Taiwans bildende Künstlerin Yang Chia-Hsin beantwortet „10 Fragen“ | ISSUE #283

In Interviews mit Persönlichkeiten, die fotografische Ausdrucksformen aus eigenständigen Perspektiven erforschen, beleuchten wir die Ursprünge ihres künstlerischen Schaffens, ihre konzeptuellen Ansätze und Arbeitsprozesse und vermitteln Fotograf:innen und Fotomedien weltweit neue Inspiration.

Die Ursprünge der künstlerischen Praxis der in Taiwan tätigen bildenden Künstlerin Yang Chia-Hsin sowie die Gedanken und Perspektiven, die ihr besonders wichtig sind: Sie in unserer Zeit sprachlich zu archivieren und für die Zukunft zu bewahren, dürfte einen Beitrag zur kommenden Fotokultur leisten.

Mit diesen „10 Fragen“ nähern wir uns dem Prozess, durch den ihr künstlerischer Ausdruck Gestalt annimmt.

Derzeit arbeite ich über Körpererfahrung, intime Beziehungen, sinnlich-emotionale Narrative von Krankheit und Trauma, fragmentarische Wahrnehmung, Körperempfindungen und multisensorische Welten.

Indem ich private Erfahrungen öffentlich mache, untersuche ich zugleich Themen wie gesellschaftliche und familiäre Strukturen, soziale Katastrophen und Medizinphilosophie. Ausgehend von vielschichtigen Auswirkungen, die vom Individuum bis zum Kollektiv reichen, von den körperlichen und psychischen Veränderungen bei Menschen, die sich traumatischen Erinnerungen stellen, sowie von der Materialität und Transformation unterschiedlicher Medien erforsche ich das kuratorische Thema der „öffentlichen Intimität“ (public intimacy).

Meine erste Begegnung mit der Fotografie erfolgte im Fotografieunterricht der Oberschule und durch meinen damaligen Lehrer. Zu jener Zeit trug ich jeden Tag eine Kamera bei mir, fotografierte nach dem Unterricht und arbeitete an fotografischen Projekten. Dort erwarb ich die Grundlagen der Fotografie und entwickelte mein ästhetisches Empfinden.
Während meines Studiums experimentierte ich mit unterschiedlichen medienübergreifenden Arbeitsweisen: Ich verband Fotografie und Materialien zu halbplastischen Installationen oder schuf ortsspezifische Soft Sculptures mit Bewegtbild. Über verschiedene Materialien und Texturen untersuchte ich private Körpererfahrungen.

Ein tief prägendes Erlebnis und zugleich ein bedeutender Wendepunkt auf meinem künstlerischen Weg war das unerwartete Wiederauftreten einer Krankheit. Diese Erfahrung führte dazu, dass ich dem Prozess der „Selbstwiederherstellung nach einem Trauma durch verkörperte Erfahrung“ (Self-restoring from trauma through embodied experience.) besondere Bedeutung beimaß. Nach meiner Genesung begann ich, an mehreren Werkserien zu arbeiten.

Statt von „Fotografie“ würde ich präziser von „Bild“ sprechen. Für mich ist das Bild ein künstlerisches Material.
In meiner Praxis arbeite ich mit vielen Materialien: Bildern, Dokumenten und Texten, Archiven sowie selbst erlebten Ereignissen. Unter diesen besitzt das Bild die Kraft, verschiedene Ebenen wie „Erfahrung, Vergegenwärtigung oder Erinnerung“ zu mobilisieren, zu übersetzen und hervorzurufen. Mitunter fungiert es auch als ein Medium der „Offenbarung“.

Bilder nehmen ihren Ausgang im Privaten, doch sie zirkulieren, verbreiten sich massenhaft und erfüllen sowohl die gesellschaftliche Realität, in der wir leben, als auch den digitalen Raum. Deshalb bilden auch „Mythen des Alltags“ und „Körpererfahrung“ Ausgangspunkte meines künstlerischen Denkens; die „visuelle Übersetzung“ wiederum verbindet meine Praxis mit meinem Denken.

