«10 preguntas» a la artista visual taiwanesa Yang Chia-Hsin | ISSUE #283

A través de entrevistas con figuras que exploran la expresión fotográfica desde perspectivas singulares, profundizamos en los orígenes, el pensamiento y los procesos de sus prácticas creativas para brindar nuevas fuentes de inspiración a fotógrafos y medios especializados de todo el mundo.

Los orígenes de la práctica de la artista visual Yang Chia-Hsin, radicada en Taiwán, así como las ideas y perspectivas que considera esenciales: archivar y preservar hoy todo ello mediante la palabra contribuirá, sin duda, a sostener una parte de la cultura fotográfica del futuro.

Con estas «10 preguntas», nos acercamos al proceso mediante el cual su lenguaje artístico adquiere forma.

Actualmente trabajo mientras reflexiono sobre la experiencia corporal, las relaciones íntimas, las narrativas sensibles derivadas de la enfermedad y el trauma, la percepción fragmentaria, las sensaciones corporales y el mundo multisensorial.

Asimismo, al hacer públicas experiencias privadas, investigo cuestiones como las estructuras sociales y familiares, las catástrofes sociales y la filosofía de la medicina. Desde perspectivas como los efectos estratificados que van de lo individual a lo colectivo, las transformaciones físicas y psíquicas de quienes afrontan recuerdos traumáticos, la materialidad de los medios y la transcodificación mediática, exploro la «intimidad pública» (public intimacy) como eje curatorial.

Mi encuentro con la fotografía se produjo en las clases de fotografía del instituto y gracias a mi profesor. Por aquel entonces llevaba la cámara conmigo todos los días, fotografiaba después de clase y trabajaba en proyectos fotográficos. Allí adquirí los fundamentos de la fotografía y desarrollé mi sensibilidad estética.
Durante mis años universitarios experimenté con distintas prácticas de medios mixtos: integré fotografía y materia en instalaciones semitridimensionales y creé esculturas blandas con vídeo concebidas para lugares específicos. Exploraba experiencias corporales privadas mediante distintos materiales y texturas.

En mi trayectoria creativa, la recaída inesperada de mi enfermedad fue una experiencia profundamente marcada en mi memoria y un importante punto de inflexión. A partir de ella, comencé a conceder especial importancia al proceso de «autorrestauración tras el trauma mediante la experiencia encarnada» (Self-restoring from trauma through embodied experience.). Después de recuperarme, empecé a desarrollar varias series.

Más que «fotografía», creo que el término más preciso sería «imagen». Para mí, la imagen es un material de creación.
Mi práctica reúne numerosos materiales: imágenes, documentos y textos, archivos y acontecimientos vividos en primera persona. Entre ellos, la «imagen» posee la capacidad de movilizar, traducir y evocar dimensiones como la experiencia, la rememoración o la memoria; en ocasiones, también funciona como un medio dotado de un carácter revelador.

La imagen parte de lo privado, pero circula, se difunde masivamente y colma tanto la sociedad real en la que vivimos como el espacio de internet. Por ello, los «mitos cotidianos» y la «experiencia corporal» constituyen también puntos de partida para pensar mi práctica, mientras que la «traducción visual» se convierte en el método que vincula creación y pensamiento.

Creo que aquello a lo que concedemos importancia cambia según los encuentros y las circunstancias del proceso creativo. Más que pertenecer a una obra o proyecto concretos, se aproxima a una actitud ante la práctica artística.

En mis trabajos recientes doy especial importancia a la interpretación y traducción de lo «circuitous», de los recorridos indirectos, porque me permite entrar en contacto con todas las posibilidades. También entiendo lo «circuitous» como una actitud creativa y espero que cada obra se expanda hacia objetos, dimensiones académicas, detalles y profundidades diferentes.
Para mí, la superposición de tiempos y sensaciones que puede parecer un rodeo constituye también una forma de acercarme al cuerpo y a la memoria.

