q : Où puis-je soumettre mon œuvre ?
R : Après paiement, un lien pour la soumission vous sera communiqué automatiquement à l’écran ou par e-mail.

Q : Puis-je repartir avec mon poster ?
R : Oui, en restant jusqu’à la fin de l’événement (16h), vous pourrez emporter votre poster. Aucun envoi postal ne sera effectué. Merci de prévoir un sac pour le transport.

Q : Puis-je inviter des proches à venir voir l’exposition ?
R : Bien sûr ! Après confirmation de votre participation, n’hésitez pas à partager l’information sur les réseaux sociaux.

Q : J’ai entendu dire qu’il était possible de créer des cartes de visite. Comment faire ?
R : Après confirmation de votre participation, vous recevrez les détails par e-mail.

Q : Puis-je m’inscrire même si je n’ai pas encore choisi ma photo ?
R : Oui, c’est possible. Certaines sessions affichent complet avant la date limite, nous vous recommandons donc de vous inscrire d’abord et de soumettre votre œuvre avant la clôture.

Q : Puis-je voir des éditions précédentes ?
R : Consultez les articles ci-dessous ⭐️

Les expositions de photo posters « photo poster project (ppp) » organisées par cizucu à travers le monde. Ce sont les galeries partenaires, qui ont contribué à façonner ces espaces dans chaque région, qui soutiennent l’expansion de cette initiative.

Dans ce projet éditorial, nous mettons en lumière ces galeries partenaires et allons à la rencontre des personnes qui font vivre ces lieux, en recueillant leurs témoignages et leurs visions.

Cette fois-ci, nous vous présentons le flagship store de la marque , « Olympus Plaza Taipei 大稻埕旗艦店 », situé à Dadaocheng, Taipei. Dans ce lieu où la galerie côtoie de multiples expériences, quelles rencontres et quelles formes d’expression naissent au quotidien ? Nous avons interrogé Sabrina, la responsable du store, qui nous accompagne depuis longtemps, sur sa vision de l’espace et son regard sur le ppp.

Olympus Plaza Taipei 大稻埕旗艦店

Un complexe unique en son genre, pensé pour une immersion profonde dans la photographie. Le premier bâtiment accueille au rez-de-chaussée un centre de vente et d’exposition de produits, un atelier photo au deuxième étage, et un studio photo au troisième. Le second bâtiment comprend une galerie au rez-de-chaussée et un espace d’exposition polyvalent à l’étage. C’est un espace rare où l’on peut expérimenter, en un seul lieu, l’ensemble du processus photographique : « découvrir la photographie », « apprendre la photographie », « créer des images » et « présenter ses œuvres ».

Instagram : ＠olympus.plaza.tpe

Pouvez-vous nous présenter cette galerie ?

L’expression « flagship centenaire » résume parfaitement l’esprit de ce lieu.
De Tokyo à Taipei, de 1919 à 2019. OLYMPUS a traversé un siècle pour arriver à Dadaocheng.
Nous avons découvert ici un bâtiment construit en 1919, porteur d’un siècle d’histoire. À l’origine propriété de la famille Li, il fut racheté en 1941 par le Dr Zhang Wenzhen, qui y ouvrit une clinique pédiatrique. En 1953, M. Guo Guoliang en devint propriétaire et y exploita un commerce de produits secs et d’épicerie.

En 2019, OLYMPUS a entrepris un nouveau voyage avec cette maison centenaire, sans jamais perdre de vue sa philosophie originelle : « intégrer la photographie au quotidien ».
En explorant diverses possibilités, la marque a développé de nouvelles expériences autour de son univers. Grâce à des services, des ateliers, des espaces et des équipements complets, les visiteurs peuvent ici tout accomplir, de l’achat à l’apprentissage, de la contemplation à la participation à des expositions, enrichissant ainsi leur vie à travers la photographie.

Quelles sont les valeurs fondamentales dans la gestion de cette galerie ?

Ce que nous valorisons avant tout, c’est la « diversité » et la « fusion entre l’ancien et le nouveau ». Nous souhaitons que chaque œuvre puisse coexister naturellement, sans contrainte de genre, de génération ou de mode d’expression, et que les différences s’enrichissent mutuellement.

C’est pourquoi nous veillons à ne pas imposer une identité ou une couleur trop marquée à l’espace lui-même, afin qu’il puisse se transformer au gré des œuvres et des expositions. Même l’éclairage et l’acoustique sont pensés pour laisser une marge de liberté, permettant aux créateurs d’expérimenter et d’explorer librement.

Quels sont les attraits du quartier et de la région où se trouve la galerie ?

Dadaocheng, où se situe Olympus Plaza Taipei, est l’un des rares endroits à Taipei où l’on ressent à la fois la « profondeur historique » et la « créativité contemporaine ».

Ce quartier fut autrefois un centre commercial et culturel majeur de Taïwan, et l’on y trouve encore de nombreuses maisons centenaires, des industries traditionnelles et des récits humains. Parallèlement, de jeunes créateurs, des marques de design et des collectifs artistiques et culturels s’y installent de plus en plus.

Dadaocheng est aussi un lieu fascinant pour la photographie. Les bâtiments anciens de Dihua Street, la vie quotidienne du quartier, les visages des habitants, les couchers de soleil sur le quai, la texture urbaine : il suffit de quelques pas pour rencontrer une œuvre qui « naît ici et maintenant ». Ici, la photographie ne se limite pas à la prise de vue ; à travers l’objectif, on perçoit la mémoire et les mutations de la ville.

Nous nous sentons très chanceux de pouvoir gérer cet espace dans une maison centenaire. L’histoire centenaire de la marque se superpose à la culture enracinée de Dadaocheng, et nous espérons que ce lieu devienne une source d’inspiration nouvelle pour les visiteurs, à la croisée de l’image, de l’architecture et de l’humain.

Quel rôle la galerie est-elle amenée à jouer à l’avenir ?

À l’avenir, la galerie ne sera pas seulement un lieu d’exposition d’œuvres, mais deviendra une plateforme reliant créateurs, publics et communautés.

À l’ère du numérique, les images sont produites et consommées en masse chaque jour. Pourtant, les espaces où l’on peut s’arrêter, échanger et réfléchir deviennent d’autant plus précieux.
La valeur d’une galerie ne réside pas uniquement dans la contemplation des expositions, mais aussi dans la rencontre en personne, le partage des processus créatifs et la création d’opportunités de collaborations interdisciplinaires.

Pour Olympus Plaza Taipei également, ce lieu n’est pas qu’un espace de marque, mais se veut un pôle culturel reliant expositions, talks, ateliers et échanges photographiques.
La galerie de demain sera peut-être un village créatif ouvert, où des personnes de tous horizons et de toutes générations se rencontrent autour de l’image.

Comment percevez-vous le ppp en tant qu’initiative et communauté ?

Ce que je trouve le plus précieux dans le « photo poster project (ppp) », c’est la communauté photographique qui se forme en coulisses, au-delà de l’exposition elle-même.

ppp ne se limite pas à un acte créatif individuel, mais s’inscrit dans un processus d’échange et de croissance collective. Les participants partagent leurs observations, expériences et histoires de vie à travers les expositions, découvrant dans les œuvres des visions du monde différentes. À chaque exposition, c’est comme un « dialogue autour de l’image ».

ppp est une plateforme qui encourage les créateurs à s’exprimer avec audace. Photographes professionnels ou débutants sont les bienvenus ; l’essentiel n’est pas la technique, mais la manière dont chacun exprime sa compréhension de la vie, de la ville et de l’époque à travers l’image. 

C’est pourquoi ppp n’est pas seulement une exposition photographique, mais une véritable communauté créée par des passionnés de photographie. À travers la participation croissante, l’énergie créative s’accumule, reliant des personnes d’horizons divers, et nous constatons que la photographie est aussi « une manière de comprendre le monde et de partager l’émotion ».

Pourquoi soutenez-vous le ppp ?

Pour nous, ppp n’est pas simplement une exposition photographique, mais une plateforme où les créateurs peuvent échanger, partager et grandir ensemble de façon continue. Cette philosophie est très proche de la direction que nous défendons depuis longtemps pour la culture photographique. C’est pourquoi nous avons souhaité soutenir ppp : pour offrir à davantage de créateurs l’opportunité d’être vus, et à plus de spectateurs de ressentir la puissance de la photographie à travers les œuvres. 

Soutenir ppp, ce n’est pas seulement accompagner une exposition, c’est aussi soutenir celles et ceux qui cherchent à documenter leur époque et à partager leurs récits par l’image.

Quelles rencontres et valeurs souhaitez-vous favoriser à travers Olympus Plaza Taipei ?

À Olympus Plaza Taipei, nous souhaitons rencontrer non seulement des photographes, mais toutes les personnes curieuses du monde et qui aiment observer leur quotidien.

Que vous débutiez la photographie, que vous soyez un créateur confirmé ou simplement amateur d’expositions, nous espérons que vous trouverez ici l’occasion de tisser des liens. Les photographies et les œuvres sont, selon nous, un langage qui relie les gens au-delà de l’âge, de la profession ou du parcours. 

Les valeurs qui nous tiennent particulièrement à cœur sont la « sincérité », le « partage » et la « curiosité ». Être fidèle à sa propre création et à son regard. Partager ses expériences et ses récits avec autrui. Garder un esprit d’exploration envers le monde. Ces valeurs sont plus importantes que la technique photographique, et constituent l’esprit communautaire qu’Olympus Plaza souhaite cultiver. 

Nous espérons que cet espace devienne une plateforme ouverte, où des perspectives différentes se rencontrent, dialoguent et où de nouvelles idées et possibilités émergent de ces échanges.

Quels sont vos projets ou envies pour l’avenir ?

Depuis toujours, je souhaite qu’Olympus Plaza Taipei soit plus qu’un simple espace d’exposition : un lieu qui cultive durablement la création et les échanges culturels. À l’avenir, j’aimerais inviter des créateurs de disciplines encore plus variées, afin que la photographie et les œuvres ne soient pas seulement « regardées », mais deviennent le point de départ de dialogues et d’expressions multiples.

En parallèle, je souhaite renforcer nos liens avec le quartier. Dadaocheng est un quartier riche en histoires, et je crois que si les créateurs peuvent tisser un lien plus profond avec ce territoire à travers la documentation locale, de nombreuses œuvres et échanges passionnants verront le jour. 

J’aimerais qu’Olympus Plaza Taipei devienne une étape clé dans le parcours photographique de nombreuses personnes. Par exemple, que ce soit « le premier lieu où l’on a vu une exposition », « le premier endroit où l’on a présenté une œuvre en public », ou « l’endroit où l’on a rencontré des compagnons partageant la même passion ». Être témoin de ces débuts de parcours créatifs serait la plus belle réussite pour cet espace.