Was mir wichtig ist, verändert sich meines Erachtens mit den Begegnungen und Situationen, die sich im Arbeitsprozess ergeben. Es geht dabei weniger um ein einzelnes Werk oder Projekt als um eine Haltung gegenüber der künstlerischen Praxis.

In meinen jüngeren Arbeiten lege ich besonderen Wert auf die Interpretation und Übersetzung des „Umwegigen“ (circuitous), weil es mir ermöglicht, mit allen denkbaren Möglichkeiten in Berührung zu kommen. Ich begreife das Umwegige zugleich als künstlerische Haltung und hoffe, dass sich jedes Werk auf andere Gegenstände, wissenschaftliche Aspekte, Details und Tiefenschichten ausweitet.
Die Überlagerung von Zeit und Empfindungen, die wie ein Umweg erscheinen mag, ist für mich auch eine Methode, mich Körper und Erinnerung anzunähern.

Der Begriff „迂迴“ (circuitous) geht auf den klassischen Parallelprosatext „還冀州別洛下知己序“ des Literaten Wang Bo aus der frühen Tang-Dynastie zurück. Er bezeichnet Bewegungen, Wege und Reisen, die sich winden und Umwege nehmen, und wurde später auf das Erreichen eines Ziels auf indirektem Weg übertragen. In meinem künstlerischen Denken und Arbeiten, dem ich besondere Bedeutung beimesse, entwickle ich den Begriff zu drei Perspektiven auf die Praxis weiter: räumliche Umwegigkeit (spatial circuity), gedankliche und psychische Reflexionsschleifen (circuitous reflection) sowie die vielfachen Zirkulationen von Lebenserfahrung und Körperempfindung (embodied experience).

Meine Arbeiten konzentrieren sich häufig auf Aspekte wie „Körpererfahrung, Krankheitserfahrung, die Psychologie von Krankheit, das Wiedererleben nach einem Trauma, familiäre Erfahrungen und generationenübergreifende Traumata von Frauen“. Ausgehend von der jeweiligen Problemstellung verknüpfe ich unterschiedliche Felder wie Soziologie, Psychologie, Medizinphilosophie, Ikonografie und Kunstgeschichte.
Der Impuls für diese Praxis entspringt der Erfahrung von Schmerz (embodied pain), die ich empfand, als ich mich mit meinem eigenen Körper auseinandersetzte. Schmerzerfahrung ist eine Empfindung im weitesten Sinne, legt jedoch jedes Detail schonungslos offen. Ihre Besonderheit entsteht aus der Anhäufung kleiner Ereignisse im Leben eines jeden Menschen. Schmerzerfahrung kann etwa die Empfindung eines verletzten Körpers, die Neuinterpretation einer Narbe oder einer physischen Spur sein – oder auch das kollektive Mitgefühl, das durch die Leidensgeschichte eines einzelnen Menschen hervorgerufen wird.

„Zufall, Kontingenz und Zufälligkeit“ faszinieren mich, und ich achte auf meinem künstlerischen Weg fortwährend auf solche feinen Wendepunkte.
In der künstlerischen Praxis ist der Zufall sowohl Funke als auch Schlüssel. Ein flüchtiger Blick (glimpse) oder eine Begegnung während der Suche nach einem unbekannten Ort und des allmählichen Ankommens dort kann die ursprüngliche Konzeption verändern. Gerade solche Arbeitserfahrungen sind besonders kostbar und verdienen es, bewahrt zu werden.

Der eindrücklichste „Zufall“ ereignete sich während einer Ausstellungsführung. Ich hörte ein Gespräch zwischen einem etwa neun- oder zehnjährigen Mädchen und seinem Vater. Das damals ausgestellte Werk befasste sich mit der Rekonstruktion eines Körperarchivs – meiner persönlichen Krankengeschichte. Es untersuchte, wie Erfahrungen der Fürsorge aus Körpererfahrungen hervorgehen und welche Reaktionen innerhalb intimer Beziehungen entstehen.

