Vivir como fotógrafo y estilista | 10 preguntas a Hidenobu Suzuki | ISSUE #4

‘ISSUE’ profundiza en la sensibilidad y el pensamiento de creadores de todo el mundo, ofreciendo nuevas fuentes de inspiración.
En ‘ISSUE #4’, a través de 10 preguntas a Hidenobu Suzuki —galardonado, entre otros, con el Premio de Oro de la Société Nationale des Beaux-Arts de Francia—, nos adentramos en su visión sobre la fotografía y su relación con el arte.

Nacido en 1971. Originario de Hamamatsu, reside en Toyohashi; su profesión principal es estilista.

Su práctica fotográfica, iniciada como afición, atrajo la atención de medios internacionales tras ser presentada en publicaciones como “National Geographic US” y “LensCulture”, lo que le llevó a ser destacado en numerosos medios de todo el mundo.

En 2016 fue invitado a exponer en una histórica asociación artística francesa, recibiendo el Premio de Oro de la Société Nationale des Beaux-Arts. La exposición tuvo lugar en el Museo del Louvre. En Japón, su trabajo fue presentado en 13 páginas de la sección de fotografía de la revista mensual Bungeishunju.

No tengo un recuerdo claro de la primera vez que tomé una fotografía, pero probablemente fue de niño, usando una cámara desechable llamada “Utsurun-desu”.

El punto de inflexión para comenzar a fotografiar de manera más seria fue en 2013, cuando recibí el Premio de Oro en un concurso fotográfico de Olympus.
Por aquel entonces, había un viaje de empresa planeado a Angkor Wat y, ya que iba a visitar un Patrimonio de la Humanidad, decidí comprar una OLYMPUS “PEN”, y así comenzó todo.

No diría que tengo una preferencia marcada por cámaras o lentes en particular. Sin embargo, en mi gabinete de almacenamiento tengo unas 35 lentes, incluyendo las que uso con mis cámaras principales: Canon 5D Mark III, 6D, FUJIFILM X-Pro, OLYMPUS OM-D y PEN, LEICA X2, y lentes ZEISS, entre otras.

Entre 2014 y 2018, recibí varios premios de fotografía en “National Geographic US”, por lo que solía emplear lentes, filtros y trípodes adecuados para fotografía de naturaleza y festivales japoneses.

Posteriormente, tras varias invitaciones a París para exposiciones colectivas e individuales, mi estilo evolucionó hacia una producción más pictórica y artística, prefiriendo lentes vintage que no ofrecen una imagen nítida. A veces, envolvía el lente con film plástico o utilizaba láminas transparentes para lograr deliberadamente imágenes menos definidas.

Con la llegada de la cámara en el siglo XIX, el arte —hasta entonces dominado por el realismo en retratos y pintura— experimentó una transformación hacia el impresionismo y la abstracción. Hoy, con la popularización de los smartphones, la fotografía se ha diversificado aún más.

No hay una única respuesta correcta: cada persona debe elegir el equipo que facilite su expresión. Ya sea de alta gama o sencillo, lo importante es que se adapte a la forma de crear de cada uno. Esa es mi filosofía respecto al equipo.

Desde la mañana hasta la noche, en el trabajo siempre suena música R&B internacional, así que suelo escuchar lo último en R&B global.

¡Te recomiendo las listas “R&B Hits” y “R&B Now” de Apple Music!

Andreas Gursky.
Es uno de los fotógrafos más representativos de la fotografía contemporánea alemana. Su primera exposición individual en Japón tuvo lugar en 2013 en el Museo Nacional de Arte de Tokio.

La ocasión que me marcó fue contemplar su obra “Rhein II”, que en su momento fue la fotografía más cara de la historia. Al entrar en la sala, me impresionó el tamaño de sus obras, pero al principio no entendía su atractivo porque parecían imágenes muy ordinarias.
Sin embargo, al recorrer la exposición y acercarme a la salida, empecé a sentir una extraña incomodidad. Volví a recorrer la sala, observando las obras con escepticismo, hasta que me di cuenta de algo.

“Todas sus obras representan paisajes que no existen en la realidad”.

Siendo impresiones tan grandes, los defectos de edición deberían ser evidentes, pero la edición era tan natural y realista que realmente te hacía creer que “fotografía = verdad”. Recuerdo la emoción de estar en un espacio donde todos los presentes asumían como real algo que no lo era.

Al ver el año de producción de sus obras, me sorprendió la capacidad de edición que tenía en una época en la que los ordenadores no eran tan potentes. Desde entonces, me interesé por la edición fotográfica y aprendí a disfrutarla. Creo que ahí se encuentra la base de mi técnica de edición.

Me gustaría probar tanto cámaras nuevas como antiguas.

Al fin y al cabo, son herramientas para crear obras, igual que un bolígrafo o un pincel, y cada una tiene sus particularidades. Me gustaría experimentar con diferentes equipos.

Me gustaba especialmente fotografiar escenas de lluvia.
Es una percepción personal, pero creo que las imágenes de lluvia invitan a los espectadores a reflexionar sobre su mundo interior.

En días soleados, la mayoría de la gente sale y dirige su energía hacia el exterior, pero cuando llueve y el clima es adverso, solemos quedarnos en casa, ver la televisión o leer, y la energía se vuelve hacia el interior, propiciando momentos de introspección.

Mi intención al crear obras sobre la lluvia era que quienes las contemplaran pudieran conectar con su propio interior.

Ya no suelo ir, pero los lugares considerados “puntos panorámicos” por el público en general.
Me incomoda ver a personas que, sin ceder el espacio ni mostrar consideración por los demás, solo buscan su propia satisfacción. Lo mismo ocurre con los aficionados al ferrocarril.

Quienes aman y dominan la fotografía deberían crear obras originales en lugares menos conocidos y así influir en más personas. Prefiero imágenes que transmitan claramente el estilo y la personalidad del autor, en vez de fotos genéricas que se ven en todas partes.

En las redes sociales abundan las fotos técnicamente buenas. Todos tienen cámaras, lentes y habilidades de edición de alto nivel, pero muchas imágenes repiten los mismos encuadres y lugares, como si fueran fotos conmemorativas. Me gustaría que, sin molestar a los demás, busquen la originalidad en sus fotografías.

Además, recomiendo prestar atención no solo a la visualización en pantalla, sino también a la impresión de las obras. Tras exponer impresiones de gran formato en París y Nueva York, comprobé que en las ampliaciones grandes se revela claramente la calidad de la edición. Deja de conformarte con pantallas pequeñas y edita tus fotos para que resistan impresiones de tamaño B0. Aprenderás mucho de ello.

Normalmente estoy tan ocupado que recurro a ZOZOTOWN. Muchas gracias siempre.

No tengo ajustes predeterminados. Todo depende de las condiciones y la situación de la toma. Más importante es tener claro qué imagen quiero crear antes de disparar.

Es como cocinar, ¿verdad?
Si no piensas qué vas a preparar o cómo lo vas a sazonar antes de empezar, no te saldrá bien.

En mi trabajo como estilista también es igual: primero imagino el peinado antes de cortar, así el resultado es más bello. Si improvisas mientras cortas, puedes acabar cortando demasiado o con un peinado desordenado.

Con la cámara, cualquier cosa puede quedar registrada al apretar el obturador, así que creo que es fundamental aprender a visualizar la imagen antes de disparar para mejorar como fotógrafo.