Ce qui compte vraiment pour nous, ce n’est pas le nombre d’œuvres exposées, mais que cet espace continue de provoquer des rencontres et de nouvelles possibilités à travers la photographie et les œuvres.

Un message pour celles et ceux qui souhaitent visiter la galerie ou exposer à l’avenir ?

Si vous venez pour la première fois à Olympus Plaza Taipei, nous serions ravis que vous considériez ce lieu comme « un espace où prendre le temps de regarder des photographies, rencontrer des créateurs et redécouvrir la force de l’image ».

Cette maison centenaire de Dadaocheng recèle de nombreuses histoires liées à la ville, à la culture et à la photographie. Que vous soyez connaisseur ou non, nous vous invitons à franchir la porte avec curiosité. Vous y trouverez à coup sûr votre propre émotion.

Et pour les créateurs qui envisagent d’exposer : il n’est pas nécessaire d’attendre d’être un « grand photographe » pour partager vos œuvres. Beaucoup de photographies touchantes naissent d’une observation sincère et d’un regard singulier.
Moi-même, j’aimerais découvrir davantage de voix de créateurs d’horizons et de générations diverses. Je souhaite de tout cœur que cet espace reste un lieu d’échanges et de rencontres créatives autour de la photographie.

À travers des entretiens avec des personnalités qui poursuivent une recherche photographique singulière, nous approfondissons les origines, la pensée et le processus créatif, apportant une nouvelle inspiration aux photographes et médias photographiques du monde entier.

Les racines de la création de Julien Magre, photographe basé en France, ainsi que les idées et perspectives qui lui sont chères. Archiver et transmettre ces paroles dans notre époque contribuera sans doute à soutenir la culture photographique de demain.

À travers ces « 10 questions », nous plongeons dans le processus qui donne forme à son expression artistique.

Julien Magre

Diplômé en 2000 de l’École nationale supérieure des arts décoratifs (ENSAD) de Paris, major de promotion. De 2017 à 2025, il est représenté par la galerie Le Réverbère. En 2022, il reçoit le prestigieux Prix Niépce, l’une des distinctions photographiques les plus reconnues en France. Ses œuvres sont visibles sur julienmagre.fr.

Instagram : @julien__magre

Q1. Quelles sont les origines de votre pratique photographique et pouvez-vous nous parler de votre activité actuelle ?

J’ai commencé la photographie vers 1995. À l’origine, j’étudiais le design graphique, puis j’ai étudié la photographie à l’École des Arts Décoratifs de Paris.
Actuellement, j’exerce en tant qu’artiste-photographe. J’expose régulièrement et ai publié plus de dix livres de photographie. En 2022, j’ai reçu le Prix Niépce.

Q2. Quels sont les éléments ou thèmes les plus essentiels dans votre œuvre ?

Le thème central de mon travail est la « famille ». Depuis plus de 25 ans, je photographie mes enfants (Louise, Suzanne, Paul) ainsi que Caroline, leur mère.

Tout en poursuivant l’exploration de ce territoire intime et personnel qu’est la famille, je m’intéresse aussi, ces dernières années, à la notion de « territoire », quelle que soit son échelle. Par exemple, dans le désert d’Atacama au Chili, j’ai collaboré avec le chercheur Mathieu Gounelle et la peintre Alexandra Roussopoulos pour créer des œuvres ensemble.

Q3. Comment naissent vos œuvres ? Intuition, hasard, décisions sur le terrain… pouvez-vous nous dévoiler l’envers de votre création ?

La plupart du temps, je photographie uniquement les personnes qui me sont proches ou des lieux familiers. Depuis 25 ans, j’utilise le même appareil et le même objectif, toujours en argentique. C’est un choix assez radical, mais c’est aussi une manière de regarder le monde avec la même précision et le même regard. Je ne prémédite pas mes prises de vue, je me fie à l’intuition, et avant tout, je privilégie le plaisir de photographier.

Q4. Quelle est la force motrice qui vous pousse à continuer d’exprimer votre vision ?

Mon travail est toujours ancré dans le réel, sans aucune mise en scène. Cette « réalité » que j’aime passionnément est inépuisable, elle ne cesse de me surprendre et m’apporte une inspiration sans fin.
Pour moi, la photographie est une alliée, une amie fidèle. Je n’ai aucune raison d’arrêter de créer.

Q5. Montrez-nous une image qui vous est chère. Pouvez-vous partager l’histoire ou la raison de ce choix ?

Voici une photographie de ma fille Louise, endormie chez mes parents. Je ne me souviens plus de la date exacte, mais c’était vers 2010.
C’est une image douce, baignée d’une lumière magnifique, paisible et en même temps empreinte d’une certaine mystique.

Pour moi, cette image incarne la plénitude et la tendresse, mais la présence du noir en arrière-plan, cette sorte d’abîme ou d’espace sans fond qui s’ouvre derrière, lui confère aussi une part de mystère et une légère inquiétude. C’est cette coexistence de sensations opposées qui m’attire et qui fait de cette photographie l’une de mes préférées.

Q6. Selon vous, quelle est la signification de la photographie à l’ère de l’IA ?

À première vue, l’IA représente une menace pour moi, et non une alliée. Je crois profondément en la photographie, en son humanité et en sa fragilité.

La photographie possède une grande force pour raconter le monde à travers la véracité, la corporéité, la sensibilité et la poésie. C’est pourquoi je veux continuer à lutter de toutes mes forces et à croire en la photographie et en ce qui est « vivant ».

Q7. Quels sont, selon vous, les mouvements ou communautés majeurs de la scène photographique française ?

Par exemple, j’apprécie beaucoup les photographes Dolores Marat et Antoine d’Agata. Leurs styles et leurs démarches sont très différents, mais je suis attiré par la force de leur singularité. Les œuvres de d’Agata, en particulier, dégagent une violence et une urgence qui me bouleversent parfois profondément.

Q8. Y a-t-il des scènes photographiques ou des créateurs d’autres pays qui vous inspirent ou vous stimulent ?

Je suis très attiré par les photographes qui ont travaillé sur le quotidien, la famille, et une vision intime. Par exemple : Nan Goldin, William Eggleston, Jim Goldberg, Emmet Gowin, Robert Frank.

Q9. Qu’est-ce que vous souhaitez poursuivre tout au long de votre vie ?

La vie elle-même. Et l’amour.

Q10. Quel message souhaitez-vous transmettre aujourd’hui aux créateurs du monde entier ?

Continuons à créer. Continuons à documenter le monde. Persistons avec notre volonté, même modeste. Et je souhaite exprimer ma gratitude envers les grands artistes qui rendent ce monde plus beau et plus intense.

Je crois en la force de l’art. C’est un combat silencieux, mais essentiel. L’art permet de croire, d’imaginer, de rêver un monde meilleur.

photo poster project

« photo poster project » est une exposition de photo posters à laquelle il suffit de choisir une ville et une date pour participer.

Ce projet, que nous appelons ppp, n’est pas une simple exposition photographique. Il s’agit d’une communauté où chacun peut partager son histoire en toute confiance, et d’une opportunité de rencontrer des créateurs du monde entier dans la vie réelle.

Dans cet article, nous vous présentons le déroulement du « photo poster project » qui s’est tenu le 20 juin à la Prinsep Gallery de Singapour. Si vous souhaitez participer à une prochaine édition du « photo poster project » dans votre région, ne manquez pas ce compte-rendu !

Qu’est-ce que le photo poster project ?

Il n’est pas toujours facile d’exposer ses propres photographies ou de se faire des amis parmi d’autres photographes. Organiser une exposition individuelle demande aussi beaucoup d’efforts et de moyens.

Le « photo poster project » organisé par cizucu répond à ces problématiques.
Il suffit de choisir un lieu et une date, puis de soumettre vos photos à cizucu pour exposer vos œuvres en grand format A2. De nombreux photographes de la même région participent également, ce qui offre l’opportunité de rencontrer de futurs amis photographes.

Fini les préparatifs fastidieux comme « réserver un espace, chercher un imprimeur, installer l’exposition ». Il vous suffit de remplir le formulaire et de venir sur place le jour de l’événement !

Le jour de l’événement

Des créateurs passionnés de photographie partagent leur histoire avec leur appareil et ce qu’il représente. L’« appareil favori » reflète souvent une vision ou des valeurs personnelles. Dans ce nouvel épisode, nous retrouvons sy, adepte du Canon EOS 7.

Ces dernières années, le design classique, l’ergonomie analogique et ce rendu vaporeux propre à l’argentique séduisent de plus en plus de nouveaux photographes. Mais chacun rencontre la photographie argentique à sa manière.

sy nous livre ici non pas le récit d’un « appareil rêvé », mais celui d’un boîtier transmis par son grand-père, qui lui a donné envie de continuer à photographier.

Canon EOS 7 | Informations principales

Le Canon EOS 7 est un reflex argentique 35 mm lancé par Canon en 2000. Doté d’une mise au point automatique à détection du regard et d’un large écran LCD, il offre une ergonomie résolument moderne pour un appareil argentique, proche du confort d’un boîtier numérique. Il est également compatible avec la gamme d’objectifs EF, ce qui le rend accessible aux utilisateurs actuels de Canon.

À la recherche d’un argentique « émouvant »

Il y a cinq ans, alors que j’étais étudiant, j’ai commencé la photographie, porté par la tendance de l’argentique.
À l’époque, ce que je recherchais dans un appareil argentique, c’était un look rétro, la sensation manuelle de l’avancement du film, et cette « émotion » qui naît parfois d’une légère mise au point floue.

Mon grand-père ayant été marchand d’appareils photo, la maison regorgeait de boîtiers. Je pense qu’il en possédait environ 300.
Je lui ai demandé s’il pouvait m’en transmettre un, en m’imaginant qu’il s’agirait d’un modèle classique.

Mais en réalité, c’est le Canon EOS 7 que mon grand-père m’a remis.

Un appareil différent de ce que j’imaginais

Lancé en 2000, son apparence évoque presque un appareil numérique. L’avancement du film est automatique, il dispose de l’AF et du mode rafale. L’ergonomie est très contemporaine.

Mon grand-père a sûrement choisi ce modèle pour me faire plaisir, mais honnêtement, au début, j’ai pensé : « Ce n’est pas ce à quoi je m’attendais. »

Moi qui rêvais d’un appareil argentique, j’imaginais quelque chose de plus contraignant, de plus classique.
Mais refuser aurait été malvenu, alors j’ai décidé de l’essayer — et il s’est avéré extrêmement agréable à utiliser.

L’écran LCD permettait de vérifier l’exposition, et l’AF était très pratique pour la photographie de rue. Certes, on perd un peu la sensation « authentique » de l’argentique, mais cela m’a permis de me concentrer sur le plaisir de photographier plutôt que sur l’objet lui-même.

