Vivre en tant que photographe et coiffeur | 10 questions à Hidenobu Suzuki | ISSUE #4

« ISSUE » propose une plongée dans la sensibilité et la pensée des créateurs du monde entier, pour susciter de nouvelles inspirations.
Dans « ISSUE #4 », nous avons posé 10 questions à Hidenobu Suzuki, lauréat de nombreux prix dont la Médaille d’Or de la Société Nationale des Beaux-Arts de France, afin d’explorer sa vision de la photographie et sa manière d’aborder l’art.

Né en 1971. Originaire de Hamamatsu, réside à Toyohashi, exerce principalement comme coiffeur.

Sa pratique photographique, poursuivie en amateur, a attiré l’attention des médias internationaux après avoir été présentée dans « National Geographic US » et « LensCulture », et a depuis été largement diffusée à travers le monde.

En 2016, il est invité à exposer au sein d’une institution artistique française de renom et reçoit la Médaille d’Or de la Société Nationale des Beaux-Arts de France. L’exposition a eu lieu au Musée du Louvre. Au Japon, il a bénéficié d’une publication de 13 pages dans la section portfolio du mensuel Bungeishunju.

Je n’ai pas de souvenir précis de ma toute première photo, mais il me semble que c’était avec un appareil jetable appelé « Utsurun-desu » lorsque j’étais enfant.

Le déclic pour me lancer sérieusement dans la photographie est venu en 2013, lorsque j’ai remporté la médaille d’or au concours photo Olympus.
À cette époque, un voyage d’entreprise à Angkor Wat était prévu, et j’ai acheté un OLYMPUS « PEN » pour immortaliser ce site classé au patrimoine mondial. C’est ainsi que tout a commencé.

Je ne dirais pas que j’ai une obsession particulière pour les appareils ou les objectifs. Cela dit, dans mon armoire à matériel, je conserve environ 35 objectifs, dont mes principaux boîtiers Canon 5D Mark III et 6D, FUJIFILM X-Pro, OLYMPUS OM-D et PEN, LEICA X2, ainsi que des optiques ZEISS, chaque appareil ayant ses propres objectifs.

Entre 2014 et 2018, j’ai remporté plusieurs prix photographiques dans « National Geographic US », ce qui m’a amené à privilégier des objectifs, filtres et trépieds adaptés à la photographie de nature ou aux festivals japonais.

Par la suite, j’ai été invité à plusieurs reprises à Paris pour des expositions collectives et des expositions personnelles, ce qui a influencé l’évolution de mon style. Je me suis progressivement orienté vers une approche plus picturale, plus artistique, privilégiant les anciens objectifs pour leur rendu moins net. Il m’arrivait aussi d’enrouler du film plastique ou d’utiliser des feuilles transparentes devant l’objectif pour obtenir volontairement des images moins précises.

Avec l’apparition de l’appareil photo au XIXe siècle, la peinture réaliste et le portrait ont évolué sous l’influence de leur époque, donnant naissance à l’impressionnisme et à l’abstraction. Aujourd’hui, avec la démocratisation du smartphone, la photographie se diversifie de plus en plus.

Il n’y a pas de bonne ou de mauvaise réponse : chacun doit utiliser ce qui lui permet de s’exprimer au mieux, que ce soit du matériel haut de gamme ou plus modeste. C’est ainsi que je conçois mon rapport au matériel.

Du matin au soir, la musique qui passe dans mon salon est du R&B international, donc j’écoute très souvent les dernières tendances du R&B mondial.

Je recommande les playlists « R&B Hits » et « R&B Now » sur Apple Music !

Andreas Gursky.
Photographe emblématique de la photographie contemporaine allemande. Sa première exposition personnelle au Japon a eu lieu en 2013 au Musée National d’Art Moderne de Tokyo.