Das Gespräch zwischen dem Mädchen und seinem Vater bewegte mich zutiefst. Während er sie im Arm hielt, betrachtete er ruhig meine Krankengeschichte und erklärte ihr in einem sanften, behutsamen Ton, was Krankheit und Tod bedeuten … Schweigend hörte ich seinen Worten und den Reaktionen des Mädchens zu und ließ die Situation auf mich wirken … Dieses Erlebnis brachte mich erneut dazu, über mein eigenes Werk und darüber nachzudenken, wie künstlerische Praxis unterschiedliche Bereiche der menschlichen Seele erreichen kann.

Tatsächlich kann ein flüchtiger Blick (glimpse) oder ein einzelner Satz zum Funken einer Arbeit werden. Wenn wir uns nicht davor fürchten, mit Unvertrautem, mit Dingen, die der menschlichen Seele nahestehen, mit Privatem oder mit ungezwungenen, natürlichen Momenten in Berührung zu kommen, kann der Zufall ein Werk in Bewegung setzen. Wenn ein Werk die Erinnerung oder eine Frage eines Menschen berührt und ein intimes Gespräch entstehen lässt, formt sich in diesem Augenblick vielleicht still jene „öffentliche Intimität“, die ich meine.

Raum und Zeit sind – gewissermaßen wie eine „Zeitzone“ – beides Medien, die meine künstlerische Praxis tragen.

Bei der Anordnung meiner Arbeiten ist mir besonders die Fluidität „vom Ausstellungsraum zum Raum des Öffnens und Schließens eines Buches“ wichtig – also die Verbindung, Fortsetzung und der Dialog zwischen einzelnen Werken und zwischen verschiedenen Räumen.

Mit Formaten wie Künstlerbüchern und Rauminstallationen zeichne ich bevorzugt Details von Orten, Ereignissen, Erfahrungen, Empfindungen und Atmosphären nach. Ich arrangiere Elemente wie Objekte, Bilder, Archive, Klang, Skulptur und Handlung. Indem das Publikum den Arbeiten in unterschiedlichen Räumen, Präsentationsformen und Körperhaltungen begegnet, öffnet sich eine Form der Empathie, durch die das Werk gleichsam erneut erfahren werden kann.

Für mich ist ein Werk also nicht lediglich etwas, das an einer Wand oder in einem Buch betrachtet wird, sondern etwas, das zwischen Körper, Erinnerung und Empfindung des Publikums erneut erfahren wird.
In der von 2025 bis in dieses Jahr entwickelten Serie „界行者 The Borderwalker“ etwa nahm ich die räumliche Beschaffenheit eines „Ausstellungsraums in einem Wohnhaus“ zum Ausgangspunkt. Durch die künstlerische Praxis des „Instandsetzens eines Raumes, Arrangierens von Bildern und Editierens eines Buches“ entfaltete ich eine Vorstellung von „intimen Beziehungen im öffentlichen Raum“.

Alle Rollen und Positionen in der Kunstwelt gehen ineinander über und beeinflussen sich gegenseitig.
Kurator:innen, Künstler:innen, Kreative und Teilnehmende – das Publikum und andere Beteiligte – spielen eine wesentliche Rolle bei der Gestaltung jener Kontexte, in denen Kunst entsteht. In meiner künstlerischen Praxis bin ich zugleich Künstlerin, Kuratorin und im Hintergrund Tätige.