Un boîtier qui m’a permis de poursuivre la photographie

Si j’avais reçu un appareil plus capricieux au départ, je n’aurais peut-être pas poursuivi la photographie aussi longtemps. Cette « praticité inattendue » m’a emmené dans de nombreux endroits et m’a permis de réaliser beaucoup d’images.

En voyage, lors de balades nocturnes ou de moments partagés avec des amis, j’ai accumulé de nombreux souvenirs avec cet appareil.

Au début, ce qui m’attirait dans la photographie argentique, c’était le choix du boîtier. Mais avec le recul, ce qui comptait vraiment, c’était la facilité avec laquelle je pouvais l’emporter partout.

Mon grand-père ne m’a pas offert un appareil argentique à la mode. Mais avec le recul, je pense qu’il m’a transmis un boîtier qui m’a permis de continuer à photographier.

sy

J’aime la photographie de rue, les voyages et l’architecture. Je travaille principalement en argentique.

cizucu : sy
Instagram : @sy_1925

Le photo poster project, organisé par cizucu à travers le monde, est une exposition de photo posters à laquelle il suffit de choisir une ville et une date pour participer.

Ce projet, que nous appelons ppp, n’est pas une simple exposition photographique. Il s’agit d’une communauté où chacun peut partager son histoire en toute confiance, et d’une opportunité de se connecter dans le monde réel avec des créateurs du monde entier.

Pour cette édition, nous avons rencontré le créateur まつざか, qui a pris part au photo poster project.

Pouvez-vous vous présenter ?

Enchanté, je m’appelle まつざか. J’étudie habituellement dans une école à Tokyo, et je prends souvent des photos de rue lors de mes sorties ou de mes voyages pendant le week-end.

Au départ, j’ai acheté un appareil photo pour des raisons assez simples, comme l’aspect mécanique du boîtier ou le romantisme qui se dégage de l’objectif. Mais grâce à la photographie, j’ai pu découvrir de magnifiques paysages inconnus et créer des liens avec d’autres personnes. Aujourd’hui, je suis très fier d’avoir cette passion.

Qu’est-ce qui vous a motivé à participer ?

En visitant les expositions de photographie de mes connaissances, j’ai ressenti le plaisir de « se tenir au même endroit, partager les mêmes œuvres et voir naître différentes interprétations ». Peu à peu, j’ai commencé à rêver de participer moi-même à ce type d’événement.

À l’heure où il est courant de partager et d’échanger des photos sur les réseaux sociaux, le fait de pouvoir se rendre sur place et admirer des œuvres imprimées sur papier est devenu très précieux à mes yeux. Les échanges en face à face permettent aussi de mieux comprendre la personnalité de chacun, au-delà des œuvres exposées, ce qui m’a beaucoup séduit.

De plus, l’excitation de voir ses propres photographies imprimées en grand format, ainsi que la simplicité de la gestion de l’espace d’exposition et des œuvres, m’ont convaincu que je pouvais moi aussi relever ce défi.

Qu’avez-vous ressenti en participant ?

Ce qui m’a le plus marqué lors de l’installation et des échanges avec les autres participants, c’est la chaleur humaine et la bienveillance de tous.
Il régnait une atmosphère conviviale, propice aux discussions spontanées et aux retours sur les œuvres, ce qui m’a permis de m’intégrer bien plus facilement que je ne l’imaginais. J’ai aussi apprécié les conseils reçus et la découverte de nouvelles approches photographiques, au-delà des genres.

Je suis de nature réservée et j’ai du mal à engager la conversation. Pourtant, les membres de l’équipe ont su créer des occasions d’échanger, ce qui m’a permis de profiter pleinement de l’événement, même en étant seul et pour une première participation. J’en suis très reconnaissant.

Pourquoi avoir choisi cette photographie ?

Il s’agit d’une photo prise lors d’un photowalk à l’automne dernier. Au-delà de la beauté visuelle — les couleurs vives, la forme élégante des érables —, ce souvenir fait ressurgir l’ambiance détendue du groupe, où chacun évoluait librement, ainsi que l’admiration que j’ai ressentie pour les autres participants à la sensibilité remarquable. Cette image est donc restée gravée en moi.

Ce photowalk a été l’occasion de m’intéresser aux objectifs anciens et d’expérimenter de nouveaux procédés de développement, ce qui a considérablement élargi mes possibilités d’expression photographique. J’ai choisi cette image pour exprimer, à travers cette exposition, le plaisir d’apprendre au contact des autres.

À ceux qui hésitent à participer au photo poster project

À l’ère où tout le monde capture des images avec son smartphone, il arrive d’entendre que « la photographie, c’est juste appuyer sur un bouton ». Pourtant, ppp transforme ce simple « acte de photographier » en un nouveau départ.
Pour moi, partager l’histoire de mes photos et les revisiter intérieurement permet de sublimer la simple trace en un véritable souvenir. ppp offre un espace d’expression accessible à tous, et c’était l’événement idéal pour une première exposition.

Chacun a ses propres attentes vis-à-vis des échanges autour de la photographie. Mais je pense que participer à ppp, ne serait-ce qu’une fois, est une excellente opportunité pour se lancer.

photo poster project

Le « photo poster project » est une exposition de photo posters à laquelle vous pouvez participer simplement en choisissant une ville et une date.

Ce projet, que nous appelons ppp, n’est pas une simple exposition photographique. Il s’agit d’une communauté où chacun peut partager son histoire en toute confiance, et d’une opportunité de rencontrer des créateurs du monde entier dans un espace réel.

Le ppp arrive à Sapporo, à la &vogue gallery, le samedi 29 août !

Participer au « photo poster project » organisé par cizucu est très simple.


(1) Choisissez le lieu d’exposition et la date

(2) Réglez facilement par carte bancaire, Apple Pay ou Google Pay

(3) Soumettez votre œuvre à cizucu pour participer


Il ne vous reste plus qu’à vous rendre sur place. De nombreux photographes de la région participent également, vous permettant de rencontrer de futurs partenaires photographiques.

Informations pratiques

【Date et horaires de l’exposition】
Samedi 29 août, 12h00 ~ 16h00
※ Les exposant·e·s doivent obligatoirement être présents de 13h30 à 15h30.
※ L’entrée est gratuite pour les visiteurs non exposants.

【Programme de la journée pour les exposant·e·s】
12h00 ~ 13h30 : temps libre
13h30 ~ 14h00 : présentation des œuvres exposées
14h00 ~ 15h30 : échanges et rencontres
15h30 ~ 16h00 : clôture & récupération des posters

【Lieu d’exposition】
&vogue gallery
2-6-2 Minami 3-jō Higashi, Chūō-ku, Sapporo, Hokkaidō
(À 5 minutes à pied de la station « Bus Center-mae » sur la ligne Tōzai du métro)
🔗 https://www.and-v.co.jp/gallery/

【Frais de participation】
6 000 yens (incluant impression A2, installation et location de l’espace)
※ L’accès à l’exposition est gratuit pour les visiteurs.

【Thème】
« Sans thème / Libre »
Aucun thème imposé : portraits, instantanés, paysages ou tout autre type de photographie sont acceptés. Que ce soit une image porteuse d’une histoire à partager ou une photo qui vous attire sans raison particulière, nous attendons vos œuvres uniques.

Informations importantes

Merci de lire attentivement les informations suivantes avant de soumettre votre candidature.

• Les frais de participation incluent l’impression, l’installation et la location de la galerie. Veuillez noter qu’aucun remboursement ne sera effectué, même en cas de non-soumission de l’œuvre ou d’absence le jour J.
• Veuillez soumettre une œuvre répondant aux critères suivants :
  • Spécifications du fichier
    • (Recommandé) côté court de 4000 pixels ou plus
    • (Obligatoire) côté court de 2000 pixels ou plus
  • Format vertical uniquement
  • Une seule photographie (pas de collage, pas de texte ajouté, pas de cadre)
• Pour garantir une expérience positive à tous, merci de lire les règles de la communauté lors de la soumission.
• Des photos de l’événement seront prises le jour J et pourront être publiées sur le site, les réseaux sociaux ou à des fins promotionnelles.
• Les participant·e·s présent·e·s à la fin de l’événement pourront repartir avec leur photo poster. Aucun envoi postal ne sera effectué.

Nous attendons vos nombreuses candidatures !

FAQ

Q : Comment régler les frais de participation ?
R : Après avoir choisi le lieu et la date, vous pouvez payer par carte bancaire ou, selon votre appareil, via Apple Pay ou Google Pay. Aucun remboursement ne sera effectué après paiement, même en cas d’absence le jour J.

Q : Où puis-je soumettre mon œuvre ?
R : Après paiement, vous serez automatiquement redirigé·e ou recevrez un lien par e-mail pour soumettre votre œuvre.

Q : Puis-je repartir avec mon poster ?
R : Oui, en restant jusqu’à la fin de l’événement (16h), vous pourrez repartir avec votre poster. Aucun envoi postal ne sera effectué. Merci de prévoir un sac pour le transport.

Q : Puis-je inviter des connaissances à visiter l’exposition ?
R : Bien sûr ! Après confirmation de votre participation, n’hésitez pas à partager l’événement sur les réseaux sociaux.

Q : J’ai entendu dire qu’il était possible de créer des cartes de visite, comment faire ?
R : Après confirmation de votre participation, les détails vous seront communiqués par e-mail.

Q : Puis-je m’inscrire même si je n’ai pas encore choisi la photo à exposer ?
R : Oui, c’est possible. Certaines sessions affichent complet avant la date limite, il est donc conseillé de vous inscrire d’abord et de soumettre votre œuvre avant la date limite.

Q : Puis-je voir les éditions précédentes ?
R : Consultez les articles ci-dessous ⭐️

Introduction

« Sky Mood » est un concours photographique en ligne d’envergure internationale, organisé par cizucu et ouvert à tous les créateurs inscrits sur cizucu. Les œuvres soumises sont sélectionnées à travers un processus de curation, dans le but de révéler de nouveaux talents sur la plateforme et de soutenir la communauté artistique.

Le thème de cette édition était « l’atmosphère du ciel ».

Le ciel semble toujours identique, mais il change subtilement d’expression chaque jour.
Un bleu limpide, des nuages lourds annonciateurs d’orage, un dégradé pastel au crépuscule.

À travers les œuvres reçues, on perçoit non seulement le paysage céleste, mais aussi l’ambiance du lieu et les émotions ressenties au moment du déclenchement. Chaque image reflète une « humeur du ciel » singulière.

Découvrons à présent les œuvres soumises ainsi que les œuvres lauréates.

Œuvres soumises

cwyeh_film
Sky in frame

Rédaction cizucu
Un cliché qui capture délicatement, à travers l’objectif, le dégradé du ciel glissant vers le crépuscule. La silhouette au premier plan et l’étendue du ciel dans l’image se superposent, transmettant l’exaltation et la quiétude du moment où l’on lève les yeux. La texture granuleuse et les nuances de couleur contribuent à figer l’instant où « l’humeur du ciel » évolue peu à peu.

