10 questions à Gabby Laurent, créatrice britannique à suivre | ISSUE #232

À travers des entretiens avec des personnalités qui explorent l’expression photographique sous un angle singulier, nous approfondissons les origines de leur démarche créative, leurs convictions et leurs processus de création, afin d’inspirer de nouveaux horizons aux photographes et médias photographiques du monde entier.

Les origines créatives, la pensée et la vision de la photographe britannique Gabby Laurent, basée à Londres, sont précieuses à archiver et à transmettre à travers les mots de notre époque, car elles contribuent à façonner la culture photographique contemporaine.

À travers ces « 10 questions », nous nous plongeons dans le processus qui mène à la concrétisation de son expression artistique.

J’ai toujours été attirée par la photographie. Je me souviens que, petite, je réorganisais à ma façon les albums de famille. J’aimais l’objet photographique autant que ce qu’il représentait. Je pense encore aujourd’hui que l’album familial est le plus beau des livres.
En réalité, ma production actuelle s’inspire également de ma famille. Dans mon projet en cours, « You Used To Be Connected », l’une des œuvres principales est une photographie du nombril de mon fils.

Je dirais la coexistence d’opposés tels que l’humour et la tragédie, la sécurité et l’insécurité.
Ces contradictions et cette dualité se retrouvent non seulement dans les thèmes abordés, mais aussi dans les matériaux utilisés dans mes œuvres.

Je pense que la genèse d’une idée est très intuitive. On peut se mettre dans une disposition d’esprit pour accueillir les idées, mais il est difficile de les forcer à émerger.

Parfois, tout commence par un intérêt pour un matériau ou un thème, mais au fur et à mesure que le travail se développe, le processus devient plus réfléchi et intellectuel.

Les idées. J’ai toujours des idées que je souhaite matérialiser, et le désir de les réaliser est ce qui me pousse à continuer à créer.

Dans une nouvelle série, j’ai photographié le nombril de mon fils et superposé du texte en chambre noire.

C’est une image à la fois très personnelle et porteuse d’une signification universelle. Elle évoque le lien maternel tout en faisant écho à ce sentiment que nous étions autrefois plus profondément connectés à nous-mêmes.

Cela dépend du contexte. Pour moi, la photographie et l’IA sont deux médias distincts.

Je comprends bien sûr que l’un peut imiter l’autre. Mais l’IA n’a pas la dimension artistique du « geste humain », et c’est ce qui fait que je n’y suis pas particulièrement sensible.

Ce qui m’influence le plus, c’est ma propre communauté : mes enfants, mon partenaire, mes amis. Et la présence des femmes qui m’entourent a une signification très forte pour moi. Elles sont essentielles dans ma vie.

Innombrablement. Les œuvres issues de Cal Arts dans les années 1970, la performance coréenne des années 60-70, et l’art féministe à travers le monde dans les années 60-70. En ce moment, je collabore avec le Victoria & Albert Museum sur un projet qui revisite le mouvement britannique appelé « Feministo ».

C’est une question très belle et très difficile. Je pense que je cherche la « clarté ». Être dans un état où je peux m’exprimer de la manière la plus efficace et la plus limpide à travers mon travail. Mais cela n’aboutira jamais à une conclusion définitive. Seule la mort, peut-être, est la seule conclusion.

Extrait d’une lettre de Sol LeWitt à Eva Hesse.

Arrête de penser, arrête de t’inquiéter, arrête de regarder en arrière, arrête de douter, arrête d’avoir peur, arrête de te blesser, arrête d’attendre une échappatoire facile, arrête de lutter, arrête de vouloir saisir, arrête de te perdre… Arrête de t’user. Arrête, et fais-le, tout simplement !