L’instant où les pieds d’un coureur quittent le sol, celui où un rideau se gonfle sous l’effet du vent, ou encore celui où la roue d’un vélo réfléchit la lumière.
Au cœur des mouvements du quotidien surgissent des scènes fugaces où le temps semble s’être arrêté.

La photographie ne fixe qu’un instant, mais le mouvement se poursuit avant comme après celui-ci. La direction prise par un pas, la posture précédant un battement d’ailes, la forme d’une étoffe agitée par le vent : cette ouverture, qui permet d’imaginer le temps hors champ, insuffle à l’œuvre mouvement et narration.

Nous lançons donc cette fois-ci une campagne autour du hashtag « #pause » !

Partagez vos créations avec #pause

« #pause » ne consiste pas simplement à immobiliser le sujet.
Un coureur, un vélo, un oiseau, un rideau ondoyant ou la foule qui parcourt la ville : cherchez cette brève suspension qui apparaît au cœur du mouvement, ainsi que les signes diffus de ce qui la précède et de ce qui lui succède.

L’instant où la lumière du soir souligne la silhouette d’une personne, celui où une roue renvoie un éclat lumineux, ou encore celui où le vent gonfle largement un rideau. En prêtant attention à la lumière et aux ombres de l’arrière-plan, aux reflets comme à l’espace négatif, il devient possible de préserver l’écoulement du temps jusque dans une image fixe.

Paysage, photographie instantanée, portrait, sport ou image de voyage : tous les genres sont les bienvenus.
Accordez-vous une courte pause et, tout en imaginant le mouvement qui suivra, photographiez cette « suspension fugace au cœur du mouvement » que vous avez découverte.

Des créateurs passionnés de photographie racontent leur appareil et l’histoire qui les unit à lui. Un « appareil de prédilection » reflète toujours une certaine vision de la vie et un ensemble de valeurs. Dans ce nouvel épisode de notre série, nous rencontrons yNAK, fidèle utilisateur de l’〈OLYMPUS PEN FT〉.

Acheté lorsque le prix des pellicules a commencé à grimper, cet appareil est peu à peu devenu pour yNAK un compagnon indispensable. À une époque dominée par le numérique, où le résultat peut être vérifié instantanément, pourquoi continuer à choisir délibérément l’argentique ? Nous revenons sur ce temps dense et précieux qui naît d’un nombre limité de vues et invite à considérer chaque photographie avec attention.

〈OLYMPUS PEN FT〉 : caractéristiques essentielles

Commercialisé par Olympus en 1966, l’〈OLYMPUS PEN FT〉 est un appareil photographique reflex argentique demi-format. Il utilise de la pellicule 35 mm, mais enregistre chaque vue sur la moitié d’une image standard : une pellicule de 36 poses permet ainsi de réaliser environ 72 photographies.

Pourquoi j’ai choisi de revenir à l’argentique

Lorsque le prix des pellicules a commencé à augmenter, je me suis intéressé aux appareils demi-format. C’est ainsi que j’ai découvert l’〈OLYMPUS PEN FT〉. Aujourd’hui, il est devenu un fidèle compagnon.

J’ai grandi à une époque où photographier avec un appareil argentique allait de soi. Pourtant, lorsque j’ai commencé à m’intéresser véritablement à la photographie, mon premier appareil était numérique.

Sans même m’en rendre compte, mon ordinateur s’est rempli d’une quantité considérable de fichiers photographiques, et ma photothèque s’est retrouvée saturée de multiples prises de vue d’une même scène.
C’est alors qu’une question m’est venue : « Quelle était donc la photographie que je voulais réellement faire ? »

La commodité et les performances du numérique sont véritablement remarquables. Tout en le constatant, j’avais néanmoins le sentiment que cette pratique ne correspondait pas tout à fait à ma manière personnelle d’aborder la photographie.

Un temps limité qui rend la photographie singulière

Dans les rares moments que me laisse mon travail, le temps consacré à photographier sur pellicule — malgré les contraintes et le coût que cela implique — est devenu pour moi un temps à part.

L’attente jusqu’au développement, tout comme l’instant où l’on découvre un rendu inattendu, fait partie des plaisirs propres à l’argentique. Cette expérience, qui ne saurait se mesurer à la seule efficacité, m’a rappelé tout l’intérêt et toute la richesse de l’acte photographique.

C’est pour cela qu’au fond, j’aime toujours autant photographier sur pellicule.

Le monde tel que le révèle le PEN FT

J’aime profondément le monde que j’observe à travers le viseur de cet appareil. Son cadrage vertical découpe le paysage comme si l’on contemplait une affiche.

Une scène quotidienne en apparence anodine semble devenir légèrement singulière dès qu’elle passe par le viseur. Pour moi, cette sensation constitue l’un des charmes propres à cet appareil.

Son format, qui permet de l’emporter rapidement dès que l’envie de photographier se présente, est également très séduisant.
Le plaisir de régler l’ouverture et la mise au point au moyen de commandes simples, ainsi que l’avantage du demi-format, qui permet de doubler le nombre de vues sur une même pellicule : tous ces éléments correspondent parfaitement à ma pratique photographique.

Le paysage n’est pas seul à s’inscrire sur la pellicule

À mes yeux, une « bonne photographie » n’est pas nécessairement une image belle et parfaitement nette.
Il m’arrive que l’émotion provoque un léger flou de bougé ou que la mise au point manque un peu de précision. Mais cela aussi témoigne de ce que j’étais à cet instant.
De même que les larmes brouillent notre perception du paysage, une photographie peut elle aussi être légèrement floue. J’ai le sentiment qu’elle porte alors en elle jusqu’à l’émotion éprouvée au moment de la prise de vue.

En matière de commodité et de précision, cet appareil ne peut rivaliser avec les modèles contemporains. Si je continue néanmoins à le prendre en main, c’est parce qu’il me donne le sentiment de pouvoir accorder toute mon attention à chaque vue.

Parce que le nombre de poses est limité, chacune mérite d’être réalisée avec soin.
Parce que le temps est compté, il faut regarder pleinement le présent.

Ce qui s’inscrit sur la pellicule n’est peut-être pas seulement le paysage, mais aussi celui que j’étais, ému à cet instant précis.

yNAK

ressentir librement, argentique/numérique

cizucu : @ynak

Organisée par cizucu dans différentes villes du monde, photo poster project est une exposition d’affiches photographiques à laquelle il suffit de choisir une ville et une date pour participer.
Ce projet, que nous appelons ppp, est bien plus qu’une simple exposition photographique. C’est une communauté au sein de laquelle chacun peut partager son histoire en toute confiance, mais aussi une occasion de nouer, dans le monde réel, des liens avec des créateurs du monde entier.

Cette fois-ci, nous nous sommes entretenus avec 김찬호, créateur ayant participé à photo poster project.

Pouvez-vous vous présenter ?

Bonjour, je m’appelle 김찬호. Je dirige Cinema Seoul, une société de production spécialisée dans la photographie commerciale, et je documente en photographie et en vidéo des spectacles, des événements, des portraits et des mariages.
Lorsque je voyage en dehors de mon activité professionnelle, je dirige mon appareil vers les personnes et les monuments que je découvre sur place, ainsi que vers les instants qui m’inspirent spontanément.

J’affectionne tout particulièrement les contrastes dans lesquels un sujet de petite taille se détache sur un arrière-plan monumental.
Face à des moments véritablement exceptionnels, il m’arrive aussi de ne pas déclencher et de préférer les graver directement dans ma mémoire.

Qu’est-ce qui vous a incité à participer ?

Alors que je songeais justement à exposer mon travail, j’ai rencontré par hasard un membre de l’équipe organisatrice de photo poster project.
Je ne connaissais jusque-là ppp que de nom, grâce à Instagram. Après en avoir appris davantage et découvert qu’une édition allait précisément se tenir à Séoul, j’ai décidé d’y participer.

J’ai été séduit par la liberté du format : des débutants aux professionnels, tous peuvent exposer dans un même espace, échanger entre participants et même contribuer, s’ils le souhaitent, à la préparation de l’exposition.

Comment avez-vous vécu cette participation ?

Il s’agissait de ma première exposition, mais grâce à la grande expérience de l’équipe, j’ai pu trouver naturellement ma place sans rencontrer de difficulté particulière.

De nombreux visiteurs étaient présents dans l’espace d’exposition. J’ai été particulièrement marqué par l’attention avec laquelle ils ont écouté, jusqu’au bout, chaque créateur présenter son œuvre.

J’étais un peu nerveux au moment de prendre la parole, mais j’ai pris plaisir à parler de ma photographie devant le public.
Certaines personnes, intriguées, m’ont également posé des questions. Ce fut une expérience à la fois étonnante et passionnante.

Pourquoi avoir choisi cette œuvre en particulier ?

Voici l’œuvre que j’ai choisie pour cette édition.
Cette exposition marquait également, pour moi, le début de mon parcours artistique. C’est précisément pour cette raison que j’ai sélectionné la photographie qui revêt le plus de sens à mes yeux.

Il m’a fallu dix ans pour parvenir à réaliser cette photographie.
C’est aussi une œuvre que je souhaite absolument transmettre à une personne en particulier.

Je l’ai exposée avec l’espoir que cette personne puisse ressentir l’émotion de cet instant atteint au terme de dix années et accomplir la réussite à laquelle elle aspire.

À celles et ceux qui hésitent encore à participer à photo poster project

Pour ma part, j’aimerais participer de nouveau.
Le coût de participation est comparable à celui de l’impression d’une affiche, alors que l’expérience apporte infiniment davantage.

Si vous hésitez encore, je vous encourage à tenter l’expérience.

Même observée depuis un lieu identique, la Lune nous offre chaque soir un visage différent. Au-delà des transformations dues à ses phases, son association avec les paysages terrestres, les nuages ou les lumières de la ville permet d’inscrire un véritable récit dans une photographie.

Nous vous présentons ici différentes manières d’explorer la photographie lunaire sans vous limiter aux vues rapprochées, des astuces accessibles avec un smartphone aux réglages permettant de révéler toute son expressivité avec un appareil photo.

Observez ce ciel nocturne si familier et partez en quête de votre propre image de la Lune.

