Conexiones y la expresión del interior | 10 preguntas a Masamiya Hikaru | ISSUE #2

‘ISSUE’ profundiza en la sensibilidad y el pensamiento de creadores de todo el mundo, siendo un punto de partida para nuevas fuentes de inspiración.
En ‘ISSUE #2’, a través de 10 preguntas a Masamiya Hikaru, directora de arte radicada en Tokio, exploramos sus múltiples raíces, su visión artística singular y sus métodos de expresión.

Mi madre es china y mi padre australiano, pero nací y crecí en Tokio, así que soy japonés (risas). Actualmente trabajo en Tokio como directora de arte y diseñadora, y gestiono una marca llamada ‘aesthesia (エステジア)’.

Desde pequeña me gustaba dibujar y, al parecer, era conocida por dibujar en cualquier sitio (risas). Después de graduarme del instituto, emprendí un viaje alrededor del mundo como mochilera. Esa experiencia también está conectada con mi trabajo actual.

La motivación para dar la vuelta al mundo surgió durante un examen en el instituto.

Durante el examen, desde la última fila, de repente dejé de escribir y observé a mis compañeros de clase delante de mí. Por supuesto, todos estaban resolviendo el examen al mismo tiempo, con el mismo uniforme y la misma postura.

Como conocía la individualidad y la belleza interior de todos los que tenía delante, esa situación me pareció curiosa y sentí miedo de que vivir siguiendo el llamado “camino trazado” pudiera llevar a perder la individualidad.

Pensé que sería mucho más interesante si cada uno respondiera de una forma más personal (risas).

Por esa experiencia, al pensar en mi futuro con una visión más amplia, llegué a la conclusión de que quería conocer valores, culturas y mundos que desconocía, no solo Japón. Aunque no hablaba nada de inglés, decidí “salir al mundo”.
Gracias a eso, aprendí que los “valores” son innumerables y dependen del lugar, la cultura y el entorno, y que al viajar a otro país tu forma de pensar puede cambiar radicalmente, pero que, en esencia, hay cosas que no cambian sin importar en qué parte del mundo estés.

Durante mi vuelta al mundo, trabajé como periodista de moda, haciendo fotos de street style, y aunque era una fotógrafa amateur, también logré colarme en semanas de la moda internacionales (risas).

Fue entonces cuando empecé a asistir a exposiciones de moda, pintura y fotografía.

En cuanto a fotografía, una experiencia que me marcó fue la exposición ‘So Far So Goude’ de Jean-Paul Goude en Milán cuando tenía 20 años. Me impactó mucho y me pregunté de dónde salían esas ideas.

Eso es lo que más recuerdo dentro del ámbito fotográfico.

No tengo un recuerdo claro de la primera vez que tomé una foto. Creo que empecé antes de tener conciencia.

Mi madre siempre llevaba una cámara, así que probablemente me la dio para que tomara fotos antes de que pudiera recordarlo.

De pequeña, lo que más me gustaba era dibujar.

A día de hoy, considero la fotografía como algo técnico, quizá con una sensibilidad más de ingeniera, aunque también tiene algo de mecánico.

De forma abstracta, siento que la fotografía es “captar el exterior” y la pintura es “emitir el interior”.

Por eso, cuando miro por el visor de la cámara, no siento que esté recortando el paisaje exterior, sino que, de forma natural, expreso a través de la mirada pictórica.

Siempre he pensado en cómo una fotografía puede sublimarse en una pintura.

Salvo cuando se trata de obras muy elaboradas, no me obsesiono demasiado con el equipo.

En el trabajo también grabo vídeo, y a menudo extraigo fotogramas de esos vídeos para convertirlos en fotografías.

Esto se debe a que me gusta la textura particular del cine, y siento que extraer una imagen de un vídeo transmite mejor la atmósfera de una secuencia. Quizá mi obsesión sea precisamente crear fotografías a partir de vídeo (risas). Al final, ambos son marcos.

Para vídeo, suelo usar la Pocket Cinema Camera de Blackmagic, una marca australiana.

Para fotografía cotidiana, me gustan las cámaras instantáneas de 35mm. Me importa la textura, pero no soy muy fiel a una marca.

Creo que para el uso diario, la “naturalidad y facilidad” de la cámara es lo más importante: poder sacarla del bolsillo y capturar el momento al instante.
Ahora que lo pienso, empecé a usar cámaras instantáneas de 35mm influenciada por el fotógrafo Hiroyuki Koshikawa, a quien conocí en Ucrania durante mi vuelta al mundo y que me fotografió allí.

Durante el viaje, también tenía una MINOLTA Riva ZOOM de 35mm que encontré en una tienda de antigüedades, pero al volver a Japón se rompió, así que ahora uso como segunda cámara una Canon autoboy 3.