J’ai découvert son œuvre « Rhein II », alors considérée comme la photographie la plus chère de l’histoire. J’ai été d’abord impressionné par la taille monumentale de ses œuvres, mais leur apparente banalité m’a laissé perplexe.
En parcourant l’exposition, un sentiment d’étrangeté m’a saisi, et en revisitant les œuvres, j’ai compris quelque chose.

« Toutes ses œuvres représentent des paysages qui n’existent pas réellement. »

Avec des tirages aussi grands, les défauts de montage devraient être visibles, mais l’édition est si naturelle et réaliste qu’elle nous fait croire à la véracité de la photographie. J’ai été fasciné par cette expérience où tout le monde dans la salle croyait à la réalité de ce qui était présenté.

En voyant les dates de création de ses œuvres, à une époque où les ordinateurs n’étaient pas aussi puissants, j’ai été impressionné par la maîtrise de l’édition. C’est à partir de là que j’ai commencé à m’intéresser à la retouche photo et à en apprécier le processus. Je pense que c’est la base de ma technique d’édition aujourd’hui.

J’aimerais essayer aussi bien les appareils récents que les anciens.

Ce ne sont que des outils, comme un stylo ou un pinceau, chacun avec ses spécificités et son caractère. J’ai envie d’en explorer plusieurs.

J’ai souvent aimé réaliser des œuvres sous la pluie.
C’est une sensation personnelle, mais je pense que les œuvres pluvieuses invitent le spectateur à une introspection.

Par beau temps, la plupart des gens sortent et s’ouvrent vers l’extérieur, mais quand il pleut, on reste chez soi, on regarde la télévision ou on lit, et l’énergie se tourne vers l’intérieur, favorisant un temps de réflexion sur soi.

J’espérais que mes œuvres sous la pluie puissent offrir ce moment d’introspection à ceux qui les contemplent.

Je ne fréquente plus beaucoup les lieux dits « spots à panorama », mais je suis mal à l’aise face à ceux qui, dans ces endroits, ne pensent qu’à leur propre satisfaction sans se soucier des autres, sans jamais céder leur place. Il en va de même pour les « toritetsu » (passionnés de trains photographes).

Les photographes talentueux et passionnés devraient créer des œuvres originales dans des lieux moins connus, et ainsi inspirer le plus grand nombre. Je trouve qu’une photographie qui exprime clairement la personnalité et le style de son auteur est bien plus intéressante qu’une image banale vue partout.

Les réseaux sociaux regorgent de belles photos. Les appareils, objectifs et techniques d’édition utilisés sont d’un niveau élevé, mais beaucoup se ressemblent, comme des photos souvenirs prises aux mêmes endroits. J’espère que chacun saura faire preuve d’originalité tout en respectant les autres.

Enfin, je souhaite que l’output ne se limite pas à l’écran, mais que l’on accorde aussi de l’importance au tirage. Ayant exposé de grands formats à Paris et New York, je sais que l’édition devient évidente sur de très grands tirages. Plutôt que de se contenter d’un petit écran, il faut viser une édition qui tienne la route jusqu’au format B0 pour améliorer la qualité de ses images. C’est très formateur.

Je suis tellement occupé que je commande principalement sur ZOZOTOWN. Merci à eux !

Je n’ai pas de réglages prédéfinis. Cela dépend des conditions et du contexte de prise de vue. Ce qui compte le plus, c’est de réfléchir à l’image que je souhaite réaliser avant de déclencher.

C’est comme en cuisine, non ?
Il faut savoir ce que l’on veut préparer et comment l’assaisonner pour réussir son plat.

C’est pareil dans mon métier. En coiffure, imaginer la coupe avant de la réaliser permet d’obtenir un résultat harmonieux. Si on improvise en coupant, on risque de trop couper ou de rater la coiffure.

Avec un appareil photo, tout peut être capturé en appuyant simplement sur le déclencheur, mais il est essentiel de se faire une idée précise du résultat souhaité pour progresser.