Ne pas faire de la Lune l’unique sujet principal

Lorsque l’on photographie la Lune, la tentation est grande de la cadrer en gros plan au téléobjectif. Pourtant, intégrer au premier plan des bâtiments, des arbres ou des silhouettes humaines enrichit l’image d’indications temporelles et géographiques.

Privilégiez l’heure bleue, juste après le coucher du soleil. Lorsque le ciel conserve encore une légère luminosité, il devient plus facile de photographier simultanément la Lune et le paysage urbain. Commencez par réaliser quelques prises de vue d’essai en variant la composition, puis comparez-les pour déterminer quelle position de la Lune produit l’effet le plus saisissant.

Même avec un smartphone, une légère réduction de l’exposition permet de maîtriser la luminosité de la Lune et d’obtenir une image riche en atmosphère.

Révéler les détails de la surface lunaire

Pour restituer les cratères et les reliefs ombrés de la surface lunaire, le téléobjectif s’impose. La Lune étant étonnamment lumineuse, elle risque d’être surexposée si vous la photographiez comme un paysage nocturne.
Commencez par choisir une faible sensibilité ISO et une vitesse d’obturation rapide, puis recherchez l’exposition qui préservera les motifs de la surface lunaire. Comme le flou de bougé est particulièrement visible au téléobjectif, l’utilisation d’un trépied et du retardateur est recommandée.

Ne vous limitez pas à la pleine lune : prêtez également attention aux demi-lunes et aux fins croissants. Lorsque la démarcation entre ombre et lumière est particulièrement nette, le relief de la surface lunaire se révèle avec davantage d’intensité.

Faire de la « Lune du jour » une œuvre

Tout l’intérêt de la photographie lunaire réside dans la possibilité de revisiter indéfiniment un même sujet. Plutôt que de rechercher chaque fois une composition identique, définissez un thème simple pour chaque séance : « aujourd’hui, j’intègre les nuages » ou « aujourd’hui, je l’associe aux lumières de la ville ».

Après la prise de vue, disposez vos photographies côte à côte afin d’observer comment les couleurs, la composition et la position de la Lune en transforment la perception. En partageant ensuite vos images de la Lune sur les réseaux sociaux ou au sein de communautés photographiques, vous découvrirez peut-être des perspectives auxquelles vous n’aviez pas songé.

Porter un regard légèrement différent sur un ciel nocturne familier peut ainsi devenir le point de départ de votre prochaine œuvre.

Le Photo Poster Project (ppp), organisé par cizucu dans le monde entier, permet de participer à une exposition d’affiches photographiques en publiant simplement une photographie sur cizucu, et d’y rencontrer d’autres photographes encore inconnus.

Les 18 et 19 octobre 2025, la toute première édition taïwanaise de ppp s’est tenue à « 濕地 | venue », à Taipei. Près d’un an s’est écoulé depuis cette journée. À Taipei, le nombre de participants et de membres de l’équipe qui se retrouvent chaque mois augmente progressivement, donnant naissance à un lieu où chacun peut revenir grâce à la photographie.

À travers un entretien réunissant JoJo, Rin et des membres de cizucu, nous revenons sur le lancement du projet à Taipei : comment ppp s’implante dans une ville, est transmis à une équipe locale, puis s’inscrit dans la durée. Nous retraçons la manière dont cizucu a noué des relations avec les créateurs participants, les galeries accueillant l’exposition, les publics venus découvrir les œuvres, ainsi que les équipes et partenaires qui en soutiennent l’organisation. Ce récit documente à la fois le dispositif et les liens qu’un dispositif ne peut, à lui seul, faire naître.

Participants à l’entretien
JoJo (responsable de Taipei)
Rin (fondateur du projet)
Rédaction de cizucu
Interprétation simultanée : Saki

Cap sur Taipei, un mois après l’édition coréenne

JoJo：

Rin：

JoJo：

Rin：

Créer des liens dans la ville à partir d’une photographie

JoJo：

Rin：

JoJo：

Rin：

Rin：

JoJo：

Rin：

La tension d’une organisation entièrement assurée par l’équipe locale

Rin：

JoJo：

Rin：

Un dispositif structuré, allié à la souplesse du terrain

Rin：

JoJo：

Rin：

Une équipe semblable à des amis que l’on retrouve chaque mois

Rin：

JoJo：

JoJo：

Rin：

Un sens de l’accueil cultivé à Tainan

Rédaction de cizucu：

JoJo：

Rin：

JoJo：

Rin：

À Taïwan, la photographie est devenue le point de départ du dialogue

JoJo：

Rin：

Rin：

Transmettre l’année vécue à Taipei aux prochaines villes

JoJo：

Rin：

Note de la rédaction

Un autre objectif consiste à multiplier, au-delà de la seule photographie, les espaces où chacun peut se dire : « C’est ici que j’ai ma place. »

Cette année à Taipei ne se résume pas au nombre d’éditions organisées. Elle laisse derrière elle une atmosphère dans laquelle les participants peuvent parler sereinement de leurs œuvres, des moments où les publics peuvent leur répondre, des relations permettant aux équipes de se concerter, ainsi que des liens avec les espaces d’exposition et les partenaires, grâce auxquels il devient possible d’imaginer ensemble les prochaines éditions.

Parce que les rencontres ont lieu dans un espace physique, le souvenir d’une œuvre devient aussi celui d’une rencontre humaine. À mesure que ces liens modestes s’accumulent, une communauté se développe, donnant envie de revenir ou, la prochaine fois, de contribuer à son organisation.

JoJo quitte ses fonctions de responsable de Taipei, mais ce qu’elle a construit avec l’équipe sera transmis à d’autres. Il y a un an, l’aventure ppp à Taipei débutait par un entretien à travers un écran. Désormais, avec les responsables et les équipes qui s’engageront dans d’autres villes, les galeries et espaces d’exposition qui ouvriront leurs portes, ainsi que les partenaires qui soutiendront l’initiative, nous continuerons à tisser des relations adaptées à chaque territoire.

Au cours de cette nouvelle année, un même dispositif continuera de faire naître des rencontres qui ne pourraient exister nulle part ailleurs que dans chacune de ces villes.

photo poster project

photo poster project est une exposition de posters photographiques à laquelle il suffit de choisir une ville et une date pour participer.

Ce projet, que nous appelons « ppp », est bien plus qu’une simple exposition photographique. C’est une communauté au sein de laquelle chacun peut partager son histoire en toute confiance, mais aussi une occasion de rencontrer, dans le monde réel, des créateurs venus du monde entier.

Nous vous proposons cette fois de découvrir l’événement photo poster project qui s’est tenu le samedi 29 août à la &vogue gallery, à Sapporo, sur l’île de Hokkaidō. Une lecture incontournable pour toutes celles et ceux qui souhaiteraient participer aux prochaines éditions de photo poster project organisées partout au Japon !

Qu’est-ce que photo poster project ?

Les occasions d’exposer ses œuvres photographiques ou de nouer des liens avec d’autres photographes sont rarement à portée de main. Organiser soi-même une exposition photographique demande par ailleurs beaucoup de temps et implique des coûts importants.

Pour répondre à ces difficultés, cizucu organise photo poster project.
Il vous suffit de choisir un lieu et une date, puis de publier votre photographie sur cizucu pour voir votre œuvre exposée en grand format A2. De nombreux photographes de la même région participent également au projet : vous pourriez ainsi rencontrer celles et ceux qui deviendront vos futurs compagnons de création.

Nul besoin de vous encombrer de préparatifs fastidieux tels que louer un espace, chercher un prestataire d’impression ou assurer l’accrochage. Il vous suffit de remplir le formulaire et de vous rendre sur place le jour de l’événement !

Retour en images sur l’événement

Dans les gares que nous traversons chaque jour sans y prêter attention se concentrent une multitude de récits : lumière, ombres, mouvements des voyageurs, temps de l’attente, séparations et rencontres. L’intérêt de la photographie en gare réside dans la métamorphose complète d’un même quai selon l’heure, les conditions météorologiques ou l’expression des passagers.

Avec un smartphone comme avec un appareil photo, il suffit de déplacer légèrement son regard pour qu’un « simple espace de transit » prenne des allures de scène cinématographique. En parcourant la gare, partez à la découverte du plaisir de photographier en faisant du hasard votre allié.

Les jeux d’ombre et de lumière, ou le visage cinématographique de la gare

Si l’intérieur d’une gare paraît si spectaculaire, c’est notamment grâce au croisement de la lumière artificielle et de la lumière naturelle. Les rayons obliques du matin pénétrant sur le quai, les ombres projetées au sol par l’éclairage d’une station souterraine, ou encore les contrastes qui surgissent à l’ouverture des portes d’un train : en prêtant attention à ces variations lumineuses, la gare familière devient soudain un véritable terrain photographique.

Vous pouvez également sous-exposer légèrement afin d’accentuer les zones lumineuses, ou utiliser le contre-jour pour transformer les personnages en silhouettes. Plutôt que de chercher d’emblée à « photographier quelqu’un », commencez par attendre qu’une personne entre dans la lumière. Retarder le déclenchement de quelques secondes seulement peut modifier radicalement la perception de l’œuvre.

Faire émerger des récits du flux des voyageurs

Dans une gare coexistent simultanément des temporalités multiples : celles des personnes pressées, immobiles, absorbées par leur smartphone ou attendant quelqu’un. À cela s’ajoutent les mouvements majeurs que sont l’arrivée et le départ des trains, ouvrant dans chaque photographie un espace qui invite à imaginer ce qui précède et ce qui suit la scène.

Lors de la prise de vue, s’attacher aux silhouettes, aux personnages vus de dos ou aux pas des voyageurs plutôt qu’à leur visage permet de saisir plus aisément des scènes spontanées. Autre méthode efficace : l’« observation en point fixe », qui consiste à photographier depuis le même endroit pendant seulement dix minutes. En comparant les instants où l’espace est désert, ceux où il se remplit et ceux où la lumière évolue, vous verrez apparaître le rythme propre au lieu.
Veillez toutefois au respect de la vie privée lorsque vous composez vos fragments du récit urbain.