Me gusta Londrelle, que también es poeta, desde antes de que fuera famoso, y últimamente lo escucho mucho.
Lo que me gusta de él es que, desde hace cinco años, sus letras y el fondo de su mensaje no han cambiado. Aprendí que eso es lo que hace que lo esencialmente bueno no pase de moda.

También he estado volviendo a escuchar el álbum ‘Sunday Service’ producido por Kanye West, y mientras trabajo escucho a Chaikovski, Mozart o temas de AOKI TAKAMASA.

La música clásica ayuda a concentrarse, ¡deberían probarlo! (risas)

Cuando estoy creando, me sumerjo tanto que no intento imitar a nadie. Siento que las muchas experiencias pasadas que me han inspirado se manifiestan en el momento presente.

Creo que es una regla personal para reproducir fielmente el deseo de expresar mi interior.

No es que haya una persona concreta, pero a menudo encuentro inspiración al rastrear la historia.

Por ejemplo, cuando quiero fotografiar retratos como los que cuelgan en las aulas de música, investigo la historia de los retratos.

Al investigar quién fue el primero en popularizar el retrato fotográfico, descubrí que fue Nadar, un fotógrafo francés de la década de 1850.

Nadar tenía un atelier en París donde retrataba a celebridades y artistas de la época. Lo interesante es que pintores impresionistas tan conocidos en Japón como Monet o Cézanne alquilaron el atelier de Nadar y allí realizaron su primera exposición, lo que marcó el inicio del movimiento impresionista. Todo está conectado.

Además, aunque hoy en día es normal hacer tomas aéreas con drones, se dice que Nadar fue el primero en tomar fotografías aéreas desde un globo aerostático. Es curioso que el pionero del retrato y de la fotografía aérea fuera la misma persona.

Investigar la historia siempre es interesante porque te permite descubrir cosas que no sabías.

Cuando estuve en París, fui a la dirección del atelier de Nadar, pero lamentablemente ya no existe (risas).

Me gustaría probar la Kyocera TD de 35mm.
Viene equipada con una lente Carl Zeiss Tessar T*, la textura de las fotos es excelente y, simplemente, me gusta su diseño.

También, aunque es un lujo, siempre he tenido curiosidad por la LEICA minilux.
Como su precio sube cada año, comprarla ahora sería lo más barato, lo que demuestra lo apreciada y exclusiva que es esta cámara.

En cuanto a retratos, mis fotos favoritas son aquellas en las que conecto con el corazón de la persona en ese instante.

Cuando se produce esa conexión sensorial, es decir, cuando el sujeto muestra su verdadero ser. Me gusta cuando la persona se muestra tal cual, me atrae de forma natural y me sumerjo en la situación.

Es difícil de expresar con palabras (risas).

En cuanto a paisajes, me gusta fotografiar edificios en el extranjero. Capturar algo que ha estado en el mismo lugar durante mucho tiempo, mucho más que mi propia vida, me hace sentir parte de esa historia.

Incluyéndome a mí y a los demás, hacer algo a sabiendas de que no es auténtico o que no está bien.

Creo que es en esos momentos cuando se revela la autenticidad artística y humana.

Tengo muchos amigos diseñadores, así que la mayoría de las veces me regalan o me envían ropa (risas).

A veces también intercambio productos que he creado. Como son conocidos, adaptan el diseño a mis gustos. Les encanta crear, así que siempre escuchan mis ideas con entusiasmo, y a veces eso se convierte en inspiración para nuevas colecciones.

Además, nunca he sido muy buena eligiendo entre la ropa de tiendas convencionales.

Soy una persona que fotografía por intuición, así que los ajustes dependen mucho de la situación. Por supuesto, influyen el clima y el entorno, pero también la forma en que percibo el mundo ese día.

Eso sí, en cuanto al enfoque, prefiero hacerlo en manual.

Por último, una anécdota un poco torpe (risas).

Durante mi vuelta al mundo, llevé una réflex Nikon, pero como mochilera, el entorno era duro: la mochila se golpeaba, dormía en la playa y entraba arena, así que el autofoco dejó de funcionar.

No podía permitirme comprar otro objetivo, así que no tuve más remedio que enfocar en manual.

Al principio fue difícil acostumbrarme a enfocar manualmente en momentos que quería capturar rápidamente, pero tras año y medio se volvió algo natural. Y al final, resultó que solo se había endurecido el botón y la cámara no estaba rota (risas).

Pero una vez acostumbrada, me di cuenta de la libertad que da el enfoque manual.

Supongo que para los profesionales el enfoque manual es lo habitual, pero gracias a esa experiencia, adquirí de forma natural la sensibilidad para enfocar manualmente.

Además, si se trata de crear algo elaborado, quiero poner especial atención en los aspectos manuales.

Creo que ese “algo” inexplicable que convierte el arte en arte nace de esos pequeños detalles. Como se dice, “Dios está en los detalles” (risas).