Thomas_J

📷 LEICA Leica Q2

Rédaction cizucu
Une œuvre qui saisit avec finesse les variations du ciel à travers le cadre d’une fenêtre de voiture. La lumière déclinante et la superposition des nuages évoquent la quiétude et l’émoi ressentis lors d’un voyage. Le regard qui capture sans manquer « l’humeur du ciel » propre à cet instant fugace au fil du paysage est particulièrement marquant.

Yishih

📷 CANON EOS 5D

Rédaction cizucu
L’exaltation ressentie en levant les yeux vers le ciel nocturne est capturée telle quelle dans cette image. Le contraste entre la voie lactée scintillante et les lignes puissantes de la structure au premier plan accentue l’ampleur et la profondeur de la scène. La traînée lumineuse rouge apporte une dynamique subtile, insufflant du mouvement dans la quiétude.

Œuvres lauréates

chanyeong
문득 창문을 통해 보인 잊혀지지 않는 하늘

Rédaction cizucu
La puissance des nuages embrasés au coucher du soleil capte instantanément le regard. Le mouvement des nuages et la profondeur du bleu transmettent jusqu’à la « chaleur » du ciel en perpétuelle mutation. La silhouette de l’avion traversant la scène laisse une résonance cinématographique, évoquant subtilement le départ ou l’attente.

廖さん
雲層逐漸填滿透明的籃板，此時像一扇窗，彼方的藍與豐湧白像是畫布，正向著我逼近。
而我站在這晴日下地詩意，享受著夏日序曲。

Rédaction cizucu
L’harmonie entre le bleu limpide du ciel et la présence imposante des nuages en pleine ascension résonne avec force. L’intégration audacieuse du panier de basket transmet la perspective du regard levé et l’atmosphère estivale. Une scène du quotidien magnifiée par l’échelle du ciel, transformée en un instant d’exception.

Conclusion

Qu’en avez-vous pensé ?

Le ciel, bien que familier, révèle des « humeurs » étonnamment variées selon l’heure, la lumière ou la forme des nuages.
Explorer de nouveaux angles de vue ou s’inspirer du regard d’un autre artiste peut mener à de grandes découvertes.

Nous espérons que ces œuvres vous inspireront pour votre prochaine prise de vue.
À bientôt pour le prochain concours photographique !

À travers des entretiens avec des personnalités qui poursuivent une démarche photographique singulière, nous explorons les origines, la pensée et le processus de création, afin d’offrir une nouvelle inspiration aux photographes et médias photographiques du monde entier.

Les origines créatives, la pensée et la vision du photographe basé à Hong Kong, Edas Wong. Archiver et transmettre ces paroles dans le contexte actuel, c’est aussi contribuer à l’évolution de la culture photographique contemporaine.

À travers ces « 10 questions », nous plongeons dans le processus qui donne forme à son expression artistique.

Edas Wong

Photographe de rue basé à Hong Kong

Instagram : @edaswong

Q1. Parlez-nous de vos débuts en photographie et de votre pratique actuelle.

À mes débuts, je photographiais principalement des scènes du quotidien et des voyages avec ma compagne de l’époque (aujourd’hui mon épouse). En 2012, alors que je travaillais comme ingénieur en R&D en Suède, j’ai ressenti le besoin d’un loisir artistique pour équilibrer ma vie. J’ai alors pris un appareil photo, sans prétention, et commencé à arpenter la ville pour photographier.

Sans m’en rendre compte, cela fait maintenant 14 ans que je photographie. Récemment, je sors surtout le week-end pour photographier dans la rue, mais il m’arrive aussi de sortir pendant la pause déjeuner ou après le travail en semaine, dès que l’envie me prend.

Q2. Quel est l’élément ou le thème auquel vous accordez le plus d’importance dans votre travail ?

Ma photographie de rue est très spontanée ; je ne définis pas à l’avance de thème ou d’élément précis. Ce qui m’attire le plus, c’est d’observer les relations qui existent autour de moi : entre les personnes, entre les personnes et les objets, et même entre les objets eux-mêmes. Au cœur de mon travail de rue, il y a cette volonté de saisir toutes les formes de relations.

Cela dit, même sans afficher un thème explicite, la création s’articule toujours autour de la vie quotidienne. L’expérience de vie façonne notre manière d’observer ; par exemple, une personne préoccupée par la calvitie sera naturellement attentive à tout ce qui touche aux cheveux. Ainsi, sans s’en rendre compte, certains sujets récurrents émergent et deviennent des séries.

Q3. Comment naissent vos œuvres ? Par intuition, hasard, ou décisions sur le terrain ? Parlez-nous de l’envers du processus créatif.

Il n’y a pas de technique particulière dans mon processus de création. L’essentiel, c’est l’observation.
Observer avec concentration, observer en profondeur, puis attendre qu’un « appel intérieur » se manifeste. Parfois, un moment intéressant surgit en une fraction de seconde, et il faut alors déclencher très vite.
Si je le manque, il faudra peut-être attendre que la même scène se reproduise un jour.

L’originalité est la qualité la plus importante pour une œuvre forte. Mais elle ne se « cherche » pas : elle naît de l’observation. Chercher, c’est souvent se référer à ce que d’autres ont déjà créé, et tenter de trouver quelque chose de similaire — ce qui manque d’originalité.

C’est pourquoi, lors de l’observation, il vaut mieux ne pas trop réfléchir. Il est essentiel de laisser les choses être telles qu’elles sont.

Q4. Quelle est la force motrice qui vous pousse à poursuivre votre expression artistique ?

L’amour et l’auto-sauvetage. J’aime profondément créer. Mais pratiquer la photographie de rue à Hong Kong en été est vraiment éprouvant : on finit trempé de sueur. Sans amour, il serait impossible de continuer.

La création est aussi pour moi un moyen de faire le vide dans mon esprit. D’ordinaire, mon esprit est encombré de pensées et d’agitation, mais le simple fait d’observer, dans un état de vide, me procure un sentiment de salut. C’est une forme de méditation.

Q5. Montrez-nous une de vos photos favorites, et racontez-nous l’histoire ou la raison de ce choix.

Il y a une image où la tête du sujet n’apparaît pas ; en réalité, elle a été prise au Japon. Ce jour-là, après avoir admiré les cerisiers en fleurs à Tokyo Dome City, je rentrais à pied pour prendre le train. Soudain, à une cinquantaine de mètres, j’ai aperçu une « personne sans tête » — j’ai été saisi par la surprise.

En y regardant de plus près, j’ai compris que le chapeau se confondait avec le mur, créant une illusion d’optique. J’ai alors accéléré le pas, presque en courant, et déclenché rapidement.

Q6. Selon vous, quelle est la signification de la photographie à l’ère de l’IA ?

Pour moi, l’IA n’est qu’un « outil », tout comme l’appareil photo. L’IA génère des images graphiques à partir de mots-clés, alors que l’appareil photo nécessite un « instant réel » pour que la photographie existe.
Si l’on vise un paysage ou un portrait esthétique, il est probable que l’IA puisse parfois mieux faire.

Cependant, pour le photojournalisme ou la photographie originale, l’IA ne peut pas remplacer l’humain. Ce qui importe dans l’actualité, c’est le fait, et l’image générée par l’IA est une « fabrication », non la réalité.
La photographie originale requiert une véritable idée, et l’IA ne fait qu’apprendre et extrapoler à partir de l’existant — elle n’a (pas encore) d’esprit propre.

Q7. Quelles dynamiques ou communautés jugez-vous importantes dans la scène hongkongaise ?

Dans le milieu photographique à Hong Kong, les discussions portent souvent sur le matériel, et les styles de prise de vue tendent à privilégier l’esthétique et la « beauté ». Pourtant, la photographie possède de multiples facettes : elle peut documenter la vie personnelle ou devenir un médium d’expression artistique originale.

Pour ma part, je pense que l’éducation joue un rôle essentiel pour permettre aux enfants et aux jeunes générations d’explorer toute la diversité des possibles de la photographie.

Q8. Les scènes photographiques ou créateurs d’autres pays vous inspirent-ils ?

Lorsque j’ai commencé à m’intéresser à la photographie de rue, mes plus grandes sources d’inspiration étaient les photographes de « Magnum Photos » et les débats menés sur .

Q9. Quelle est la quête qui vous anime tout au long de votre vie ?

Je pense que se libérer de l’ego est une quête qui mérite d’y consacrer toute une vie.

Avec l’âge, l’attachement à soi-même tend à se renforcer, mais s’en affranchir a des effets bénéfiques sur la manière de vivre, la relation à autrui, et bien sûr sur l’expression photographique. L’observation devient moins subjective, et la créativité s’en trouve naturellement renforcée.

Q10. Quel message souhaitez-vous transmettre aujourd’hui aux créateurs du monde entier ?

L’observation est, selon moi, le point de départ de toute chose.  

photo poster project

« photo poster project » est une exposition de photo posters à laquelle vous pouvez participer simplement en choisissant une ville et une date.

Ce projet, que nous appelons ppp, n’est pas une simple exposition photographique. Il s’agit d’une communauté où chacun peut partager son histoire en toute confiance, et d’une opportunité de rencontrer des créateurs du monde entier dans la vie réelle.

Dans cet article, nous vous présentons l’ambiance du « photo poster project » qui s’est tenu le 20 juin (samedi) à la Tramunist Gallery, dans le quartier Chūō de Sapporo. Si vous souhaitez participer à une prochaine édition du « photo poster project » dans une autre ville, ne manquez pas ce reportage !

Qu’est-ce que le photo poster project ?

Il n’est pas toujours facile d’exposer ses propres photographies ou de se faire des amis parmi les photographes. Organiser une exposition individuelle demande du temps et un certain budget.

Le « photo poster project », organisé par cizucu, répond à ces problématiques.
Il suffit de choisir un lieu et une date, puis de soumettre vos photographies à cizucu pour exposer vos œuvres en grand format A2. De nombreux photographes de la même région participent également, ce qui peut être l’occasion de rencontrer de futurs partenaires photographiques.

Fini les préparatifs fastidieux comme la location d’un espace, la recherche d’un imprimeur ou l’installation de l’exposition. Il vous suffit de remplir le formulaire et de venir sur place le jour de l’événement !

Ambiance du jour J

Face à des événements rares dans notre quotidien, il nous arrive de dire : « C’est comme dans un film. »

Cette fois, au-delà de la métaphore, nous abordons littéralement une « vie digne d’un film » à travers l’œuvre photographique et le parcours de Vivian Maier, dont la vie même fut cinématographique. Nous espérons que ce récit suscitera une réflexion sur l’acte de photographier, de conserver et de tirer des images.