Durch die Überschneidung mehrerer Positionen entstehen zusätzliche Möglichkeiten der Beobachtung und des Verständnisses.
Die Betrachtung von Bildern bleibt niemals auf eine einzige Rolle beschränkt. „Ein Bild aus der Perspektive der Skulptur betrachten, ein Bild aus der Perspektive des Bildes betrachten, ein statisches Bild aus einer dynamischen Perspektive sehen – oder umgekehrt“: Diese Ansätze unterscheiden sich und sind doch miteinander verbunden. Die gleichzeitige Perspektive einer Künstlerin und Kuratorin macht die Entwicklungslinien der Kunstschaffenden innerhalb ihrer Praxis sichtbar.
Dadurch achte ich auch stärker darauf, wie Gedanken und Konzepte kohärent hervortreten und einen Kontext ausbilden. Wie nehmen problemorientierte Interpretation und künstlerischer Ausdruck im Ausstellungsraum Gestalt an? Wie werden sie erweitert, miteinander vermischt und zu einer Kunstwelt verbunden, die sich den Teilnehmenden vermittelt? Die Aufgabe, „sich stets dem Publikum zuzuwenden“, ist dabei von zentraler Bedeutung und lässt sich nicht umgehen.

In Taiwan künstlerisch zu arbeiten, empfinde ich als sehr frei.
Nach der Pandemie entstanden im Norden, in der Mitte und im Süden Taiwans zahlreiche Offspaces, auf Fotobücher spezialisierte Buchhandlungen und Initiativen für unabhängiges Publizieren. Für Bild- und Bewegtbildkünstler:innen in Taiwan bietet das unabhängige Publizieren eine weitere Möglichkeit, die sich von einer primär ausstellungsorientierten Praxis unterscheidet.
Auch die Gelegenheiten, sich für internationale Buchpreise zu bewerben, Publikationsstipendien zu erhalten oder auf Buchmessen im Ausland auszustellen, haben zugenommen; zugleich ist der Austausch intensiver geworden. 2026 gründete eine taiwanische Initiative zur Erforschung von Künstlerbüchern die „PHOTO GO ／ PAPER MATTER 攝影書獎 Photobook Awards“. Damit entstand eine weitere Plattform, auf der Kunstschaffende ihre Gedanken und ihre Praxis präsentieren können.

Auch im Ausstellungsbereich bieten die vielen neu entstandenen Offspaces inzwischen mehr Orte und Methoden, an denen sich ein Nachdenken über Raum erproben lässt.

Dafür sollten wir dankbar sein: für die Freiheit, in Taiwan künstlerisch arbeiten zu können, für das Zusammenwirken vielfältiger Möglichkeiten und für die Rolle all jener Organisationen, Teams und selbstverwalteten Räume, die eine kontinuierliche künstlerische Praxis ermöglichen. Natürlich wünsche ich auch jedem einzelnen Menschen auf diesem Weg, weiterhin beharrlich zu bleiben, die eigene Praxis reifen zu lassen und fortwährend zu strahlen.
Frei zu experimentieren, Räume zu schaffen und einander zu unterstützen – innerhalb dieses Kreislaufs gewinnt die fotografische Praxis in Taiwan meines Erachtens allmählich neue Formen.

Alles, was Sie genannt haben, ist wichtig!
Die künstlerische Arbeit durchläuft verschiedene Phasen, und jede davon bringt Aspekte mit sich, denen man sich widmen und die man vertieft verstehen sollte. Zum richtigen Zeitpunkt auf die passende Gelegenheit, den geeigneten Raum und einen fruchtbaren Dialog zu treffen, ist äußerst wertvoll.

Meine künstlerische Praxis stellt sich Erfahrungen und Ereignissen, „über die sich schwer sprechen lässt, denen man nicht direkt ins Auge sehen kann, von denen Menschen den Blick abwenden möchten oder die sich nicht ohne Weiteres aussprechen lassen“. Es gibt noch viele Aspekte, die ich künftig weiterentwickeln kann: beispielsweise die Psychologie von Krankheit und die Medizinphilosophie, unterschiedliche Körpererfahrungen von Frauen, Phänomene generationenübergreifender Kommunikation (intergenerational communication) sowie soziale Katastrophen mit noch komplexeren Strukturen.

Natürlich gibt es Dinge, die sich nicht in Worte fassen lassen. Lassen wir sie als etwas bestehen, das wir in den Werken und im Leben allmählich kennenlernen.