El término «迂迴» (circuitous) procede de «還冀州別洛下知己序», un texto clásico en prosa paralela del escritor Wang Bo, de comienzos de la dinastía Tang. Alude a acciones, rutas y viajes que serpentean y dan rodeos, y su sentido se amplía hasta abarcar la consecución de un objetivo por medios indirectos. En el pensamiento y la práctica creativa que considero esenciales, desarrollo este concepto a través de tres perspectivas: el rodeo espacial (spatial circuity), los circuitos de la psique y el pensamiento (circuitous reflection) y los múltiples recorridos de la experiencia vital y las sensaciones corporales (embodied experience).

Mi práctica suele centrarse en dimensiones como la experiencia corporal, la experiencia de la enfermedad, la psicología de la enfermedad, la revivencia posterior al trauma, la experiencia familiar y el trauma femenino transgeneracional. Tomando cada una como núcleo problemático, continúo explorándolas mediante la conexión de ámbitos diversos como la sociología, la psicología, la filosofía de la medicina, la iconografía y la historia del arte. El impulso de esta práctica nace de la experiencia del dolor encarnado (embodied pain) que sentí al confrontar mi propio cuerpo.
La experiencia del dolor es una sensación en sentido amplio, pero revela hasta el último detalle. Su singularidad surge de la acumulación de pequeños acontecimientos en la vida de cada persona. Puede ser, por ejemplo, la sensación de un cuerpo herido, la reinterpretación de cicatrices y huellas físicas, o el modo en que una experiencia individual de sufrimiento despierta empatía colectiva.

Me entusiasman el azar, la contingencia y la aleatoriedad, y a lo largo de mi trayectoria he seguido prestando atención a esos pequeños puntos de inflexión.
En la práctica creativa, el «azar» es tanto una chispa como una llave. Las miradas fugaces (glimpse) y los encuentros que se producen mientras buscamos territorios desconocidos y tratamos de encontrar dónde asentarnos pueden transformar la idea inicial. Es precisamente esta clase de experiencia creativa la que considero más valiosa y digna de ser preservada.

El «azar» que más me ha marcado ocurrió durante una visita guiada a una exposición. Escuché una conversación entre una niña, probablemente de nueve o diez años, y su padre. La obra que exponía entonces abordaba la reconstrucción de un archivo corporal —un historial médico personal— y exploraba cómo se configura la experiencia del cuidado a partir de la experiencia corporal, así como las respuestas que surgen en el seno de las relaciones íntimas.

La conversación entre la niña y su padre me conmovió profundamente. Mientras la sostenía en brazos, él contemplaba en silencio mi historial médico y, con un tono sereno y afectuoso, le explicaba qué son la enfermedad y la muerte… Yo permanecí callada, escuchando y sintiendo las palabras del padre y las reacciones de la niña… Aquel episodio me llevó a reconsiderar mi propia obra y la posibilidad de que la creación alcance distintos lugares del corazón humano.

En efecto, una mirada fugaz (glimpse) o una sola frase pueden convertirse en la chispa de una obra. Si no tememos entrar en contacto con lo desconocido, con aquello próximo al corazón humano, con lo privado o con momentos pausados y naturales, el azar puede impulsar una obra. Que una obra roce la memoria o las preguntas de alguien y dé lugar a una conversación íntima: quizá sea en ese instante cuando la «intimidad pública» que imagino comienza a emerger silenciosamente.

El espacio y el tiempo son, por así decirlo, como una «zona horaria»: ambos son medios que sostienen la práctica creativa.

Al disponer las obras, concedo especial importancia a la fluidez que va «del espacio expositivo al espacio que se abre y se cierra en el libro». Me refiero a las conexiones, prolongaciones y diálogos entre una obra y otra, entre un espacio y otro.

Se me da especialmente bien emplear formatos como el libro de artista y la instalación espacial para delinear los detalles de un lugar, un acontecimiento, una experiencia, una sensación o una atmósfera. Dispongo elementos como objetos, imágenes, archivos, sonidos, esculturas y acciones y, mediante distintas configuraciones espaciales y modalidades expositivas, abro la posibilidad de una empatía que permite al público revivir la obra al relacionarse con ella desde diversas posturas corporales.