Le moment où elle a été « découverte »

Vivian Maier était une photographe de rue américaine qui a réalisé plus de 150 000 photographies au cours de sa vie. Pourtant, son travail est resté quasiment inconnu de son vivant, et elle fut longtemps une figure anonyme. Sa notoriété en tant que « mystérieuse photographe amateur » a émergé à la suite d’une vente aux enchères à Chicago en 2007.

John Maloof, alors à la recherche de photographies d’archives pour un ouvrage historique, acquiert par hasard ses œuvres et y décèle une intensité qui ne saurait s’expliquer par le simple hasard d’une amatrice.
Il commence à rassembler les photographies et négatifs dispersés, et c’est en 2009, à la lecture d’une notice nécrologique, qu’il découvre le visage de l’artiste.
John publie ensuite une partie des images sur la plateforme communautaire Flickr, dédiée au partage photographique. Les œuvres se diffusent alors rapidement, donnant lieu à un travail d’archivage et à des expositions.

Pourtant, les témoignages de ses voisins divergent et son portrait reste difficile à cerner. C’est pourquoi seules ses photographies semblent préserver, avec discrétion, la véracité de son existence.

La sensation de « matière » laissée par le Rolleiflex

L’appareil qu’elle affectionnait était le Rolleiflex, célèbre reflex bi-objectif.

Le format carré 1:1, aujourd’hui familier, exerçait sur elle une véritable fascination. La richesse des textures, les portraits cadrés à hauteur de buste occupant tout le champ, la composition symétrique : autant de motifs récurrents dans ses œuvres emblématiques des années 1950.

À travers son histoire, on ressent aujourd’hui le besoin de repenser la matérialité de la photographie, à travers le « tirage » et l’argentique. Négatifs et tirages subsistent en tant qu’objets, indépendamment de leur visibilité.

La matérialité comme gage de véracité photographique

Vivian Maier a poursuivi son œuvre sans reconnaissance de son vivant, et ses photographies n’ont été découvertes qu’après sa disparition. Si les contours de sa vie restent difficiles à tracer, ses œuvres, sous forme de négatifs ou de tirages, conservent une présence tangible.

Ce constat met en lumière la perte de poids des traces photographiques à mesure que l’image devient « donnée numérique ». Les photographies stockées dans le cloud sont accessibles à tout moment, mais peuvent aussi s’y perdre ou disparaître à tout instant.

Le tirage et la pellicule, eux, fixent dans notre monde la température, l’odeur et même la patine du temps, ancrant ainsi le moment de la prise de vue dans la réalité matérielle.

La portée du « voir ensemble » dans le réel

La pluralité des voix autour de Vivian Maier témoigne de la complexité de son personnage, irréductible à une narration unique. Nous avons tendance à vouloir résumer la vie de quelqu’un en une « explication simple », mais la photographie, à l’inverse, ouvre silencieusement la voie à de multiples lectures.

D’où l’importance de créer des espaces où l’on puisse échanger autour d’une photographie : « Je l’ai vue ainsi », « Ce détail m’a interpellé ». Les émotions et les contextes suscités par une image diffèrent selon les personnes, et c’est dans la confrontation de ces différences que l’on accède à une compréhension inaccessible en solitaire.

Les tirages et les pellicules ancrent la photographie dans le monde, tandis que la communauté cizucu offre à ces œuvres une pluralité de regards. Ainsi, la photographie se transmet peu à peu vers l’avenir, dès l’instant où elle est réalisée.

Plus que jamais, il importe aujourd’hui que la photographie subsiste sous une forme capable de résister au temps, jusqu’au jour où elle sera (re)découverte, à l’image de l’œuvre de Vivian Maier.

Dans « Read Your Photography », nous portons notre attention sur les histoires cachées derrière les photographies, celles que l’on ne découvre pas par le simple regard. Avec les œuvres réunies via le photo poster project organisé par cizucu et les réseaux sociaux, cizucu magazine traduit en 12 langues les histoires et les partage à travers le monde.

Garder une histoire pour soi est un choix. Mais parfois, ce sentiment touche silencieusement le cœur de quelqu’un et peut susciter une émotion encore inconnue.

Nous vous présentons aujourd’hui les œuvres de trois artistes venus du monde entier.
Découvrons ensemble ces récits uniques et singuliers, en toute discrétion.

L’histoire de winggss

winggss
Le crépuscule tombait sur le littoral de Tseung Kwan O.
Au bout de la longue jetée, un pont s’étendait, et la mer bleu-vert, paisible, ondulait sous la brise du soir. Peu à peu, le soleil se couchait derrière les immeubles, et les lampadaires s’allumaient un à un.
Les soirs clairs sont calmes et limpides. La chaleur du jour s’adoucit peu à peu, et chacun profite de ce moment à sa façon : promenade de chiens, jogging, contemplation de la mer. Une certaine douceur romantique flottait dans l’air.
Moi aussi, j’ai saisi mon appareil pour tenter de capturer cette atmosphère. Mais il était difficile de saisir un instant qui me touche vraiment.
Soudain, deux jeunes ont traversé la scène, portés par le vent marin. Sans échanger un mot, ils couraient dans la même direction. J’ai ressenti dans leur attitude la pureté de la jeunesse et une énergie débordante.
J’ai déclenché l’obturateur à la hâte, sans avoir le temps d’ajuster les réglages. Pourtant, la vitesse d’obturation un peu lente a su restituer la douceur du crépuscule et le dynamisme des deux silhouettes.
Ce que cette image capture, c’est l’« énergie vitale » que j’ai ressentie à cet instant.

📚 01

Rédaction cizucu
La lumière douce du soir et la silhouette de ces deux jeunes qui courent, leurs contours se fondant dans le décor, sont particulièrement marquants. C’est justement parce que l’image n’est pas nette que l’on ressent d’autant plus le vent, la vitesse, et l’énergie directe de la jeunesse. Dans ce moment de calme où la ville s’illumine, une vitalité éphémère surgit. Cette fragilité et cette lumière rendent cette œuvre d’autant plus singulière.

L’histoire de LUKALOK

LUKALOK
Tu avances sans hésitation.
Moi, je reste encore au même endroit.
On dirait que nous regardons le même paysage, mais le monde que nous voyons est différent.
Cette photographie me l’a appris.

📚 02

Rédaction cizucu
La distance entre la personne qui marche dans la ville sous une lumière intense et le point de vue laissé en retrait est frappante. Bien qu’il s’agisse d’une scène urbaine banale, la composition inclinée et les ombres marquées rappellent l’atmosphère surréelle d’un film de Christopher Nolan, comme « Inception » ou « Tenet ». Au-delà de l’intérêt visuel, la frontière entre réalité et irréalité semble vaciller, ce qui fait tout le charme de cette œuvre. Celui qui avance et celui qui reste. Même au même endroit, chacun voit le monde à sa façon. Ce décalage ressort d’autant plus dans la lumière éclatante de la ville.

L’histoire de Jie flim

Jie flim
Ce jour-là, mon amie Tantan a quitté Taïwan.
Elle a quitté son emploi stable et bien rémunéré dans un cabinet comptable pour partir étudier aux Pays-Bas.
Pour beaucoup, c’était un acte de courage, mais pour sa famille, c’était aussi le jour où ils devaient dire au revoir à leur fille bien-aimée.

Nous nous sommes rencontrées à l’université, et elle a toujours été comme une grande sœur pour moi.
C’est pourquoi j’ai voulu immortaliser ce départ avec mon appareil argentique.
Sur la photo développée, on voit une mère serrant sa fille très fort, et un père qui, tout en cachant sa tristesse, observe la scène en silence.

Je suis heureuse d’avoir pu déclencher à cet instant précis.
Cette image a su capturer un grand tournant de la vie.
Et cette photographie m’a rappelé pourquoi j’aime tant la photographie.

Pour moi, photographier, ce n’est pas seulement saisir la lumière ou le paysage, mais bien enregistrer les émotions qui existent entre les personnes. Photographier l’humain, c’est cela, l’essence et l’origine de ma pratique.

📚 03

Rédaction cizucu
La force de l’étreinte et l’expression légèrement émue révèlent toute la charge émotionnelle de ce moment d’adieu. La fierté de voir partir un être cher et la tristesse de ne plus pouvoir rester à ses côtés se mêlent dans cette étreinte silencieuse. En incluant aussi la famille qui observe à distance, cette photographie ne parle pas seulement de séparation, mais capture l’amour et la confiance dans l’avenir de l’être cher.
Nous souhaitons à Tantan une belle réussite dans ses études aux Pays-Bas. Nous espérons aussi que, dans le futur, elles pourront regarder cette photo ensemble en souriant.

Pour conclure

Qu’en avez-vous pensé ?

Nous souhaitons porter notre regard sur ce qui ne se raconte pas uniquement par le visuel. « Read Your Photography » est un projet éditorial qui invite à percevoir les émotions et les intentions derrière chaque photographie, pour en faire un récit à part entière.

Ce qui est capturé n’est qu’un instant. Mais derrière, il y a un temps qui s’écoule et des émotions qui n’ont pas été dites.

Nous vous invitons à lire les photographies, comme on feuillette les pages d’un livre, et à les savourer ainsi.

Comment participer

Sur Threads de cizucu, un « thème photographique » est parfois proposé.
Il suffit de répondre avec « votre image » qui correspond au thème.

La seule condition de participation : suivre cizucu sur les réseaux sociaux 💙
Parmi les œuvres soumises, les personnes sélectionnées recevront un message de la rédaction cizucu !

Dans « Read Your Photography », nous présentons également des œuvres exposées dans le cadre du photo poster project (ppp) organisé par cizucu.

Le ppp a peut-être lieu aussi dans votre pays. Les rencontres nées de la passion pour la photographie se multiplient aujourd’hui à travers le monde.

photo poster project

Le « photo poster project » est une exposition de posters photographiques à laquelle vous pouvez participer simplement en choisissant la ville et la date.

Ce projet, que nous appelons ppp, n’est pas une simple exposition photographique. Il s’agit d’une communauté où chacun peut partager son histoire en toute confiance, et d’une opportunité de rencontrer des créateurs du monde entier dans la vie réelle.

Le ppp arrive à la Banque du Pont Gallery (万国橋ギャラリー) à Bashamichi, Yokohama, le samedi 5 septembre !

Participer au « photo poster project » organisé par cizucu est très simple.


1) Choisissez le lieu et la date de l’exposition

2) Réglez facilement par carte bancaire, Apple Pay ou Google Pay

3) Soumettez votre œuvre sur cizucu pour participer


Il ne vous reste plus qu’à vous rendre sur place. De nombreux photographes de la région participent également, vous offrant l’occasion de rencontrer de futurs partenaires photographiques.

Informations pratiques

【Date et horaires de l’exposition】
Samedi 5 septembre, 12h00 ~ 16h00
※ Les exposant·e·s doivent impérativement être présents sur place entre 13h30 et 15h30.
※ L’entrée est libre pour les visiteurs non exposants.