Faire de « sa gare habituelle » un terrain photographique personnel

Nul besoin de se rendre sur un site touristique exceptionnel pour trouver un sujet photographique : il se trouve souvent à proximité. Dans la gare que vous fréquentez au quotidien, choisissez un thème unique pour votre déambulation — « seulement ce qui est bleu aujourd’hui », « uniquement les reflets » ou « rien que les formes circulaires ». En vous imposant une contrainte, vous découvrirez plus facilement de nouvelles compositions au sein d’un paysage pourtant familier.

Même les jours où vous n’avez pas votre appareil photo, consignez avec votre smartphone les lumières et les ombres qui retiennent votre attention : ces repérages pourront nourrir une prochaine prise de vue. Vous pouvez aussi ne retenir qu’une seule photographie et imaginer ce qui s’est produit avant et après cet instant.

Trouver son propre récit dans ce décor quotidien qu’est la gare : c’est précisément cette légère inflexion du regard qui ouvre la voie à une pratique photographique plus libre.

Photo Poster Project, organisé par cizucu dans le monde entier, permet de participer à une exposition de posters photographiques simplement en publiant une photographie sur cizucu, mais aussi de rencontrer d’autres photographes que l’on n’aurait peut-être jamais croisés autrement.

À Taipei, à Taïwan, JoJo a été l’un des piliers de cette aventure. En tant que responsable locale, elle a assuré la coordination des événements, les échanges avec les participants, la constitution de l’équipe sur place et jusqu’à l’atmosphère de l’espace d’exposition. Au-delà de la gestion visible du projet, elle a multiplié les attentions afin que participants et membres de l’équipe puissent s’y investir en toute confiance.

À l’occasion de son départ et de la fin de sa mission, cet article revient sur le parcours de JoJo au sein de ppp à Taïwan. Son dialogue avec Rin, fondateur du projet, retrace non seulement l’expérience d’une responsable, mais raconte aussi comment s’est construit un espace où personnes et œuvres se rencontrent par l’intermédiaire de la photographie.

Participants à l’entretien
JoJo (responsable de Taipei)
Rin (fondateur du projet)
Rédaction de cizucu
Interprétation simultanée : Saki

Le ppp de Taipei créé de toutes pièces : un entretien de recrutement commencé par la crainte d’une « arnaque »

Rédaction de cizucu：

JoJo：

Rédaction de cizucu：

Rin：

Ce premier jour où les larmes ont coulé

Rédaction de cizucu：

JoJo：

JoJo：

Rédaction de cizucu：

JoJo：

Rédaction de cizucu：

JoJo：

Ce qu’une participante de quatre ans nous a appris

Rédaction de cizucu：

JoJo：

Rédaction de cizucu：

JoJo：

Faire grandir un espace où chacun peut demander conseil

Rédaction de cizucu：

JoJo：

Rin：

Rédaction de cizucu：

JoJo：

JoJo：

Un espace de dialogue en toute confiance, où la diversité des photographies fait toute la richesse

Rédaction de cizucu：

JoJo：

Rédaction de cizucu：

JoJo：

JoJo：

Après les larmes, ma propre vision du rôle de responsable

Rédaction de cizucu：

JoJo：

JoJo：

Rédaction de cizucu：

JoJo：

Pour JoJo : les messages d’affection de celles et ceux qui ont construit ppp à Taïwan à ses côtés

Saki：

Nous présentons maintenant les messages adressés par celles et ceux qui ont construit ppp à Taïwan aux côtés de JoJo. Tous expriment une même idée : JoJo ne s’est pas contentée d’assurer l’organisation ; elle a créé une atmosphère rassurante.

Saki：

洪玉庭（Hazel）：

阿賢：

Hsu Tai：

Ben Lee：

郭媛婷：

阿森：

Julia Chou：

Le relais transmis par JoJo

Rin：

Le parcours de JoJo au sein de cizucu marque ici une étape, mais les relations nées à Taipei et les paroles laissées par les participants continueront, nous en sommes certains, à vivre.

Plus qu’une fin, ce départ ressemble peut-être à un passage de relais. L’espace chaleureux que JoJo a cultivé à Taipei continuera de relier la photographie et les personnes en passant entre de nouvelles mains.

JoJo se rendra prochainement à Londres pour étudier l’art-thérapie. Ce séjour d’études constitue également une étape destinée à prolonger son parcours de photographe vers une pratique attentive aux émotions et à la compréhension de soi par l’intermédiaire de la photographie. Sur place, elle prépare une exposition consacrée à l’art-thérapie et réfléchit à la manière de l’associer à la photographie.

À l’avenir, elle souhaite accompagner les personnes et leur apporter un apaisement grâce à des médiums artistiques tels que la photographie. Comment l’expérience acquise au ppp de Taipei — écouter la voix de l’autre et créer un espace où chacun peut s’exprimer en toute confiance — se traduira-t-elle en de nouvelles pratiques ? Puisque cizucu organise également ppp à Londres, nous espérons pouvoir un jour créer de nouveau un même espace avec JoJo, sous une forme inédite. Le temps passé chez cizucu et le cercle communautaire qui y est né continueront de se déployer.

« Read Your Photography » porte son regard sur les « récits » qui se cachent derrière les photographies et que la seule contemplation ne suffit pas à révéler. À travers les œuvres réunies dans le cadre du photo poster project organisé par cizucu et sur les réseaux sociaux, le magazine cizucu traduit en 12 langues le contexte dans lequel chaque image est née ainsi que le temps singulier de son auteur, afin de les partager avec le monde entier.

Garder une histoire en soi est un choix. Pourtant, cette émotion pourrait toucher silencieusement quelqu’un et faire naître un émerveillement encore inconnu.

Nous vous présentons cette fois les œuvres de trois artistes venus du monde entier.
Entrons délicatement dans ces récits uniques.

L’histoire de 林大哀

林大哀

📚 01

C’était en 2007, lorsque j’étais à l’université. L’après-midi suivant une nuit blanche passée avec des amis, je me suis réveillé et j’ai aperçu ma chatte Xiaokui, assise près de la fenêtre.
Mais ce jour-là, elle ne regardait pas dehors comme à son habitude. Elle fixait intensément l’armoire. Sans savoir pourquoi, cette scène anodine m’a touché et j’ai instinctivement déclenché.
Juste après la prise de vue, elle a bondi sur le dessus de l’armoire.

Il ne s’était rien passé de particulier. Pour la personne que j’étais alors, ce n’était qu’un après-midi ordinaire. Pourtant, chaque fois que je triais mes photographies, celle-ci demeurait toujours auprès de moi.
Elle semble avoir conservé jusqu’à l’atmosphère de ces années universitaires : dormir jusqu’à l’après-midi, passer simplement du temps avec mes amis, sans être accaparé par le travail ni par les obligations du lendemain. Des journées libres, décousues, dont l’air même paraît subsister dans cette photographie.
Aujourd’hui, elle me révèle combien cet après-midi était précieux.

La rédaction de cizucu
La silhouette d’un chat assis près d’une fenêtre. Rien d’exceptionnel ne se déroule dans le cadre, seulement un instant de calme survenu au cœur du quotidien. Pourtant, lorsqu’on y revient après le passage du temps, cette photographie cesse d’être un simple document. Dormir jusqu’à l’après-midi, être avec ses amis, vivre sans trop penser au lendemain : la photographie restitue doucement jusqu’à l’atmosphère et aux émotions que l’on croyait oubliées. Une œuvre qui donne à ressentir cet étrange pouvoir de l’image photographique.

L’histoire de Shih Hsun Chao

Shih Hsun Chao

📷 Canon EOS R1
📚 02

Je voulais photographier à Taipei un paysage un peu singulier. C’est avec cette intention que j’ai commencé à parcourir la ville.
Au fil des prises de vue, ce qui retenait mon regard s’est progressivement transformé : les choses isolées, à l’écart des gens ; celles qui changent de forme dans la ville et semblent vouées à disparaître un jour. Je me suis naturellement laissé attirer par de tels paysages.

Dans la zone panoramique de Bitan, à Xindian, où cette photographie a été réalisée, les pédalos en forme de cygne sont soulevés par une grue et mis à l’abri chaque fois qu’un typhon approche.
J’ai grandi ici et j’ai vu ce lieu aussi bien à son apogée que tout au long de sa lente transformation. C’est sans doute pour cela que ce pédalo suspendu dans les airs m’est apparu comme un être arraché à la surface de l’eau, son milieu naturel.

En réalité, ce n’est qu’un objet fabriqué. Et pourtant, sa silhouette avait quelque chose d’un être vivant, comme si elle formulait silencieusement une supplique.

La rédaction de cizucu
Un pédalo en forme de cygne, non pas posé sur l’eau, mais suspendu dans les airs. Cette scène légèrement insolite porte en elle le trouble silencieux propre aux choses soustraites à leur quotidien. Pour Shih Hsun Chao, ce paysage est familier depuis l’enfance. Voilà peut-être pourquoi la vision de ces embarcations mises à l’abri avant le typhon ne se réduit pas à une simple opération technique, mais se superpose aux mutations de la ville et à ses souvenirs. Hors de l’endroit auquel il appartient, un objet manufacturé en vient à ressembler à un être vivant. Cette photographie recueille la petite solitude enfouie au sein d’un paysage familier.

L’histoire de neo_gg

neo_gg

📷 Panasonic LUMIX G8
📚 03

Cette photographie représente le « lancer de l’éventail », une coutume propre aux mariages taïwanais.
Au moment de partir, la mariée jette un éventail par la fenêtre, geste qui symbolise l’abandon du passé et son engagement à devenir désormais une épouse bienveillante.

Les mariés sont des amis de longue date, et cette cérémonie fastueuse était aussi, d’une certaine façon, destinée aux aînés de leurs familles.
Après le travail, mes amis ont multiplié les préparatifs pendant plus de six mois.
En tant que garçon d’honneur, j’ai documenté ce mariage depuis une perspective délibérément subjective, partagé entre la colère, l’aversion et le désir de faire quelque chose pour mes amis.

Il faut dire que je suis mal à l’aise avec le « rituel » du mariage. Pourtant, il recelait indéniablement de belles choses : le lien qui unit les deux personnes, l’éclat du voile, ou encore la mariée s’efforçant de rester belle au milieu de l’agitation.