En otras palabras, para mí una obra no es algo que simplemente se contempla en una pared o en un libro; es también algo que vuelve a experimentarse entre el cuerpo, la memoria y los sentidos del público.
Por ejemplo, en la serie «界行者 The Borderwalker», desarrollada desde 2025 hasta este año, partí de la naturaleza espacial de una «sala de exposición doméstica» y, mediante la práctica de «reparar el espacio, articular imágenes y editar libros», desplegué una reflexión imaginativa sobre las «relaciones íntimas en el espacio público».

Todas las funciones y posiciones del mundo del arte se entrelazan e influyen mutuamente.
Curadores, artistas, creadores y participantes —el público y otras personas— desempeñan papeles fundamentales en la configuración de los contextos donde nace el arte. En mi práctica artística soy creadora y curadora, pero también trabajo entre bastidores.

La superposición de distintos roles abre más posibilidades de observación y comprensión.
La forma de mirar una imagen nunca queda confinada a una única función. «Mirar una imagen desde la perspectiva de la escultura; mirarla desde la perspectiva de la propia imagen; contemplar una imagen fija desde un punto de vista dinámico, o a la inversa»: todas estas modalidades son distintas y, a la vez, están conectadas. Adoptar simultáneamente las perspectivas de creadora y curadora permite percibir los recorridos que los creadores trazan dentro de la práctica artística.
También me lleva a prestar mayor atención a cómo las ideas y los conceptos aparecen de manera coherente y adquieren contexto. Me interesa cómo las interpretaciones basadas en una problemática y las expresiones artísticas cobran forma, se prolongan y se mezclan en el espacio expositivo hasta integrarse en un mundo artístico capaz de comunicarse con los participantes. Y «estar siempre frente al público» constituye una cuestión esencial e ineludible.

Creo que crear en Taiwán ofrece una gran libertad.
Después de la pandemia se fundaron numerosos espacios alternativos, librerías especializadas en fotografía y colectivos de edición independiente en el norte, el centro y el sur de Taiwán. Para quienes trabajan con imágenes y vídeo en Taiwán, la autoedición se ha convertido también en una alternativa a las prácticas centradas en la exposición.
Han aumentado, por ejemplo, las oportunidades para presentar obras a premios internacionales de libros, acceder a ayudas a la edición y participar en ferias del libro en el extranjero, y los intercambios se han intensificado. En 2026, una organización taiwanesa dedicada a la investigación del libro de artista creó los «PHOTO GO ／ PAPER MATTER 攝影書獎 Photobook Awards», ampliando aún más las plataformas desde las que los creadores pueden presentar sus ideas y prácticas.

En cuanto a las oportunidades expositivas, la aparición de numerosos espacios alternativos también ha proporcionado más lugares y métodos dignos de experimentación para pensar el espacio.

Debemos agradecer la libertad para crear en Taiwán, la convergencia de posibilidades diversas y la labor de todas las organizaciones, equipos y espacios autogestionados que hacen posible la continuidad de la creación. Por supuesto, también deseo que cada persona que recorre este camino persevere, madure y continúe brillando.
Experimentar con libertad, crear espacios y apoyarse mutuamente: creo que, dentro de este ciclo, la expresión fotográfica taiwanesa va adquiriendo poco a poco nuevas formas.

¡Todo lo que ha mencionado es importante!
La práctica atraviesa distintas etapas, y cada una presenta aspectos que debemos afrontar y comprender con mayor profundidad. Encontrar en el momento adecuado la oportunidad, el espacio y el diálogo apropiados es algo sumamente valioso.

Mi práctica artística afronta experiencias y acontecimientos «difíciles de narrar, imposibles de mirar de frente, ante los que las personas intentan apartar la mirada o que no pueden expresar fácilmente». Todavía existen muchas dimensiones que podré desarrollar en el futuro: la psicología en torno a la enfermedad y la filosofía de la medicina, las diversas experiencias corporales de las mujeres, los fenómenos de comunicación intergeneracional (intergenerational communication) entre generaciones distintas y las catástrofes sociales de estructura más compleja, entre otras.

Por supuesto, hay cosas que no pueden expresarse con palabras. Dejémoslas ahí, como algo que iremos conociendo dentro de las obras y a lo largo de la vida.