【Programme de la journée pour les exposant·e·s】
12h00 ~ 13h30 : Temps libre
13h30 ~ 14h00 : Présentation des œuvres exposées
14h00 ~ 15h30 : Échanges
15h30 ~ 16h00 : Clôture & récupération des posters

【Lieu d’exposition】
Banque du Pont Gallery (万国橋ギャラリー)
4-49 Kitanakadori, Naka-ku, Yokohama, 2F Coeur de Monde Bashamichi
(À deux pas de la sortie 6 de la station Bashamichi sur la ligne Tokyu Toyoko/Minatomirai, 10 min à pied des gares JR Sakuragicho et Kannai, 8 min à pied de la sortie 9 de la station Kannai sur la ligne municipale Blue Line)
http://www.bankokubashi-gallery.com/

【Frais de participation】
6 000 yens (comprend impression A2, installation et location de l’espace)
※ L’exposition et l’entrée sont gratuites pour les visiteurs.

【Thème】
« Toucher »
Un paysage gravé dans la mémoire, une sensation effleurant le bout des doigts, une âme rencontrée dans la ville. Qu’on la voie ou non, la notion de « toucher » demeure.

Informations importantes

Merci de lire attentivement les points suivants avant de vous inscrire.

• Les frais de participation incluent l’impression, l’installation et la location de l’espace. Veuillez noter qu’aucun remboursement ne sera effectué, même en cas de non-soumission de l’œuvre ou d’absence le jour de l’événement.
• Veuillez soumettre une œuvre répondant aux critères suivants :
  • Spécifications du fichier
    • (Recommandé) côté court supérieur à 4000 pixels
    • (Obligatoire) côté court supérieur à 2000 pixels
  • Œuvre au format vertical uniquement
  • Une seule photographie (pas de collages, pas de texte ajouté, pas de cadre)
• Pour garantir une expérience positive à tous, merci de lire les règles de la communauté lors de la soumission.
• Des photographies de l’événement seront prises. Les images pourront être publiées sur le site, les réseaux sociaux ou dans des supports promotionnels.
• Les participant·e·s présent·e·s à la fin de l’événement pourront repartir avec leur poster. Aucun envoi ultérieur ne sera effectué.

Nous attendons vos nombreuses candidatures !

FAQ

Q : Comment régler les frais de participation ?
R : Après avoir choisi le lieu et la date, vous pouvez régler par carte bancaire ou, selon votre appareil, via Apple Pay ou Google Pay. Aucun remboursement ne sera effectué après paiement, même en cas d’absence le jour de l’événement.

Q : Où puis-je soumettre mon œuvre ?
R : Après le paiement, vous serez redirigé automatiquement ou recevrez un lien par e-mail pour soumettre votre œuvre.

Q : Puis-je repartir avec mon poster ?
R : Oui, en restant jusqu’à la fin de l’événement (16h), vous pourrez repartir avec votre poster. Aucun envoi ne sera effectué, merci de prévoir un sac pour le transport.

Q : Puis-je inviter des connaissances à venir voir l’exposition ?
R : Bien sûr ! Après confirmation de votre participation, n’hésitez pas à partager l’information sur les réseaux sociaux.

Q : J’ai entendu dire qu’il était possible de créer des cartes de visite, comment faire ?
R : Après confirmation de votre participation, les détails vous seront communiqués par e-mail.

Q : Puis-je m’inscrire même si je n’ai pas encore choisi la photo à exposer ?
R : Oui, c’est possible. Certaines sessions affichent complet avant la date limite, il est donc recommandé de s’inscrire d’abord et de soumettre votre œuvre avant la clôture.

Q : Puis-je voir des éditions précédentes ?
R : Consultez les articles ci-dessous pour découvrir les éditions passées ⭐️

cizucu organise à travers le monde des expositions de photo posters, le « photo poster project », auxquelles il suffit de choisir une ville et une date pour participer.

Ce projet, que nous appelons ppp, n’est pas une simple exposition photographique. Il s’agit d’une communauté où chacun peut partager son histoire en toute confiance, et d’une opportunité de rencontrer dans le monde réel des créateurs venus du monde entier.

Pour cette édition, nous avons recueilli le témoignage de la créatrice Jung Maum, participante au « photo poster project ».

Pouvez-vous vous présenter ?

Bonjour, je suis Jung Maum, active entre Busan et le Japon. Mon nom vient du mot japonais « kokoro » (cœur), car je souhaite photographier avec sincérité.

En tant que vidéaste, j’ai commencé par couvrir des événements, ce qui m’a naturellement amenée à m’intéresser à la photographie. D’abord attirée par les paysages et les couleurs, j’ai peu à peu découvert l’attrait du portrait. Passionnée par le cinéma japonais, je photographie aussi bien des personnes en Corée qu’au Japon.
J’aimerais continuer à réaliser des images entre Busan et le Japon, dans l’esprit d’une scène de film japonais.

Qu’est-ce qui vous a motivée à participer ?

J’ai décidé de participer à ce projet après avoir reçu un message de cizucu. Le fait que ce message vienne du Japon m’a donné le sentiment d’être toujours connectée à ce pays, ce qui m’a beaucoup touchée.

J’avais également découvert la plateforme via une YouTubeuse coréenne que je suis régulièrement, ce qui m’a naturellement poussée à m’y intéresser.
Mais surtout, l’équipe avec laquelle j’ai échangé par DM a été d’une grande gentillesse, et la perspective de rencontrer en personne des créateurs que je ne connaissais qu’à travers Instagram a été un véritable attrait.

Qu’avez-vous ressenti en participant ?

J’ai participé dès le matin, et ce qui m’a marquée, c’est que l’on ne se contente pas de « regarder une exposition », mais que l’on construit ensemble l’exposition, dans un esprit collaboratif.

Les échanges entre créateurs, mais aussi avec l’équipe, se sont faits très naturellement, créant une réelle proximité. Le fait d’être reliés par la photographie, ce langage universel, m’a transmis un sentiment profond et silencieux de connexion.

Pourquoi avoir choisi cette image ?

Cette photographie est la toute première que j’ai publiée lorsque j’ai ouvert mon compte Instagram dédié à la photo. À l’époque, je ne comprenais pas encore bien la photographie : je suis sortie avec mon appareil sans réfléchir, et j’ai croisé par hasard des personnes âgées qui se saluaient avant de se séparer.

J’ai saisi mon appareil à la hâte, mais j’étais tellement concentrée sur les réglages que je n’ai pu capturer qu’une seule image. Cette scène s’est évanouie en un instant. Mais c’est à ce moment-là que j’ai ressenti physiquement que « la photographie, c’est saisir l’instant ».

Cette image représente pour moi le petit courage qui m’a permis de débuter la photographie, c’est mon point de départ. Et cette première exposition du « photo poster project » à Busan a également été comme un nouveau commencement. C’est pourquoi j’ai choisi cette photographie, qui me ressemble aujourd’hui.

À ceux qui hésitent à rejoindre le photo poster project

De nombreux créateurs participent à ce projet, et le fait de pouvoir parler de sa propre photographie, mais aussi d’écouter les histoires des autres, est une expérience essentielle pour tout artiste.
Qu’il s’agisse de smartphone, de film ou d’appareil numérique, chacun a son matériel et son style, mais devant une image, émotions et réflexions se croisent. Cette atmosphère m’a beaucoup plu.

Si vous souhaitez mettre des mots sur vos doutes ou vos sentiments autour de la photographie, ou si vous cherchez à découvrir de nouveaux points de vue, je vous encourage vivement à tenter l’expérience.

photo poster project

« photo poster project » est une exposition de photo posters à laquelle il suffit de choisir une ville et une date pour participer.

Ce projet, que nous appelons ppp, n'est pas une simple exposition photographique. Il s'agit d'une communauté où chacun peut partager son histoire en toute confiance, et d'une opportunité de rencontrer des créateurs du monde entier dans la vie réelle.

Dans cet article, nous vous présentons l'ambiance de la journée du « photo poster project » qui s'est tenu le 20 juin à 마르갤러리 Mar Gallery, Suyoung, Busan. Si vous souhaitez participer à une prochaine édition du « photo poster project » organisée dans tout le pays, ne manquez pas ce reportage !

Qu'est-ce que le photo poster project ?

Il n'est pas toujours évident d'exposer ses propres photographies ou de se faire des amis parmi d'autres photographes. Organiser une exposition individuelle implique souvent beaucoup de démarches et de coûts.

Le « photo poster project » organisé par cizucu répond à ces problématiques.
Il suffit de choisir un lieu et une date, puis de soumettre vos photographies à cizucu pour qu'elles soient exposées en grand format A2. De nombreux photographes de la même région participent également, ce qui offre l'opportunité de rencontrer de futurs partenaires photographiques.

Fini les préparatifs fastidieux comme « réserver un espace, chercher un imprimeur, installer l'exposition ». Il suffit de remplir le formulaire et de venir sur place le jour de l'événement !

Ambiance de la journée

Threads, le réseau social textuel proposé par , accueille chaque jour une multitude d’expressions artistiques venues du monde entier.

« find new pieces » est un projet de découverte qui sélectionne, parmi l’infinité d’œuvres publiées sur Threads, des créations remarquables et en partage la singularité dans notre magazine. À chaque édition, un thème est proposé et des œuvres du monde entier sont rassemblées autour de celui-ci, permettant de révéler de nouveaux talents (new pieces) encore inconnus.

Pour cette édition, nous vous présentons 12 œuvres sélectionnées parmi un grand nombre de soumissions venues du monde entier.
Découvrons ensemble ces créations où chaque regard et chaque sensibilité s’expriment pleinement.

『no reason, just like』

Pas besoin de raison. Simplement, une attraction inexplicable.

Une sensation qui glisse entre les mots dès qu’on tente de la formuler.
Et pourtant, il existe ces instants sans nom où l’on peut affirmer sans hésiter : « j’aime ».

La photographie saisit parfois cet élan qui précède toute raison.
Ce n’est ni « beau » ni « impressionnant », mais on ne peut détacher le regard.

On ignore pourquoi, mais on aime, c’est tout.
Montrez-nous donc cette image qui vous touche sans raison apparente.

new pieces

Kai Kim

💙 01

Rédaction cizucu
Dans une pièce plongée dans la pénombre, seule la lumière filtrant par la fenêtre subsiste, et la silhouette assise à cette frontière est particulièrement marquante. Que fait-elle, que ressent-elle ? Impossible à expliquer, mais l’imaginaire du spectateur s’éveille naturellement. La texture du sol et la générosité de l’espace participent à cette impression : la photographie semble capturer l’indécision qui précède l’expression du « j’aime », avant même que les mots n’apparaissent.