Je voulais tout documenter : ce qui me dérange autant que ce que j’aime. Ces photographies sont très subjectives et chargées d’émotion, mais c’était la seule chose que je pouvais faire. De toutes, celle-ci est la plus ironique, la plus intense émotionnellement et, pour moi, la plus chaleureuse. J’espère qu’elle plaira également aux mariés.

La rédaction de cizucu
Bien qu’elle ait été réalisée dans le cadre festif d’un mariage, cette photographie est traversée par une certaine tension. Une main tendue hors de la fenêtre, une bague, un éventail serré entre les doigts : cet instant semble enregistrer non seulement la beauté du rituel, mais aussi les émotions complexes de son auteur. Plutôt que de tenir à distance ce qu’il ne parvient pas à aimer, il choisit d’en observer à la fois la beauté et l’étrangeté. C’est ce regard qui confère à l’image toute son intensité sensible.

Pour conclure

Qu’avez-vous pensé de ces récits ?
Nous souhaitons porter notre attention sur ce que l’image seule ne suffit pas à raconter. « Read Your Photography » est une série qui explore les pensées et les émotions situées au-delà de la photographie, afin de les recevoir comme un récit à part entière.

Ce qui apparaît dans l’image ne dure qu’un instant. Mais derrière cet instant s’écoulent un temps bien réel et des émotions qui n’ont jamais trouvé leurs mots.

Nous vous invitons à les découvrir comme on lit une photographie et comme on tourne les pages d’un livre.

Comment participer

Sur le compte Threads de cizucu, un « thème photographique » est publié à l’improviste.
Il vous suffit d’y répondre avec « votre photographie » correspondant au thème.

Une seule condition pour participer : suivre les réseaux sociaux de cizucu 💙
Parmi les œuvres soumises,
les artistes sélectionnés recevront un message de la rédaction de cizucu !

« Read Your Photography » présente également des œuvres exposées dans le cadre du photo poster project (ppp), organisé par cizucu.

Le ppp se déroule peut-être aussi dans votre pays. Partout dans le monde se multiplient aujourd’hui les rencontres rendues possibles par une passion commune : la photographie.

Threads, le réseau social centré sur le texte proposé par Meta, accueille chaque jour d’innombrables expressions créatives publiées depuis le monde entier.

« find new pieces » est un projet de découverte qui repère, parmi les innombrables œuvres publiées sur Threads, des créations révélant un talent remarquable et en présente toute la richesse dans le magazine. Chaque édition propose un thème et rassemble des œuvres venues du monde entier afin de faire émerger des talents encore inconnus — les « new pieces ».

Comment participer

Sur le compte Threads de cizucu, un « thème photographique » est publié à l’improviste.
Il vous suffit d’y répondre avec « votre image » correspondant au thème.

Une seule condition pour participer : suivre les réseaux sociaux de cizucu 💙
Parmi les œuvres soumises,
les artistes sélectionnés recevront un message de la rédaction de cizucu !

Cette fois, nous vous présentons neuf œuvres sélectionnées parmi les innombrables soumissions reçues du monde entier.
Découvrons sans plus attendre ces remarquables créations, chacune animée par une sensibilité et un regard singuliers.

« peace »

Les paysages que fait naître le mot « peace » diffèrent pour chacun d’entre nous.
La lumière paisible d’un matin, un instant ordinaire passé avec quelqu’un, un ciel contemplé comme dans une prière.

La paix est à la fois un vaste idéal qui semble lointain
et une sensation ténue qui respire discrètement au cœur de notre quotidien.

La photographie peut recueillir les signes presque imperceptibles de sa présence.
Une douceur qui précède les mots, un instant que l’on voudrait préserver, un moment où le cœur s’emplit silencieusement.

Montrez-nous la forme que prend « peace » à vos yeux.

new pieces

Fred

📷 SONY a7 V
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La rédaction de cizucu
Un oiseau traverse librement l’immensité du ciel tandis que des statues se tiennent silencieusement côte à côte. Ce contraste semble suspendre un instant le cours du temps. La lumière qui se fond dans le bleu pâle du ciel et la douceur des nuages évoquent non seulement la quiétude, mais aussi la sensation d’une liberté capable de prendre son envol sans entrave. « peace » serait peut-être cet espace ouvert où le cœur se dénoue dès que l’on lève les yeux vers le ciel.

Jon Jerryl

💙 02

La rédaction de cizucu
Cette silhouette vue de dos, immobile au bord du lac au crépuscule, semble enlacer avec délicatesse un temps sans paroles. La surface frémissante de l’eau, le ciel orangé et les silhouettes des branches se superposent, insufflant une respiration profonde à l’ensemble de l’image. Il ne s’agit pas ici de partager quelque chose avec autrui, mais de revenir silencieusement en soi. C’est cette forme de « peace » que nous avons ressentie.

Jonashessing

💙 03

La rédaction de cizucu
Dans cette ruelle entourée de fleurs multicolores, deux personnes partagent un moment empreint de sérénité. La lumière intense et les ombres profondes, l’éclat des fleurs artificielles et ces figures assises au cœur du quotidien se superposent pour révéler la petite paix qui respire dans un recoin de la ville. Même au milieu de l’agitation, il existe un endroit où quelqu’un peut se sentir en sécurité et reprendre son souffle. Cette œuvre nous transmet avec douceur cette sensation.

Kai Kim

💙 04

La rédaction de cizucu
Dans ce paysage de savane observé depuis l’intérieur d’un véhicule, la présence de pieds au premier plan apporte une note d’humour persistante. Un animal minuscule au loin, l’immensité du ciel, les nuages qui défilent : le contraste entre cette grandeur et un geste si quotidien fait naître une sensation de paix décontractée. L’œuvre communique le bien-être que l’on éprouve à simplement s’abandonner face à l’immensité du monde.

Kaizo

💙 05

La rédaction de cizucu
La lumière qui pénètre sous l’eau semble scintiller au plus profond de la mémoire. Cette composition, faite uniquement de particules bleues et blanches aux contours indéfinis, donne la sensation que les sons s’éloignent et que le corps relâche ses tensions. Plutôt que de représenter quelque chose, elle recueille la sensation elle-même. Une très belle expression de « peace », envisagée comme une « flottaison silencieuse ».

Alex

📷 FUJICA X-M5
💙 06

La rédaction de cizucu
Les deux personnes assises au bord de la mer sont délicatement enveloppées par le flou d’une figure au premier plan. La surface de l’eau teintée par le couchant ondule légèrement, comme si elle éclairait aussi la distance et les silences entre les êtres. En renonçant à une mise au point parfaite, l’image conserve la chaleur d’un souvenir. « peace » réside aussi dans le temps passé à simplement être auprès de quelqu’un.

Kamil

📷 Xiaomi Leitzphone powered by Xiaomi
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La rédaction de cizucu
Le geste d’enlacer un chien et l’espace ouvert du rivage qui se déploie au-delà composent un instant intime et serein. Le noir et blanc fait émerger avec d’autant plus de délicatesse le pelage, le vent et la chaleur d’une joue posée contre l’animal. Avoir près de soi un être que l’on souhaite protéger : cette certitude suffit à rendre le monde un peu plus doux, comme nous le rappelle cette œuvre.

potatorinnie

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La rédaction de cizucu
Éclairées par le soleil couchant, plusieurs personnes vivent chacune leur propre moment au pied d’un monument. Dans cet espace ouvert sur les montagnes se côtoient des figures qui conversent, contemplent le ciel ou restent tranquillement assises, faisant émerger avec douceur un après-midi ordinaire en voyage. Peut-être que « peace » réside aussi dans ces instants où, réunis en un même lieu, chacun peut avancer à son propre rythme.

shane

📷 RICOH GR III HDF
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La rédaction de cizucu
Au-dessus de nous, l’entrelacement des arbres semble former une seule et ample respiration sous la lumière. Les courbes des branches, les nuances du feuillage et la clarté qui s’ouvre vers le ciel se mêlent, ravivant le sentiment de sécurité éprouvé au contact de la nature. Prendre le temps de simplement lever les yeux, sans que personne ne nous presse : peut-être est-ce par un geste aussi infime que commence « peace ».

Pour conclure

Qu’en avez-vous pensé ?

Le thème « peace » est à la fois immense et profondément personnel. Les œuvres reçues nous ont transmis des paysages sereins, des regards bienveillants, l’attention portée à autrui ainsi que ces petits instants d’apaisement qui habitent le quotidien.

Découvrir des talents encore inconnus — les « new pieces » — constitue précisément la mission que nous souhaitons accomplir à travers ce projet. Nous espérons que celui-ci permettra à votre expression artistique de toucher un public toujours plus large.


Nous vous donnons rendez-vous pour découvrir le prochain thème.
En attendant, suivez cizucu sur ses différents réseaux sociaux 💙

photo poster project

photo poster project est une exposition de posters photographiques à laquelle il suffit de choisir une ville et une date pour participer.

Ce projet, que nous appelons « ppp », est bien plus qu’une simple exposition photographique. C’est une communauté au sein de laquelle chacun peut partager son histoire en toute confiance, mais aussi une occasion de rencontrer, dans le monde réel, des créateurs venus du monde entier.

Nous vous proposons ici de revivre la journée du photo poster project organisé le dimanche 23 août à 어티피컬 / Atypical Gallery, dans l’arrondissement de Yongsan à Séoul. Une lecture incontournable pour toutes celles et ceux qui souhaitent participer aux prochaines éditions de photo poster project organisées à travers le pays !

Qu’est-ce que photo poster project ?

Les occasions d’exposer ses œuvres photographiques ou de nouer des liens avec d’autres photographes ne sont pas toujours faciles à trouver. Organiser soi-même une exposition photographique demande en outre beaucoup de temps et implique des coûts importants.

Pour répondre à ces difficultés, cizucu organise photo poster project.
Il vous suffit de choisir un lieu et une date, puis de publier votre photographie sur cizucu pour exposer votre œuvre en grand format A2. Comme de nombreux photographes de la même région participent également au projet, vous pourriez bien y rencontrer vos futurs compagnons de création.

Nul besoin de vous soucier des préparatifs fastidieux tels que la location d’un espace, la recherche d’un atelier d’impression ou l’installation de l’exposition. Il vous suffit de remplir le formulaire et de vous rendre sur place le jour de l’événement !

