10 Fragen an die britische Künstlerin Gabby Laurent | ISSUE #232

Durch Interviews mit Persönlichkeiten, die fotografische Ausdrucksformen aus einer eigenständigen Perspektive verfolgen, beleuchten wir die Ursprünge, Denkweisen und Schaffensprozesse ihrer künstlerischen Praxis und bieten Fotografinnen, Fotografen und Fotomedien weltweit neue Inspiration.

Die Ursprünge des Schaffens der in Großbritannien ansässigen Fotokünstlerin Gabby Laurent sowie die von ihr geschätzten Denkweisen und Perspektiven zu archivieren und für die Gegenwart festzuhalten, wird zweifellos einen Beitrag zur zukünftigen Fotokultur leisten.

Mit den „10 Fragen“ tauchen wir in die Prozesse ein, die hinter der Entstehung ihrer künstlerischen Ausdrucksformen stehen.

Ich habe mich schon immer für Fotografie interessiert. Ich erinnere mich, dass ich als Kind die Familienalben auf meine eigene Weise neu zusammengestellt habe. Ich mochte das Medium Fotografie selbst, aber auch das, was es darstellt, hat mich fasziniert. Bis heute halte ich das Familienalbum für das beste Buch überhaupt.
Auch in meiner aktuellen künstlerischen Arbeit steht die Familie im Mittelpunkt. In meinem aktuellen Projekt „You Used To Be Connected“ gibt es ein zentrales Werk, das den Bauchnabel meines Sohnes zeigt.

Für mich ist es das Nebeneinander von Gegensätzen wie Humor und Tragik, Sicherheit und Geborgenheit.
Diese Widersprüche und Dualitäten spiegeln sich nicht nur in den Themen meiner Werke wider, sondern ziehen sich auch konsequent durch die von mir verwendeten Materialien.

Der Ursprung einer Idee ist für mich meist sehr intuitiv. Man kann sich in einen Zustand versetzen, in dem man für Ideen empfänglich ist, aber sie lassen sich nicht erzwingen.

Manchmal beginnt es mit einem Interesse an bestimmten Materialien oder Themen, doch im Verlauf der Entwicklung eines Werks wird der Prozess zunehmend reflektierter und intellektueller.

Ideen. Ich trage ständig Ideen in mir, die ich verwirklichen möchte, und der Wunsch, diese zu realisieren, ist meine treibende Kraft im Schaffensprozess.

In einer neuen Serie habe ich den Bauchnabel meines Sohnes fotografiert und im Fotolabor mit Texten überlagert.

Dieses Werk ist sehr persönlich, trägt aber auch eine universelle Bedeutung. Es spricht von einer mütterlichen Verbindung und berührt zugleich das Gefühl, dass wir früher viel tiefer mit uns selbst verbunden waren.

Das hängt vom Kontext ab. Für mich sind Fotografie und KI unterschiedliche Medien.

Natürlich verstehe ich, dass das eine das andere imitieren kann. Aber KI fehlt die künstlerische Handschrift des Menschen, und genau das zieht mich nicht an.

Am meisten prägt mich meine eigene Community: meine Kinder, mein Partner, meine Freundinnen und Freunde. Die Frauen in meinem Umfeld spielen eine besonders große Rolle und sind für mich von enormer Bedeutung.

Unzählige. Werke, die aus Cal Arts in den 1970er Jahren hervorgingen, Performance Art aus Korea der 1960er und 1970er Jahre sowie feministische Kunst weltweit aus dieser Zeit. Aktuell arbeite ich an einem Projekt mit dem V&A (Victoria & Albert Museum) und beschäftige mich mit der britischen Bewegung „Feministo“.

Das ist eine sehr schöne und zugleich schwierige Frage. Ich möchte nach „Klarheit“ streben – einen Zustand, in dem ich mich durch meine Werke am effizientesten und klarsten ausdrücken kann. Doch vermutlich werde ich nie zu einem endgültigen Ergebnis gelangen. Der Tod ist vielleicht die einzige endgültige Antwort.

Ein Zitat aus einem Brief von Sol LeWitt an Eva Hesse:

Hör auf zu denken, hör auf, dir Sorgen zu machen, hör auf zurückzublicken, hör auf zu zweifeln, hör auf zu fürchten, hör auf, dich zu verletzen, hör auf, auf einen einfachen Ausweg zu hoffen, hör auf zu kämpfen, hör auf zu greifen, hör auf, verwirrt zu sein ... Hör auf, dich selbst zu zermürben. Hör auf – und tu es einfach!