굴러들어온 일상(転がり込んだ日常)

📷 NIKON D40
💙 02

Rédaction cizucu
Le vert du gazon est d’une grande banalité, mais dès que les ombres s’y posent, avec leurs formes et leurs nuances, le paysage se transforme soudain en une scène habitée. Sans tout dévoiler, l’image invite à imaginer l’heure, la température, la présence alentour. C’est justement la discrétion de la composition qui incite à s’arrêter et contempler ce cliché.

shihgood

💙 03

Rédaction cizucu
Un coin de rue ordinaire devient soudain dramatique grâce à une simple découpe de lumière. Les noirs profonds font ressortir la signalisation et la texture des murs, guidant subtilement le regard. L’équilibre choisi, qui évite de trop en montrer, laisse une impression cinématographique. Avant même de chercher une raison, on est simplement saisi par la force esthétique de cette image.

wolf sho

💙 04

Rédaction cizucu
Le reflet à travers la vitre et le petit vase à l’intérieur du magasin : ce simple chevauchement de plans rend le quotidien presque onirique. La tulipe est le sujet principal, mais la présence du vélo et de la rue à l’extérieur se fond dans l’image, invitant le regard à vagabonder. La gestion douce de la lumière laisse une impression tactile, comme si l’on recueillait un fragment de mémoire. Une image qui séduit sans explication, où le « j’aime » précède toute analyse.

Project P

💙 05

Rédaction cizucu
Sous le panneau au message fort « NO PARKING », une personne joue de la musique en toute discrétion. Ce contraste attire irrésistiblement le regard. La perspective en contre-plongée, les fils électriques, la diversité urbaine : tout concourt à transmettre la chaleur de la vie quotidienne. Les tons légèrement passés donnent à la scène un aspect presque fictionnel. Avant toute explication, on se surprend à penser : « j’aime vraiment cette œuvre ».

Sammy

💙 06

Rédaction cizucu
Les silhouettes des arbres au premier plan et le contour du bâtiment à l’horizon créent une superposition de plans agréable, évoquant la respiration d’une promenade. L’absence de sujet trop affirmé, la présence humaine et urbaine placées sur un pied d’égalité, confèrent à l’image une beauté décontractée. Le ciel limpide, la simplicité de l’instant : sans événement particulier, cette photo fait ressentir un « j’aime ce moment » qui détend l’esprit.

RUKA

📷 NORITSUKOKI EZ Controller
💙 07

Rédaction cizucu
Le mot « STOP » posé sur un sol minéral prend une dimension poétique grâce au rythme des ombres et de la lumière. La simplicité des formes, la diagonale des ombres et les espaces vides instaurent une tension visuelle agréable. Rien ne se passe, et pourtant, on ressent ce besoin de s’arrêter ici, dans cet instant suspendu.

kKoamng

💙 08

Rédaction cizucu
La courbe des luminaires du quai, qui s’étire vers le fond, est si agréable à l’œil qu’on ne peut s’empêcher de la suivre du regard. Les personnages sont flous, mais la structure de l’espace est d’une netteté saisissante, restituant la sensation du « temps d’attente ». Les tons pastel de l’ensemble donnent à la scène un aspect de souvenir, bien que ce soit un paysage réel.

How

💙 09

Rédaction cizucu
La composition, comme si l’on observait la scène depuis l’extérieur du cadre, donne l’impression d’être celui qui « surprend » la scène. La lumière intense éclaire l’entrée tandis que la profondeur de l’intérieur (ou de l’ombre) fait ressortir la présence du personnage. Le fil des écouteurs, l’angle des pieds : ces détails soutiennent la véracité du quotidien, transmettant l’émotion sans récit explicite.

kimj0ohee

💙 10

Rédaction cizucu
Le bleu du lac, la ligne des montagnes et la posture de la personne assise sur la rive s’accordent en un rythme naturel. Le paysage est grandiose, mais ce que l’on souhaite montrer, c’est le « temps de contemplation » lui-même. Une quiétude s’en dégage. L’ombre des arbres au premier plan encadre subtilement la scène, guidant le regard vers la surface de l’eau. Plus qu’un souvenir de voyage, c’est un instant que l’on souhaite préserver sans raison particulière.

Ben Chen

💙 11

Rédaction cizucu
Dans le cadre de la porte, une présence évanescente apparaît et disparaît, suscitant une vive émotion. Le flou de la mise au point fait primer la sensation du « temps » sur la netteté des contours. La peluche dans les bras et le geste du bras tendu expriment des émotions indicibles. On imagine même l’odeur de la maison, sans pouvoir expliquer pourquoi. Cette oscillation, juste avant la raison, est particulièrement touchante.

LM

📷 FUJIFILM X-T5
💙 12

Rédaction cizucu
La sensation de vitesse, au point de dissoudre les contours, se traduit directement en une joie communicative qui saisit dès le premier regard. Plus que la recherche de la perfection, c’est l’élan de l’instant qui prime ici. Cette impulsion sincère correspond parfaitement au thème. La direction prise main dans la main, le mouvement de l’arrière-plan, tout est inachevé et c’est ce qui rend l’image éclatante. Même sans pouvoir l’exprimer, on a simplement envie de dire qu’on aime cette photographie.

Pour conclure

Qu’en avez-vous pensé ?

Le thème de cette édition était « no reason, just like ». Même sous un même thème, les raisons qui font vibrer le cœur diffèrent selon chacun, et il arrive que seules les photographies en gardent la trace, sans que les mots puissent la saisir. Les œuvres reçues cette fois-ci capturent ces instants où le regard s’arrête avant toute logique, ou ce sentiment affirmé de « j’aime » sans explication possible.

Découvrir de nouveaux talents (new pieces), telle est la vocation de ce projet. Nous espérons que votre expression artistique touchera le cœur d’un public toujours plus large.

Comment participer

Sur Threads de cizucu, un « thème photographique » est proposé de temps à autre.
Il suffit de répondre avec « votre image » en lien avec ce thème.

La seule condition pour participer : suivre cizucu sur les réseaux sociaux 💙
Parmi les œuvres soumises,
les personnes sélectionnées recevront un message de la rédaction cizucu !

Stay a While

« Stay a While » est un Open Call photographique international en ligne organisé par cizucu, ouvert à tous les créateurs inscrits sur cizucu. Parmi les œuvres soumises, les œuvres remarquables seront sélectionnées par un comité de curation, dans le but de révéler de nouveaux talents sur la plateforme et de soutenir la communauté.

Le thème de cette édition est « Oublier le temps ».

Il arrive que le soleil se couche sans qu’on s’en rende compte, ou que l’on soit captivé par la beauté d’un instant.
Nous connaissons tous ces moments où, absorbés par quelque chose, nous oublions même l’écoulement du temps.

Le ressac doux des vagues, un coucher de soleil contemplé dans un moment de doute, un souvenir de rires partagés avec un être cher.
Peut-être est-ce parce que ces instants enveloppent nos sens et nous transportent loin de l’agitation du quotidien.

Partagez, à travers la photographie, ces moments où vous avez oublié le temps.
Nous attendons vos nombreuses soumissions avec impatience.

Inspiration

kamikoji

Rédaction cizucu
Au cœur d’une forêt profonde, une chute d’eau s’écoule avec la douceur de la soie, se jetant dans une surface d’eau émeraude et mystérieuse. On croirait que le bruissement continu de l’eau et la fraîcheur de l’air sont capturés dans l’image. Face à la beauté et à la puissance saisissantes de la nature, la pensée s’arrête, et l’on reste simplement immobile. Voici une photographie qui saisit un paysage invitant à respirer profondément, en oubliant le temps.

RIA
L’été de ma terminale, je n’oublierai jamais ce souvenir d’avoir pénétré dans la piscine avec la clé empruntée à la salle des professeurs.

Rédaction cizucu
Le flou et le décalage de la mise au point semblent raconter l’authenticité de ce lieu. L’atmosphère chaleureuse qui enveloppe la scène transmet intensément l’attachement du photographe à ce moment irremplaçable. Un temps unique, sans contrainte, inestimable, partagé uniquement entre eux. Sans doute un instant où l’on oublie le temps, emporté par la passion.

saciiiko

📷 FUJIFILM X-S20

Rédaction cizucu
Une nuit d’été, l’éclat vif et délicat d’un feu d’artifice tenu précieusement du bout des doigts. Ce cliché capture un moment dense où l’on contemple, en oubliant le temps, les étincelles prêtes à s’éteindre. Par sa fugacité, ce souvenir s’imprime dans la mémoire au point de faire oublier qu’il ne dure que quelques minutes. Une photographie qui saisit avec soin la lumière précieuse et discrète du quotidien.

Chou
Comme une côte aperçue en rêve, tout se fond dans une douceur diffuse. Les paysages de la mémoire ont toujours cette beauté floue et indéfinissable.

📷 SONY α7C II

Rédaction cizucu
Le ciel bleu et les nuages blancs s’étendent devant soi, la plage et la mer aux contours flous, et au loin, la ligne des montagnes indistincte. En laissant volontairement le flou, la perception du temps s’estompe à mesure que l’on contemple la scène. Comme un souvenir que l’on ne peut clairement rappeler, mais que l’on ne veut jamais oublier. Peut-être une image qui transcende le temps.

hamayan

Rédaction cizucu
Un instant féerique où les marches de pierre d’un sanctuaire, plongées dans la nuit, sont illuminées par d’innombrables lucioles. Les traînées lumineuses capturées en pose longue sont mystérieuses, presque ludiques. Bien que ce lieu soit chargé d’histoire, il révèle ici un paysage inédit, invisible à l’œil nu. Rien qu’en l’observant, la perception du temps quotidien s’éloigne. C’est la magie de la photographie de figer un instant, au point de faire oublier la notion même du temps.

Informations sur le concours

【Période】
Du samedi 4 juillet 2026 au lundi 3 août 2026

【Annonce des résultats】
Aux alentours du samedi 15 août 2026

【Récompense】
Invitation gratuite (pour 2 personnes) à participer au « Photo Poster Project » organisé par cizucu

【Modalités de participation】
・Sélectionnez le concours « Stay a While »
・Appuyez sur « Accepter le règlement et soumettre »
・Sélectionnez le contenu à publier et soumettez votre œuvre

【Critères de sélection】
(1) Pertinence du thème : correspondance avec la mission indiquée.
(2) Sujet : clarté de l’intention du photographe, message transmis par la photographie.
(3) Expression : qualité du regard, composition, équilibre, mise au point, couleurs, etc.
(4) Instantanéité : capacité à saisir le moment décisif.
(5) Originalité : créativité dans le choix du lieu, du sujet, etc.

À l’approche de la période des primes, je me surprends à rechercher plus souvent des appareils photo ou des objectifs. Quel sera mon prochain objectif ? Ou alors, pourquoi ne pas changer complètement la monture de mon boîtier principal ? Ces moments de rêverie sont tout simplement délicieux.