Retour en images sur la journée

On the Way Home

« On the Way Home » est un concours international de photographie en ligne organisé par cizucu et ouvert à tous les créateurs inscrits sur la plateforme. Il vise à assurer la curation d’œuvres remarquables parmi les soumissions, à révéler de nouveaux talents en tant que plateforme et à les accompagner en tant que communauté.

Cette édition a pour thème le chemin du retour.

À la fin de la journée, chacun regagne le lieu qui est le sien.
Un quai de gare baigné par le crépuscule. Les lumières de la ville défilant derrière la vitre d’un train. Le temps passé à marcher aux côtés de quelqu’un, ou ce détour que l’on choisit de faire seul.
Même un itinéraire familier révèle un paysage légèrement différent selon la lumière, le temps qu’il fait ou notre disposition intérieure. Sur le chemin du retour demeurent silencieusement l’écho de la journée, les signes de la saison et des émotions qui n’ont pas encore trouvé leurs mots.

Le chemin vers la maison, le retour d’un voyage, la route empruntée après avoir quitté quelqu’un : photographiez les paysages rencontrés en rentrant ainsi que les récits qui vous ont marqué.

Inspirations

Shou
Sur le chemin du retour

Rédaction de cizucu
Avec le soleil couchant en arrière-plan, la silhouette d’une personne tirant un chariot et celle d’un enfant accourant restituent l’atmosphère d’un moment passé à regagner la maison. L’immensité du ciel orangé et la légèreté des pas font également ressentir une joie qui semble vouloir retenir encore un peu la fin de la journée. Un trajet anodin paraît ici se métamorphoser en un instant privilégié, destiné à s’inscrire dans la mémoire familiale.

Yukihiro
Instantané de Kyoto

Rédaction de cizucu
Les personnes réunies devant une boutique de plats à emporter et celles qui passent d’un pas pressé composent le rythme de la ville en fin de journée. Les ombres qui s’étirent et les contours légèrement diffus suggèrent le mouvement de celles et ceux qui, leurs achats terminés, regagnent leurs lieux respectifs. Une œuvre imprégnée des gestes de la vie quotidienne.

月うさぎ | Runa
Un mot laissé par ma mère. Depuis que j’ai quitté ma région natale, je ne rentre qu’une fois par an. C’est peut-être parce que j’ai aussi moins souvent l’occasion de voir son écriture. J’ai senti les larmes me monter aux yeux.

📷 FUJIFILM X-T4

Rédaction de cizucu
Dans ce bref mot laissé sur la table se superposent silencieusement le temps et la distance qui séparent les membres d’une famille vivant loin les uns des autres. Même de simples indications sur l’endroit où se trouvent les clés semblent, lorsqu’elles sont manuscrites, faire entendre la voix et l’attention de la famille présente en ces lieux. Cette œuvre révèle la tendresse d’un quotidien familier dont on reprend pleinement conscience en rentrant chez soi.

えみ
Sur le chemin du retour depuis l’université.
C’était si beau que j’ai bien failli manquer le train qui devait m’emmener à mon travail à temps partiel.

Rédaction de cizucu
Les rayons rasants du soleil couchant parent la rue d’une lumière dorée et allongent l’ombre d’un cycliste. Pendant quelques minutes seulement, un chemin familier dévoile un autre visage, éveillant l’envie irrépressible de s’arrêter. Cette œuvre, propre à l’expérience du retour, saisit sans la laisser échapper la beauté rencontrée alors que l’on se hâte vers son prochain rendez-vous.

Aya
Sur le chemin du retour

📷 FUJIFILM X100V

Rédaction de cizucu
La lumière du soir qui pénètre dans l’habitacle éclaire délicatement les joues et les cheveux d’un enfant endormi. Son expression abandonnée au bercement du trajet laisse transparaître la plénitude d’une journée passée à jouer jusqu’à l’épuisement. Une œuvre qui conserve, avec un regard empreint de chaleur, ce moment de quiétude propre au chemin du retour.

Masato Kawabata
Taika attend le retour

Rédaction de cizucu
La silhouette de ce chien attendant le retour de quelqu’un traduit l’écoulement silencieux du temps. Au-delà de son regard se devine la présence d’une famille qui n’apparaît pas encore dans le cadre, prolongeant ainsi le récit hors de l’image. Le choix de saisir le « chemin du retour » non pas du point de vue de la personne qui rentre, mais de celle qui attend, est particulièrement marquant.

Informations sur le concours

【Période du concours】
Du samedi 5 septembre 2026 au dimanche 4 octobre 2026

【Annonce des lauréats】
Aux alentours du mercredi 14 octobre 2026

【Prix】
Une participation gratuite au « photo poster project » organisé par cizucu (pour 2 personnes)

【Modalités de soumission】
・Sélectionnez le concours « On the Way Home »
・Appuyez sur « Publier en acceptant le règlement de soumission »
・Sélectionnez le contenu de votre publication et soumettez votre œuvre

【Critères du jury】
(1) Pertinence thématique : l’œuvre répond-elle à la mission énoncée ?
(2) Force du sujet : le propos de la photographie et l’intention du photographe sont-ils perceptibles ?
(3) Qualité expressive : l’œuvre témoigne-t-elle d’une maîtrise du point de vue, de la composition, de l’équilibre, de la mise au point et de la couleur ?
(4) Saisie de l’instant : le déclenchement et le moment choisis rendent-ils pleinement compte du sujet photographié ?
(5) Originalité : le lieu de prise de vue, le sujet ou d’autres éléments font-ils l’objet d’une approche singulière ?

Introduction

« Found, After Years » est un concours international de photographie en ligne organisé par cizucu. Il est ouvert à tous les créateurs inscrits sur cizucu. Son objectif est de proposer une sélection curatoriale des œuvres les plus remarquables parmi les soumissions, de révéler de nouveaux talents par l’intermédiaire de la plateforme et de soutenir les créateurs au sein de la communauté.

Le thème de cette édition était « Found, After Years ».

Une photographie acquiert parfois davantage de sens lorsqu’on la redécouvre que lorsqu’on la prend. Même si ce qu’elle représente demeure identique, notre perception d’une époque évolue au fil du temps. Une bonne photographie est peut-être précisément une œuvre dont le sens se transforme à chaque nouveau regard.

Non pas une image nouvellement réalisée, mais une photographie assoupie au fond d’un dossier, conservée dans un album de famille ou un ancien appareil, puis retrouvée fortuitement après des années. Cette édition a, elle aussi, réuni des œuvres qui remettent en lumière ces mémoires photographiques.

Découvrons à présent les œuvres soumises et les œuvres lauréates.

Œuvres soumises

Jim SUEHIRO
Il s’agit d’une classe de première année d’école primaire photographiée en 2012. Une petite fille affiche un sourire plein d’assurance et fait le signe de la victoire. Un instant de rencontre par l’intermédiaire de l’appareil.
Cette image me rappelle combien l’appréciation d’une photographie varie selon chacun et ne repose pas uniquement sur des considérations techniques comme l’exposition ou la composition, encore moins sur le nombre de pixels ou les performances de l’appareil.
Je suis profondément heureux que cette photographie documentaire prise lors d’une journée portes ouvertes ait mûri pendant quatorze ans avec mes souvenirs et puisse aujourd’hui être présentée comme une œuvre.

Rédaction de cizucu
Quatorze années se sont écoulées depuis. Quel adulte est devenu l’enfant de première année que l’on voit sur cette photographie ? Avec le temps, cette image documentaire d’une journée portes ouvertes s’affirme désormais comme une œuvre à part entière. C’est précisément le genre de photographie qu’on aimerait ne pas laisser enfouie dans un iPhone, mais imprimer et glisser entre les pages d’un livre en guise de marque-page.

Kohki Kanai

Rédaction de cizucu
Dans un avion, préférez-vous le côté couloir ou le côté hublot ? Sans doute beaucoup répondraient-ils le hublot. Le paysage contemplé depuis cette altitude constitue peut-être l’un des plus grands plaisirs du voyage.
Kohki s’approprie magistralement cette sensation du regard porté au-dehors grâce à un appareil argentique doté d’un horodateur. Derrière les chiffres imprimés sur l’image, le voyage de ce jour-là continue certainement de se rejouer en silence.

lifeOfGai
Ma toute première photographie préférée, prise lorsque j’ai commencé la photographie il y a trois ans.

Rédaction de cizucu
Une image que l’on aurait spontanément envie de saluer comme l’incarnation même d’une photographie « maladroite mais réussie ».
Le sujet a-t-il conscience d’être photographié ou non ? L’ambiguïté de ce regard apporte une note d’humour, tandis que le naturel avec lequel cette scène fugitive est saisie exprime tout le charme de la photographie instantanée. Lorsque vous avez l’impression de ne plus parvenir à faire de bonnes images, revenez à une photographie ancienne comme celle-ci et retrouvez ce petit sourire qu’elle fait naître.

박효구
Film, 1993

Rédaction de cizucu
S’agit-il d’une reconstitution ou d’une photographie réellement prise en 1993 ? Un couple dont les visages demeurent invisibles, une composition empreinte d’un raffinement presque contemporain. Pourtant, la palette chromatique et la texture de l’image, et surtout la coupe de la robe de mariée, racontent silencieusement leur époque.
Avant même d’en connaître la réponse, cette photographie ouvre tout un espace à l’imaginaire.

Yukihiro
La Sagrada Família, photographiée il y a environ vingt-cinq ans.

Rédaction de cizucu
La Sagrada Família !
Étape presque incontournable d’un voyage en sac à dos à travers l’Europe, elle n’en demeure pas moins un lieu que chacun découvre à une période différente. À première vue, toutes les images semblent montrer le même édifice ; en réalité, chacune révèle la Sagrada Família dans un état d’inachèvement propre à son époque.
[FACT CHECK REQUIRED] La plus haute, la « tour de Jésus-Christ », a été achevée en juin 2026, année marquant le centenaire de la mort de son architecte, Gaudí. L’achèvement de l’ensemble de l’édifice, notamment de la façade de la Gloire et de ses ornements, est toutefois prévu vers le milieu des années 2030, aux alentours de 2034 ou 2035.
« À cette époque, tu sais, la Sagrada Família n’était pas encore achevée. » Pour celles et ceux qui rêvent de raconter un jour cette histoire à leurs petits-enfants, le moment est idéal pour la visiter.

