10 questions à Ute Mahler, créatrice incontournable de la scène allemande | ISSUE #210

À travers des entretiens avec des photographes qui poursuivent une démarche singulière, nous explorons les origines de leur création, leur pensée et leur processus artistique, offrant ainsi une nouvelle source d’inspiration aux photographes et médias photographiques du monde entier.

Les origines créatives, la pensée et le regard singulier d’Ute Mahler, photographe basée en Allemagne. Archiver et transmettre ces paroles dans notre époque, c’est aussi contribuer à l’avenir de la culture photographique.

À travers ces « 10 questions », nous plongeons au cœur du processus qui donne forme à son expression artistique.

La photographie a toujours fait partie de ma vie. J’ai commencé très jeune, fortement influencée par mon père, lui-même photographe. Je n’ai jamais envisagé une autre voie. Après avoir étudié la photographie à Leipzig, j’ai travaillé en indépendante, menant de front des commandes alimentaires et, dès le début, des projets personnels.

À l’époque de l’Allemagne de l’Est, je réalisais des photographies de mode pour le magazine culturel et de mode « Sibylle ». Après 1990, j’ai produit de nombreux portraits et essais photographiques pour le magazine « Stern » en tant que photojournaliste. En 2008, j’ai cessé la photographie commerciale pour me consacrer à l’enseignement et à ma pratique artistique. Aujourd’hui encore, je poursuis une production intensive avec Werner Mahler et en tant que membre d’un collectif d’artistes.

J’ai toujours été fascinée par l’« humain ». L’individu, mais aussi l’être humain au sein du collectif.
J’ai consacré 18 ans à ma première grande série, « Living Together (Vivre ensemble) ». L’intensité variait selon les années, mais je prenais toujours le temps nécessaire lors des prises de vue. Je ne demandais pas aux gens de poser, je voulais qu’ils me fassent confiance et qu’ils évoluent naturellement dans leur environnement.

Mon objectif était d’atteindre un état où l’on oublie que je suis photographe, pour être vue comme une personne parmi d’autres. Rien n’était mis en scène dans cette série. Imposer ma vision aux autres aurait été ennuyeux.

Je voulais découvrir : comment les gens vivent, se déplacent dans l’espace, interagissent entre eux. C’est cela que je voulais saisir en photographie. Bien sûr, dans la photographie de mode, il y avait de la mise en scène, mais pouvoir conjuguer ces deux approches différentes a été une chance.

Il y a toujours un thème que j’explore dans mon esprit. Lorsque je photographie, je prends le temps que le sujet exige, et celui dont j’ai besoin. Parfois, cela se termine rapidement, mais c’est rare.

La plupart du temps, cela s’étend sur de longues années. Quand un sujet m’intrigue profondément, que je sens que je ne le connais pas encore assez, il peut devenir un thème. Je réfléchis alors à son importance sociale, à sa dimension personnelle, ou à la coexistence de ces deux aspects. Je cherche à comprendre pourquoi je veux photographier ce sujet, ces personnes, cette matière.

Ensuite, je définis un concept esthétique et commence la prise de vue. Mais il est aussi essentiel de laisser une place au hasard. J’aime être surprise par l’imprévu. J’aime les images subjectives, précises, mais qui ne révèlent pas tout. Des photographies qui gardent encore leur part de secret.

Il y a encore tant à découvrir et à voir. Je suis d’une grande curiosité et j’adore être photographe. La photographie est un enregistrement de l’expérience, une chronique de la vie. Lorsque je regarde mes images, je les lis comme un journal intime. Je lis ma propre vie.

Même lorsque je réalise un portrait d’un inconnu, il y a toujours une part de moi dans l’image. J’aime aussi raconter des histoires. C’est pourquoi il est important pour moi de présenter mon travail lors d’expositions ou dans des livres de photographie. En créant des séquences et des dialogues entre les images, je peux transmettre mon récit de manière encore plus vivante.

Il m’est presque impossible de choisir « une image favorite ». J’aime toutes les photographies que j’ai sélectionnées et tirées en chambre noire, même si elles n’ont pas toutes la même intensité ou importance.
La photographie argentique est mon univers, et je me souviens encore de chaque rencontre ou événement survenu lors de la réalisation de chaque image. Sans doute parce que le travail en chambre noire est exigeant, que les odeurs des produits chimiques sont fortes et que l’on passe de longues heures dans l’obscurité.

Cependant, si je devais n’en choisir qu’une, ce serait celle des quatre enfants du cirque. Je l’ai regardée, tirée et retouchée à la main sur papier baryté à de nombreuses reprises. Pourtant, la présence des enfants, la superbe gamme de gris, et la magie ressentie lors de la prise de vue en 1973 sont toujours là.

Je pense que tout ce qui relève du travail technique et routinier sera remplacé par l’IA. Mais l’art est créé par les artistes, par des individus qui pensent, ressentent et insufflent leur propre expérience dans leurs œuvres. C’est la subjectivité qui, selon moi, recèle le plus grand potentiel.

Quand on parle de la photographie allemande, on pense souvent à August Sander, Bernd & Hilla Becher, Andreas Gursky, et d’autres figures majeures.
On y trouve à la fois la photographie documentaire et la photographie d’art. Beaucoup d’artistes ont accordé une grande importance au travail en série. Parallèlement, il existe aussi d’excellents photographes dans le journalisme et les domaines appliqués.

Les principaux musées d’art exposent aussi la photographie, reconnue comme une composante essentielle de l’art. À Berlin, je citerais tout particulièrement C/O Berlin. Cet espace d’exposition présente régulièrement des photographes de renommée internationale, tout en mettant en avant de nouveaux talents et tendances. L’affluence impressionnante témoigne de l’intérêt fort pour ce médium.

Une bonne photographie m’inspire toujours. Tout au long de ma vie, j’ai été fascinée par le travail de mes pairs, car ils portent un regard unique sur leurs sujets et les expriment avec une beauté saisissante.

Je n’ai pas de « héros unique ». Ce qui me marque, c’est toujours l’image elle-même et sa force. À chaque étape de ma vie, j’ai été ouverte à différentes formes d’expression photographique, en lien avec mon propre univers, mes pensées et mes émotions du moment.

Cela dit, il y a des œuvres qui suscitent en moi un respect et une admiration constants. « Exiles » de Josef Koudelka, « In Flagrante » de Chris Killip. Et la première fois que j’ai vu « Ravens » de Masahisa Fukase, j’ai été bouleversée par la puissance émotionnelle et métaphorique de ce livre. C’est une œuvre majeure. Pour moi, ce livre reste le plus grand livre de photographie jamais réalisé.

Ce qui compte le plus dans ma vie, c’est la famille. Et la curiosité. Rester ouverte à tout, toujours.

C’est une question essentielle. Ma réponse est très simple : continuez à croire en la photographie.