Si, à l’époque où j’étais célibataire, je pouvais céder à mes envies, aujourd’hui avec une famille, il est difficile de s’offrir du matériel dès qu’une prime tombe. Pourtant, s’enthousiasmer devant les nouveautés reste l’un des plaisirs authentiques des passionnés de photographie.

Le plaisir d’approfondir en partageant

En postant sur les réseaux sociaux, je remarque souvent que les passionnés de photographie sont aussi de grands débatteurs.

Par exemple, sous l’annonce d’un nouvel objectif, les commentaires ne se limitent pas à la taille ou au prix : certains vont jusqu’à discuter des groupes optiques ou de la conception optique. Je suis toujours impressionné par la profondeur des connaissances et le plaisir que chacun tire de l’univers de l’appareil photo.

Dans le monde des appareils photo et des objectifs, il n’existe pas de vérité absolue : chaque avantage implique souvent un compromis ailleurs. C’est pourquoi les débats sur les fonctionnalités des nouveaux modèles sont si passionnés.

Photographier n’est pas la seule finalité

Chaque fois que je découvre les débats érudits de la « sphère photo », je suis frappé par la profondeur des connaissances. Les points de vue issus des données sont aussi très instructifs, et j’ai réalisé que, au-delà du plaisir de photographier, le fait de réfléchir et d’échanger élargit l’attrait de l’appareil photo.

C’est vrai, pour beaucoup, le plaisir principal réside dans la prise de vue, mais chacun vit sa passion à sa manière. Il n’y a rien d’étonnant à aimer les appareils photo sans jamais déclencher.

Autant de façons de vivre sa passion que de passionnés

Peut-être que le plaisir ultime, c’est justement de se sentir comblé rien qu’en échangeant autour de sa passion. Pouvoir débattre, c’est accumuler des connaissances et multiplier les mots pour dire « j’aime ça ». Bien sûr, l’inverse est tout aussi vrai. 

Même sans pouvoir mettre des mots dessus, il y a ceux qui aiment simplement déclencher. Eux aussi font partie de la grande famille des passionnés d’appareils photo.

Et puis, même sans photographier, on peut être captivé par l’univers de l’appareil photo : vibrer à l’annonce d’une nouveauté, contempler des exemples pour imaginer sa prochaine prise, projeter ses idéaux dans un objectif unique… Chacun de ces instants fait partie du temps passé avec son appareil.

À travers des entretiens avec des personnalités qui poursuivent une recherche photographique singulière, nous plongeons dans les origines, la pensée et le processus créatif de leur pratique, offrant une nouvelle source d’inspiration aux photographes et médias photo du monde entier.

Pour cette édition, nous avons rencontré Chan Long Hei, photojournaliste et artiste visuel basé à Hong Kong. Oscillant entre reportages pour des médias internationaux et projets personnels, Chan Long Hei s’attache à observer, documenter et transmettre les mutations subtiles de la société à travers ses œuvres. À travers « 10 questions », nous explorons comment l’intégrité, la mémoire, le regard public et le sens des responsabilités façonnent sa pratique photographique.

Pour Chan Long Hei, la photographie n’est pas qu’un simple moyen d’expression. Elle est sa première langue, un journal visuel, et un acte de transmission de l’histoire. De ses études en politiques sociales à son engagement dans le photojournalisme, de la documentation de la réalité changeante de Hong Kong à la question souvent négligée des collisions entre oiseaux et vitrages, son œuvre interroge ce que la photographie peut accomplir pour préserver les traces de l’instant présent à destination du futur.

Chan Long Hei

Né en 1994. Photojournaliste et artiste visuel ayant grandi et travaillant à Hong Kong. Après des études en politiques sociales à l’université, il devient photojournaliste pour des médias internationaux tels que Associated Press, The Guardian ou Bloomberg News. Depuis 2017, il publie plusieurs ouvrages photographiques, dont « Hong Kong is beautiful, isn't it? » (2019), « The Unspeakable » (2020) et « After Island » (2021). Il poursuit actuellement un travail de documentation des phénomènes sociaux et développe ses projets personnels.

Instagram : @clhfoto

Q1. Quelles sont les origines de votre pratique photographique et pouvez-vous nous parler de vos activités actuelles ?

Mon parcours photographique a débuté à l’université. Mon intérêt pour les politiques sociales s’est naturellement lié à ma passion pour la photographie. Plus tard, en devenant photojournaliste, j’ai souhaité utiliser la photographie comme un médium à la fois subtil et puissant pour documenter la société.

Aujourd’hui, je poursuis mon activité de photojournaliste pour une agence de presse internationale. En dehors de cela, je consacre principalement mon temps à des projets photographiques personnels, afin d’approfondir les histoires qui me tiennent à cœur à différentes étapes et dans différents lieux de ma vie.

Q2. Quels sont les éléments ou thèmes que vous considérez comme essentiels dans votre œuvre ?

Mon travail part de l’expérience personnelle pour se connecter aux débats sociaux et publics. Observer les autres et la société, c’est aussi se confronter à son propre regard intérieur.
Dans un projet récent, j’ai abordé la question des collisions entre oiseaux et vitrages en milieu urbain. Après avoir vu à plusieurs reprises des oiseaux blessés dans la vie quotidienne, j’ai commencé à considérer ce problème comme une affaire personnelle. Le poids de ces vies fragiles et éphémères a été le déclencheur de mon engagement photographique. Au-delà de la simple documentation des failles urbaines, mon objectif est de questionner notre relation à l’environnement partagé à travers l’objectif.

Q3. Comment naissent vos œuvres ? Pouvez-vous nous parler de l’intuition, du hasard ou de la prise de décision sur le terrain dans votre processus créatif ?

La formation de photojournaliste m’a appris à réagir et à saisir ce qui se passe devant moi. Pour mes projets personnels, j’élabore des plans à partir de recherches, d’enquêtes de terrain et d’entretiens. Cependant, les moments les plus marquants naissent souvent là où rien n’était prévu.

Les rencontres inattendues avec des personnes ou des organisations sur le chemin apportent de nouvelles perspectives et font naturellement évoluer le projet. Au moment de la prise de vue, le plan structuré laisse place à l’intuition : l’appareil photo devient le prolongement de l’instinct. Parfois, tout commence à rebours, à partir d’une image accidentelle ou d’un matériau qui invite à la réflexion.

Q4. Quelle est la force motrice qui vous pousse à continuer à créer ?

Je ne suis pas très à l’aise pour m’exprimer à l’oral ou à l’écrit. La photographie est, pour moi, une langue première. C’est aussi un journal visuel qui me permet d’accueillir et d’extérioriser mes pensées, mes observations et mes dissonances du quotidien.

Q5. Montrez-nous une de vos images préférées et racontez-nous l’histoire ou la raison de ce choix.

Cette photographie n’est peut-être pas la plus parfaite techniquement. Pourtant, c’est celle à laquelle mon âme est le plus profondément liée. Elle est aussi à l’origine de mon projet sur les collisions entre oiseaux et vitrages. Avec mon partenaire, nous avons trouvé un petit oiseau gravement blessé après avoir heurté une façade vitrée. Il a rendu son dernier souffle dans nos mains.

Cette expérience, tenant une vie qui s’éteint, a marqué un tournant. J’ai été frappé par le fait que ces petites créatures urbaines sont des existences sans voix. J’ai choisi cette image car elle capture le moment où une tristesse personnelle s’est transformée en responsabilité artistique. C’est une photographie qui donne un poids visuel à des vies invisibles dans la société.

Q6. Selon vous, quelle est la signification de la photographie à l’ère de l’IA ?

Ma pratique, ancrée dans le documentaire et le photojournalisme, est indissociable d’une éthique rigoureuse. Dans le champ créatif, l’IA apporte indéniablement une complexité fascinante. La zone grise entre réalité et fiction ouvre de riches possibilités pour re-présenter l’image et diversifier les modes de narration.

L’IA, en tant qu’outil, représente une évolution bienvenue. Mais pour la photographie documentaire, l’ère de l’IA pose des défis inédits et rend notre rôle plus crucial que jamais. Plus les images artificielles se multiplient, plus la tension entre ce qui est généré et ce qui est témoigné s’accentue. J’espère que cette époque incitera la société à réfléchir à la valeur irremplaçable de la vérité physique, brute, non altérée du « réel ». C’est peut-être une valeur que seule la photographie documentaire peut préserver.

Q7. Quels sont, selon vous, les mouvements ou communautés importants dans la scène photographique hongkongaise ?

À Hong Kong, la culture photographique n’est pas encore profondément enracinée. Elle reste fragmentée, l’intérêt pour la photographie étant limité à certains cercles, et souvent réduite à quelques styles de photographes connus. Ces dernières années, l’activité culturelle locale s’est réduite et de nombreux collectifs artistiques et photographiques ont cessé leurs activités.

Pourtant, de cette contraction émergent la persévérance discrète d’individus indépendants, d’artistes-run spaces et de librairies indépendantes. Plutôt qu’un mouvement unifié, la communauté actuelle se structure autour d’une résilience dispersée. De nombreux créateurs continuent, dans le calme mais avec force, à bâtir l’identité photographique collective de Hong Kong. Ils assemblent la réalité de la ville comme une mosaïque, afin que la diversité des récits ne soit ni aplatie ni oubliée.

Q8. Y a-t-il des scènes photographiques ou des créateurs d’autres pays qui vous inspirent ou vous stimulent ?

Récemment, alors que je préparais un projet sur les oiseaux, j’ai découvert « Constant Bloom » du photographe américain Lucas Foglia. Il y documente la migration d’un papillon tout en photographiant, sur le même itinéraire, les parcours de réfugiés et de personnes en déplacement.
J’ai été profondément touché par sa manière de raconter : tout en portant un regard délicat sur les petites vies, il met en lumière la parenté profonde entre le destin humain et le monde naturel.

Q9. Qu’est-ce que vous souhaitez poursuivre tout au long de votre vie ?

Je suis attiré par les petits changements, parfois douloureux, qui jalonnent l’histoire. Ce que je souhaite poursuivre toute ma vie, c’est documenter avec sincérité les lieux qui m’ont façonné et transmettre la réalité sociale aux générations futures.

La création est pour moi un acte de transmission de l’histoire. Même si les paysages et les souvenirs changent, je veux, à travers la documentation, laisser la trace de notre présence, de nos luttes et de ce qui nous était cher.

Q10. Quel message souhaitez-vous transmettre aujourd’hui aux créateurs du monde entier ?

Rester sincère. Aucune technique ni aucun style ne surpassera jamais l’intégrité. Et c’est lorsque l’on trouve de la joie dans le processus créatif que l’œuvre devient véritablement aboutie. C’est alors que, je crois, les gens peuvent voir une part de vous-même dans votre travail.