Œuvres lauréates

wayfarer0915
Manteau rouge, écharpe blanche, debout sous un arbre lumineux dans le Tokyo de 1987 — les lumières se brouillent comme des promesses oubliées, la nuit engloutit tout entière la scène. Elle ne pose pas ; elle attend que le temps la rattrape.

Rédaction de cizucu
Noël, un manteau rouge, Tokyo en 1987. Même si l’on souhaite revenir à cette époque, seules les apparitions fugitives de la mémoire nous restent accessibles : il est impossible d’y retourner véritablement. C’est précisément pour cette raison que les qualités qui nous avaient échappé alors se révèlent aujourd’hui en silence.
Une œuvre qui répond avec une remarquable justesse au thème « Found, After Years ».

ノスタルジックパトロール
Depuis ma naissance, ma grande sœur a toujours veillé sur moi. Même après plus de trente-cinq ans, je me dis que la famille, c’est vraiment précieux.

Rédaction de cizucu
Une photographie dont on perçoit immédiatement qu’elle a été extraite d’un album de famille. Le mot « Shōwa » tracé à la main, les marques laissées par le crayon.
Chacun de ces détails conserve la présence de la personne qui a pris la photographie, de celle qui l’a classée, puis de celle qui l’a redécouverte au fil du temps. On ressent ainsi tout le chemin parcouru par cette image avant de parvenir jusqu’à nous aujourd’hui.

Conclusion

Qu’avez-vous pensé de cette sélection ?
« Found, After Years » a réuni de nombreuses œuvres empreintes de cette force tranquille et de cette nostalgie propres aux photographies redécouvertes après le passage du temps.

Une photographie ne s’accomplit pas uniquement au moment de sa prise de vue. La revisiter des années plus tard permet parfois de renouer avec des émotions alors inaperçues et de redécouvrir le sens qu’elle portait déjà.
Nous espérons que ce concours aura offert à chacun l’occasion de prendre ce « temps du regard rétrospectif ».

De temps à autre, reposez l’appareil et parcourez de nouveau vos dossiers photographiques. Cette pause vous aidera certainement à avancer vers votre prochaine image.
Merci pour vos très nombreuses soumissions.

De nombreuses années se sont écoulées depuis l’arrivée des différents fabricants d’appareils photo sur le marché des montures hybrides. Après le développement, en 2008, des premiers appareils hybrides à monture Micro Four Thirds, Sony a lancé sa monture E en 2010, puis Fujifilm sa monture X en 2012.

Canon et Nikon ont à leur tour investi le marché des appareils hybrides en 2018, et l’association entre appareil à objectifs interchangeables et technologie hybride s’est depuis durablement imposée.
Avec le temps écoulé depuis l’apparition de chaque monture, le renouvellement générationnel touche désormais non seulement les boîtiers, mais aussi les objectifs. L’émergence de ce que l’on appelle les « objectifs de deuxième génération » en constitue l’un des signes les plus emblématiques.

Qu’est-ce qu’un « objectif de deuxième génération » ?

Les caractéristiques d’un objectif sont généralement définies par trois éléments : sa monture, sa distance focale et son ouverture maximale.
Lorsqu’un fabricant commercialise un nouveau modèle reprenant ces mêmes caractéristiques, celui-ci est couramment qualifié d’« objectif de deuxième génération ».

Dans l’écosystème de la monture X, par exemple, certains modèles affichent explicitement cette évolution dans leur dénomination, à l’image du 〈XF 16-55mm F2.8 R LM WR II〉. D’autres, comme le 〈XF 33mm F1.4 R LM WR〉, n’intègrent pas la mention « II » dans leur nom, mais constituent néanmoins, dans les faits, de véritables successeurs.

Des objectifs de deuxième génération portés par les progrès technologiques

La plupart des objectifs lancés en tant que modèles de deuxième génération arrivent sur le marché avec des qualités photographiques sensiblement renforcées. Cette évolution témoigne des avancées constantes de l’ingénierie optique, mais aussi de celles des matériaux, des moteurs de mise au point et des différents composants périphériques.

Autrefois, la combinaison des lentilles reposait largement sur l’intuition et l’expérience des artisans opticiens. Aujourd’hui, il est possible de confronter sur ordinateur un très grand nombre de configurations simulées et d’identifier rapidement la formule optique la plus pertinente.
Ces méthodes ont notamment favorisé l’emploi de lentilles asphériques, longtemps délicates à maîtriser, permettant ainsi de mieux corriger les aberrations sphériques tout en allégeant les objectifs.

Faut-il systématiquement acheter un objectif de deuxième génération ?

Grâce aux progrès technologiques qui améliorent leurs performances, les objectifs de deuxième génération représentent une option particulièrement séduisante pour de nombreux utilisateurs. 

Parmi les évolutions les plus fréquentes figurent une conception plus compacte et plus légère, un pouvoir de résolution accru, de meilleures performances en prise de vue rapprochée ainsi qu’une résistance renforcée à la poussière et à l’humidité. Pour les créateurs qui possèdent déjà un objectif de première génération, l’envie d’adopter immédiatement le nouveau modèle peut être forte, abstraction faite de la question budgétaire.

Dans la pratique, toutefois, les objectifs de deuxième génération sont presque toujours plus onéreux que leurs prédécesseurs. Il convient également de tenir compte de la baisse généralement rapide de la valeur de revente des modèles de première génération.

Selon les performances de votre boîtier et votre manière de photographier, acquérir à moindre coût un objectif de première génération sur le marché de l’occasion peut au contraire constituer une solution judicieuse. L’essentiel est de comparer attentivement les caractéristiques techniques aux besoins réels de sa pratique.

La lune ne manifeste pas seulement sa présence lorsqu’elle trône haut dans le ciel nocturne : elle laisse aussi discrètement son empreinte sur les rues du chemin du retour et au bord des fenêtres silencieuses. Les ombres délicates dessinées par le clair de lune, les reflets qui se déploient à la surface de l’eau, la lumière diffuse filtrant à travers les nuages nous invitent à porter un nouveau regard sur les paysages familiers, comme s’ils appartenaient à un autre temps.

À cette occasion, nous lançons un challenge autour du hashtag 〈#moon〉 !

Partagez vos créations avec #moon

Ne vous limitez pas aux œuvres cadrant la lune en gros plan : tournez également votre regard vers les rues baignées de clair de lune, les fenêtres encore éclairées, la surface de l’eau dans la nuit, le profil d’une personne ou sa silhouette en mouvement. La présence saisissante de la pleine lune, le contour ténu d’un fin croissant, la lumière qui nous parvient de derrière les nuages sont autant de sujets à explorer.

Paysage, photographie nocturne, instantané, portrait ou image réalisée en voyage : tous les genres sont les bienvenus. Donnez une forme photographique à ces « paysages où le clair de lune relie la nuit au quotidien » que vous aurez découverts.

Les photographies au clair de lune ménagent un espace qui nous invite à imaginer jusqu’aux sons de la nuit : des pas sur une rue déserte, une voiture roulant au loin, le vent faisant légèrement frémir la surface de l’eau. Pour préserver la trace de ces présences invisibles, essayez d’inscrire dans votre œuvre non seulement le lieu de la prise de vue, mais aussi la durée de cet instant où vous vous êtes arrêté.

Même lorsque la lune demeure invisible, la faible lueur déposée sur un bâtiment, un nuage ou une silhouette peut vous guider vers un paysage digne de 〈#moon〉.

photo poster project

« photo poster project » est une exposition de posters photographiques à laquelle il suffit de choisir une ville et une date pour participer.

Ce projet, que nous appelons ppp, va bien au-delà d’une simple exposition photographique. C’est une communauté au sein de laquelle chacun peut partager son histoire en toute confiance, mais aussi une occasion de rencontrer, dans le monde réel, des créateurs venus du monde entier.

Nous vous invitons aujourd’hui à découvrir l’ambiance de « photo poster project », organisé le dimanche 23 août à Hibiya OKUROJI G13, dans le quartier de Hibiya à Tokyo. Un compte rendu incontournable pour toutes celles et ceux qui souhaiteraient participer aux prochaines éditions de « photo poster project » organisées dans tout le Japon !

Qu’est-ce que photo poster project ?

Les occasions d’exposer ses propres photographies ou de nouer des liens avec d’autres photographes ne sont pas si fréquentes. Organiser soi-même une exposition photographique demande par ailleurs beaucoup de temps et implique des coûts importants.

Pour répondre à ces difficultés, cizucu a créé « photo poster project ».
Il vous suffit de choisir un lieu et une date, puis de soumettre votre photographie sur cizucu pour voir votre œuvre exposée en grand format A2. De nombreux photographes de la même région participent également au projet : l’occasion, peut-être, de rencontrer vos futurs compagnons de pratique photographique.

Nul besoin de vous charger des préparatifs fastidieux tels que la location d’un espace, la recherche d’un prestataire d’impression ou l’installation de l’exposition. Il vous suffit de remplir le formulaire et de vous rendre sur place le jour de l’événement !

Retour en images sur l’événement

Oscillant dans la brise automnale, les cosmos sont des sujets qui évoquent avec délicatesse le passage des saisons. Fleurs rose pâle ou blanches, ciel limpide, lumière crépusculaire : selon leur association, l’expression d’une seule fleur peut se métamorphoser.

Cette fois, nous vous proposons des pistes pour photographier « votre propre automne » dans un champ de cosmos familier, en travaillant la composition et la lumière.

Adopter un point de vue bas pour révéler la profondeur du champ de fleurs

Pour photographier les cosmos, commencez par abaisser votre appareil. En vous plaçant à la hauteur des fleurs, voire légèrement en dessous, celles du premier plan paraîtront plus imposantes et conféreront une profondeur naturelle au champ qui se déploie à l’arrière-plan.

Avec un objectif grand-angle, accordez davantage de place au ciel pour créer une impression d’espace ; avec un téléobjectif, superposez les fleurs afin d’obtenir une atmosphère plus douce. Sur smartphone, vous pouvez également exploiter le flou d’arrière-plan du mode « Portrait ».
Plutôt que de chercher à tout faire entrer dans le cadre, pensez à ériger une seule fleur en sujet principal. Observez son orientation et les lignes dessinées par les tiges, puis déplacez-vous de quelques pas pour trouver la composition idéale.

Mettre à profit la lumière automnale pour métamorphoser l’atmosphère

Même lorsqu’il s’agit des mêmes cosmos, la direction de la lumière modifie profondément l’impression produite par la photographie. La lumière rasante du matin ou de la fin de journée traverse les pétales et en révèle les nuances délicates ainsi que la texture. En contre-jour, elle permet aussi une interprétation onirique, donnant l’impression que les fleurs émergent de la lumière.

À l’inverse, les ombres étant souvent plus marquées en pleine journée par temps clair, vous pouvez rechercher une photographie plus contrastée qui valorise le modelé des fleurs. Une légère surexposition permet de restituer avec douceur leurs teintes pastel.
Une expérience aussi simple que de « photographier le même lieu à différentes heures » suffit à développer votre capacité à lire la lumière.

Ne pas se contenter de « photographier », mais raconter l’automne

Le charme des cosmos ne réside pas uniquement dans les fleurs elles-mêmes. En associant leur mouvement dans le vent aux feuilles mortes, au ciel bleu, au crépuscule ou à la silhouette d’une personne traversant le paysage, vous pouvez faire naître tout un récit saisonnier au sein d’une seule photographie.

Par exemple, en réalisant trois images — une vue d’ensemble du champ de fleurs, le portrait d’un cosmos qui vous attire particulièrement et une silhouette au crépuscule —, vous pourrez explorer plusieurs points de vue au sein d’un même lieu. Pendant la prise de vue, pensez à « changer de sujet principal », à « alterner les cadrages vertical et horizontal » et à « vous rapprocher ou vous éloigner ».

Une fois vos photographies finalisées, ne vous contentez pas de les partager sur les réseaux sociaux : tentez également de les soumettre à un open call ou à un concours photographique. Une œuvre capable de toucher quelqu’un ne naît pas nécessairement d’un équipement d’exception, mais de votre regard singulier.

September Diary '26

« September Diary '26 » est un concours international de photographie en ligne organisé par cizucu et ouvert à tous les créateurs inscrits sur la plateforme. Il vise à assurer la curation des œuvres les plus remarquables parmi les soumissions, à révéler de nouveaux talents par l’intermédiaire de la plateforme et à les soutenir au sein de la communauté.

Cette édition a pour thème « Journal de septembre ».

En septembre, les derniers échos de l’été côtoient les prémices de l’automne. La chaleur persiste en journée, le ciel gagne peu à peu en limpidité, une brise fraîche se lève le soir et la nuit tombe insensiblement plus tôt. À mesure que la saison évolue lentement, de subtils changements apparaissent jusque dans les paysages du quotidien.

Un paysage devant lequel vous vous êtes arrêté, un moment partagé avec quelqu’un, une émotion ressentie au fil de la journée : accompagnée de quelques mots, une photographie transforme même la journée la plus ordinaire en une page de journal que l’on pourra rouvrir plus tard.
Nous vous invitons à raconter, en images et en mots, le mois de septembre tel qu’il s’est offert à votre regard. Nous attendons vos soumissions avec grand plaisir.

Inspirations

oku yuuka
L’été, la verdure et les amis.

📷 FUJIFILM X-T4

Rédaction de cizucu
Sous des arbres encore profondément imprégnés des couleurs de l’été, des amis avancent côte à côte. Le vert éclatant contraste audacieusement avec les trois silhouettes placées au loin, au point de rendre presque perceptibles le vent traversant le vaste parc et l’intensité du soleil. La distance naturelle qui nourrit l’imagination du regardeur laisse transparaître la douceur des moments partagés entre amis proches. Une œuvre qui saisit un après-midi lumineux et aérien, à la lisière de l’été et de l’automne.

sy
À la recherche des constellations d’été

📷 SONY a7III

Rédaction de cizucu
Les silhouettes de dos, tournées vers le ciel nocturne, et l’éclat puissant qui s’échappe des mains levées composent une scène saisissante. Les variations de mise au point et les lumières multicolores dispersées dans la nuit semblent restituer intacte l’effervescence du moment. À voir tous ces regards converger dans une même direction, on croirait presque entendre les voix cherchant les étoiles et les éclats de rire. Au loin subsistent les lumières de la ville. Cette œuvre renferme la chaleur d’un instant irremplaçable, vécu dans la joie et la nostalgie d’un été qui s’achève.

月うさぎ | Runa
Heure magique
Je n’oublierai jamais ce ciel que nous avons tous contemplé, un soir d’automne.

📷 FUJIFILM X-T4

Rédaction de cizucu
Les contours des cosmos se détachent sur le dégradé du couchant. La couleur du ciel, passant du bleu profond à un orange délicat, révèle le caractère fugitif de l’instant. Les fleurs affichent une présence digne et semblent annoncer discrètement l’arrivée de l’automne. Les mots « Je n’oublierai jamais ce ciel que nous avons tous contemplé » superposent à ce paysage silencieux la chaleur d’un moment partagé, conférant à l’œuvre une résonance durable.

穂（スイ）
La lumière est fluide !

📷 FUJIFILM X-M5

Rédaction de cizucu
Dans la lumière douce filtrée par un voilage, l’ombre d’une main tendue se dessine en grand. Le contour des doigts se superpose aux plis du tissu, créant une étrange profondeur. Le regard, qui saisit avec un esprit ludique une lumière métamorphosée par le mouvement de l’air, constitue également l’un des attraits de l’œuvre. Cette forme éphémère, apparue fortuitement dans la pièce, nous rappelle que de nouvelles découvertes peuvent se dissimuler au cœur même du quotidien le plus familier.

RYOTA
En sortant sur le balcon, j’ai doucement perçu le parfum de l’automne. Il faudra sans doute encore attendre avant que tu m’aides à étendre le linge.

📷 SONY α7C II

Rédaction de cizucu
Près du linge, de petits pieds s’avancent sur le balcon, entourés de grandes sandales. Les vêtements blancs baignés de lumière et la texture délicate des pieds nus restituent l’atmosphère paisible du matin. Cette silhouette témoigne du chemin parcouru et de l’enfant qui grandit. Les mots « Il faudra sans doute encore attendre avant que tu m’aides à étendre le linge » évoquent également la tendresse d’un regard qui veille sur l’instant présent. Une œuvre où le parfum de la saison et le temps familial se rejoignent dans une lumière délicate.

Informations sur le concours

【Période du concours】
Du mercredi 2 septembre au mercredi 30 septembre 2026

【Annonce des lauréats】
Aux alentours du samedi 10 octobre 2026

【Prix】
Une participation gratuite au « photo poster project » organisé par cizucu (pour 5 personnes)

【Modalités de soumission】
・Sélectionnez le concours « September Diary '26 »
・Appuyez sur « Publier en acceptant le règlement de soumission »
・Sélectionnez le contenu de votre publication et soumettez votre œuvre

【Critères du jury】
(1) Pertinence thématique : l’œuvre répond-elle à la mission énoncée ?
(2) Force du sujet : le propos de la photographie et l’intention de son auteur sont-ils perceptibles ?
(3) Qualité d’expression : l’œuvre témoigne-t-elle d’une maîtrise du point de vue, de la composition, de l’équilibre, de la mise au point et de la couleur ?
(4) Justesse de l’instant : le déclenchement et le moment décisif du sujet photographié ont-ils été saisis ?
(5) Originalité : le lieu de prise de vue, le sujet et les autres choix photographiques témoignent-ils d’une approche singulière ?

photo poster project

〈photo poster project〉 est une exposition d’affiches photographiques à laquelle il suffit de choisir une ville et une date pour participer.

Ce projet, que nous appelons ppp, est bien plus qu’une simple exposition photographique. C’est une communauté au sein de laquelle chacun peut partager son histoire en toute confiance, mais aussi une occasion de rencontrer, dans le monde réel, des créateurs venus du monde entier.

La prochaine édition de ppp se tiendra les samedi 3 et dimanche 4 octobre à la 〈Batsford Gallery〉, dans le quartier londonien de Hackney !

Participer à 〈photo poster project〉, organisé par cizucu, est très simple.


（1）Choisissez l’espace d’exposition et la date

（2）Réglez facilement par carte bancaire, Apple Pay, Google Pay, etc.

（3）Publiez votre œuvre sur cizucu afin de finaliser votre soumission


Il ne vous restera plus qu’à vous rendre dans l’espace d’exposition. De nombreux photographes de la région participeront également : vous y rencontrerez peut-être vos futurs compagnons de photographie.

Informations pratiques

【Dates et horaires de l’exposition】
Samedi 3 octobre, de 13 h à 17 h
Dimanche 4 octobre, de 13 h à 17 h
※ Chaque œuvre sera exposée pendant une seule journée et l’accrochage sera intégralement renouvelé entre les deux journées.
※ Les artistes exposants devront impérativement être présents dans l’espace d’exposition de 14 h 30 à 16 h 30.
※ L’entrée est gratuite pour les visiteurs qui ne participent pas à l’exposition.

【Programme de la journée pour les artistes exposants】
12 h – 13 h 30 : temps libre
13 h 30 – 14 h : présentation des œuvres exposées
14 h – 15 h 30 : échanges entre participants
15 h 30 – 16 h : clôture et récupération des affiches

【Espace d’exposition】
Batsford Gallery
266 Hackney Road, London E2 7SJ
(À 7 minutes à pied de la station Hoxton, ligne Windrush)
https://www.instagram.com/btbatsford

【Frais de participation】
60 £ (impression au format A2, accrochage et frais liés à l’espace d’exposition compris)
※ La visite de l’exposition et l’entrée sont gratuites.

【Thème】
« Aucun thème / sujet libre »
Aucun thème n’est imposé : portraits, photographie de rue, paysages ou tout autre genre photographique sont les bienvenus. Qu’il s’agisse d’une œuvre porteuse d’une histoire que vous souhaitez partager ou d’une photographie qui vous attire sans raison particulière, nous attendons une image qui vous ressemble.

Informations importantes

Veuillez impérativement prendre connaissance des informations suivantes avant de vous inscrire.

• Les frais de participation comprennent l’impression, l’accrochage et les frais liés à l’espace d’exposition. Une fois le paiement effectué, les frais de participation resteront dus même si vous ne soumettez pas votre œuvre ou si vous êtes absent le jour de l’exposition.
• Veuillez soumettre une œuvre répondant aux critères suivants :
  • Dimensions du fichier
    • (Recommandé) côté le plus court d’au moins 4 000 pixels
    • (Obligatoire) côté le plus court d’au moins 2 000 pixels
  • Format vertical uniquement
  • Une photographie unique (les collages, les œuvres comportant du texte ou un encadrement intégré, entre autres, ne sont pas acceptés)
• Afin que chaque participant puisse garder une expérience positive de l’exposition, veuillez impérativement lire les règles de la communauté lors de votre soumission.
• Des prises de vue seront réalisées le jour de l’exposition. Des photographies de l’événement pourront être publiées sur le site Internet, les réseaux sociaux, dans des supports publicitaires, etc.
• Les personnes présentes à la fin de l’exposition pourront emporter leur affiche photographique. Aucun envoi ultérieur ne pourra être organisé.

Nous attendons vos nombreuses soumissions avec impatience !

Questions fréquentes

Q : Comment régler les frais de participation ?
R : Après avoir choisi l’espace d’exposition et la date, vous pourrez régler par carte bancaire ou, selon votre appareil, via Apple Pay, Google Pay, etc. Aucun remboursement ne pourra être effectué après le paiement. Les frais de participation resteront également dus en cas d’absence le jour de l’exposition.

Q : Où se trouve la page permettant de soumettre mon œuvre ?
R : Une fois le paiement des frais de participation effectué, vous serez automatiquement redirigé vers la page de soumission. Vous pourrez également y accéder grâce au lien indiqué dans l’e-mail qui vous sera envoyé.

Q : Puis-je emporter mon affiche ?
R : Oui, à condition d’être présent dans l’espace d’exposition à l’heure de clôture, soit 17 h. Aucun envoi n’étant proposé, nous vous remercions de votre compréhension. Veuillez également prévoir votre propre sac pour transporter l’affiche.

Q : Puis-je inviter des connaissances à venir voir l’exposition ?
R : Bien sûr ! Après avoir reçu l’e-mail confirmant votre participation, n’hésitez pas à annoncer l’exposition sur les réseaux sociaux.

Q : J’ai entendu dire qu’il était possible de créer des cartes de visite. Comment procéder ?
R : Les modalités détaillées vous seront communiquées par e-mail après confirmation de votre participation.

Q : Puis-je m’inscrire même si je n’ai pas encore choisi ma photographie ?
R : Oui. Certaines sessions affichant complet avant la date limite, nous vous recommandons de vous inscrire d’abord, puis d’enregistrer votre œuvre avant la clôture des soumissions.

Q : Puis-je consulter des images des éditions précédentes ?
R : Oui, vous pouvez notamment consulter les articles ci-dessous ⭐️

Des créateurs passionnés de photographie racontent leur appareil et l’histoire qui les unit à lui. Un « appareil de prédilection » reflète toujours une certaine vision de la vie et un système de valeurs. Dans ce nouvel épisode de la série, nous rencontrons Yushi KaisyakujI, fidèle utilisateur du Leica Q2 Monochrom.

Un appareil pratique accompagne le photographe et réduit le risque d’échec. Mais, en contrepartie, comment transforme-t-il sa propre capacité à regarder ? En choisissant délibérément un Leica Q2 Monochrom et les contraintes qu’il impose, Yushi KaisyakujI explique avoir réappris à aiguiser son regard plutôt que sa seule maîtrise technique.

Le Leica Q2 Monochrom en bref

Le Leica Q2 Monochrom est un appareil photo numérique à objectif fixe doté d’un capteur CMOS plein format exclusivement monochrome d’environ 47,3 mégapixels effectifs. Dépourvu de matrice de filtres colorés, ce capteur dédié offre une définition élevée et une grande richesse de nuances, autorisant un rendu monochrome d’une finesse inaccessible en couleur.

L’inquiétude née d’une dépendance croissante au matériel

J’aime profondément la photographie de rue. J’aime autant la regarder que la pratiquer. Si le principal genre dans lequel je présente publiquement mon travail est la « photographie animalière », la photographie de rue reste aujourd’hui encore l’un de mes domaines de prédilection.

Dans ma pratique de la photographie animalière, je m’appuie considérablement sur les capacités de mon matériel. Plus celui-ci devient performant et pratique, plus la « fréquence des échecs » diminue. Pourtant, j’ai aussi commencé à craindre que mon regard ne s’uniformise peu à peu.

Dire qu’un « style s’affirme » peut sembler positif. Mais je me suis demandé si cette influence ne risquait pas de s’étendre jusqu’aux photographies que je réalise uniquement pour moi. Cette idée a commencé à me traverser l’esprit.

C’est dans ce contexte que j’ai découvert le Leica Q2 Monochrom.

Pourquoi ses caractéristiques radicales m’ont séduit

Une focale fixe de 28 mm sans possibilité de changer d’objectif, associée à un capteur exclusivement monochrome : au regard des tendances actuelles, ces caractéristiques peuvent sembler radicales. Pourtant, cet appareil m’a immédiatement fasciné.

La raison est simple : je voulais retrouver une pratique capable de saisir le souffle de la rue. Dès l’instant de la rencontre, faire face au monde en monochrome, se confronter à la « lumière » et dessiner avec les « ombres ». Je voulais éprouver à nouveau ces fondements mêmes de la photographie.

Je photographie principalement des animaux, dans une écriture visuelle fondée sur le monochrome. Pour certaines œuvres, j’ai également eu recours à la « couleur sélective », qui consiste à préserver ponctuellement une teinte. Plutôt que d’abandonner toutes les couleurs, j’en conservais délibérément une infime part afin de guider le regard. Cette forme d’expression répondait à une intention personnelle et m’était chère.

Parallèlement, les personnes qui regardaient mon travail me disaient de plus en plus souvent : « Tes monochromes sont déjà suffisamment puissants tels quels. » Ces mots me touchaient, tout en éveillant une légère frustration.
Mais ils ont aussi fait naître en moi l’idée qu’il était peut-être temps de renoncer véritablement à la couleur, au moins une fois. Le Leica Q2 Monochrom n’est pas un appareil qui convertit une photographie couleur en noir et blanc après la prise de vue.

Dès l’instant de la prise de vue, le monde apparaît en monochrome. Lorsque l’on porte l’œil au viseur électronique, les informations chromatiques ont déjà disparu : seules subsistent la lumière et l’ombre, les textures, les formes et les nuances. Cette expérience a eu sur moi un impact bien plus profond que je ne l’avais imaginé.

Habituellement, je cherche un sujet, réfléchis à la composition et ordonne l’arrière-plan. Je me demande également quelles couleurs conserver et lesquelles atténuer. Mais lorsque je tiens le Leica Q2 Monochrom, je commence avant tout par chercher la lumière.

Vers un regard sensible à la lumière et à l’ombre

Où la lumière vient-elle se poser ? Où les ombres s’enfoncent-elles ? Jusqu’où préserver les blancs, et jusqu’où laisser parler les noirs ? Même en parcourant les mêmes lieux, ce qui se donne à voir se transforme peu à peu.

On ne réagit plus à la couleur, mais à la présence de la lumière. Bien au-delà d’une simple question de qualité d’image ou de caractéristiques techniques, cette expérience a transformé le regard même du photographe.

Le cadre imposé par la focale fixe de 28 mm a lui aussi constitué un puissant stimulant. Au début, cet angle de champ inhabituel m’a donné du fil à retordre et, pour être honnête, je me suis souvent surpris à penser : « Si seulement j’avais un 100 mm » ou « Si seulement j’avais un 50 mm ».

Puis, un jour, j’ai soudain compris que cette manière même de penser — « si seulement j’avais telle focale » — finissait peut-être par figer mon propre champ de vision. Plutôt que de réfléchir à ce que je ne pouvais pas photographier au 28 mm, je devais commencer par essayer avec lui. Puis découvrir ce que seul un 28 mm permet de saisir. C’est ainsi que mon état d’esprit a évolué.

Parce qu’on ne peut pas se rapprocher davantage, on regarde aussi l’environnement.
Parce qu’on ne peut pas resserrer le cadre, on pense la distance.
Parce qu’il n’y a pas de couleur, on cherche la lumière.

Autant d’expériences que seuls un 28 mm et un capteur monochrome pouvaient m’offrir.

La liberté ouverte par la contrainte

Pour moi, le Leica Q2 Monochrom n’est pas un « appareil capable de tout photographier ». C’est au contraire un appareil dont les limites sont clairement définies. Et c’est précisément pour cette raison, me semble-t-il, qu’il interroge l’intention du photographe.

Un équipement polyvalent élargit le champ des possibles. À l’inverse, un outil contraignant nous oblige à nous demander de nouveau ce que nous souhaitons réellement voir.

Apprendre à voir le monde en monochrome

À mes yeux, le Leica Q2 Monochrom est un appareil fait de contraintes. Le temps passé à marcher avec lui me donne l’impression de renforcer les fondements de ma pratique photographique.

Voir la lumière sans s’appuyer sur la couleur.
Voir l’espace laissé libre sans s’appuyer sur l’abondance d’informations.
Percevoir non pas seulement ce qui est représenté, mais la présence qui habite le lieu.

Pour moi, le Leica Q2 Monochrom est à la fois un appareil conçu pour photographier en monochrome et un appareil qui apprend à regarder le monde en monochrome.

Renoncer à la couleur révèle ce qui restait invisible.
Accepter la contrainte peut ouvrir la voie à la liberté.

Cet appareil m’enseigne silencieusement ce sentiment légèrement paradoxal.

皆尺寺 悠史

Chirurgien exerçant en milieu clinique, il développe parallèlement une pratique photographique consacrée aux animaux, articulée autour du monochrome.
En retranchant la couleur, il explore les notions de « présence » et de « respiration » qui émergent dans l’image, à la recherche de représentations capables de demeurer dans l’intériorité du regardeur.

cizucu : @syakurou_photo
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